Чем работает художник: Как и чем работает художник. IV Знакомство с новой техникой – Презентация к уроку по изобразительному искусству (ИЗО, 2 класс) на тему: Чем и как работают художники

Как и чем работает художник. IV Знакомство с новой техникой

Чем и на чем рисует художник

Учитель ИЗО и МХК, 1 квалификационной категории,

МБОУ гимназии № 30 г.Ульяновска:

Бутузова Наталья Витальевна


«Рисовать надобно уметь прежде, нежели быть художником, потому что рисунок составляет основу искусства…..»

К.И. Брюллов



Материалы и инструменты художника: бумага, картон, холст, карандаши, ластик, кисти, палитра, мольберт, этюдник, краски: акварельные, гуашевые. Правильно организуй своё рабочее место !

Инструменты и материалы для рисунка

Для выполнения рисунков используются многие инструменты и материалы. Для начинающего наиболее пригоден обычный простой карандаш с графитным стержнем. Карандаши"(от тюрк, «кара» - черный и «таш» - камень) бывают твердыми, мягкими, глянцевыми, матовыми, а также различных силы и цвета.

Еще в античную эпоху использовались свинцовые и серебряные штифты. В

В эпоху Возрождения входит в употребление сланцевый итальянский карандаш (черный мел), который в XVI в. был окончательно вытеснен графитным. Этому способствовало открытие залежей графита в Англии и Италии. Однако первые графитные карандаши плохо держались на бумаге и пачкались. В 1720 г. француз Н. Конте предложил обрамлять графитные стержни деревянными дощечками, чтобы уменьшить их ломкость и сделать более удобными в работе. Почти одновременно чех Й.Хартмут начал изготавливать стержни из смеси графитного порошка и глины. Найденная удачная пропорция этой смеси позволила добиться заданной твердости или мягкости материала.

Графитный карандаш хорошо держится на поверхности бумаги и легко стирается ластиком. При рисовании графитным карандашом на первых этапах рисунок следует вести очень легко, без нажима. Ровное покрытие поверхности, л иста определенным тоном достигается с помощью штрихов, нанесенных в одном направлении. Чтобы получить плавный переход тона от темного к светлому, штрихи наносят чаше или реже, усиливая или ослабляя нажим на грифель.



Рисование контурной линией

Линия - это главное выразительное средство рисунка. Линия художника отличается от чертежной. Ее эмоциональная палитра разнообразна: она может быть тонкой, изысканной и жесткой, колючей, угловатой, может быть решительной, смелой, порывистой и неуверенной, робкой

Контурные линии силуэтов Татьяны Марковцевой




Рисование графическими материалами рисование простым карандашом ученическая работа: 1 автопортрет Анны Бернарфинер 2 пейзаж «Камни»


Штрих - это короткий след пера или карандаша, простейший элемент техники рисования. Различными по направлению и характеру штрихами передаются объемно-пластические и пространственные свойства объектов, их фактура. Системой штрихов можно создать выразительные эффекты динамики, света и тени



Рисование пером и тушью

С. да Верона. Пророк. Перо, коричневые чернила

С. да Верона. Пророк. Перо, коричневые чернила

С. да Верона. Пророк. Перо, коричневые чернила

  • В старину использовали тростниковые, соломенные и птичьи перья (гусиные, лебединые, павлиньи, вороньи и т.д.), позволяющие легко изменять толщину линии, варьировать методы штриховки.
  • Металлические п

Как работали великие художники

 

   

         Метод И.Репина: краски как обычно размещены вдоль верхнего края палитры. В центре расположены белила, справа теплые, а слева холодные цвета.

         Метод художников 17 века: свинцовые белила возле отверстия для большого пальца, затем вдоль края палитры идут охра желтая, зеленая земля, сиена, охра красная, умбра, и черный. В этом варианте, цвета размещены от светлых к темным.

         Практическое правило старых мастеров: во избежание образования грязного цвета, применяйте последний метод, и смешивайте цвета только с ближайшими цветами на палитре, или с белым.

         Основная схема работы заключается в следующем: темные места пишите с помощью умбры, полутона сиеной, а светлые места – желтой.

         Главное правило старых мастеров – не зависимо от того, какого цвета предмет, передавать его следует в контексте всей композиции, тем разнообразием цветов, который есть у вас на палитре.

         Лучше всего раскладывать краски ближе к внешнему краю палитры, таким образом, останется больше места для работы с цветами.

         Многие художники вместо одного большого пятна каждой краски, делают несколько маленьких. В результате чего, легче поддерживать чистоту, и яркость красок.

         Прежде всего, нужно изучить техники старых мастеров, разобраться в пигментах какими они пользовались, и как составляли свою палитру.

         Изучать этот вопрос легче всего по автопортретам художников, где они изображали себя или других художников за работой, с палитрой в руке.

Франсиско Хосе де Гойя–и–Лусьентес  (1746-1828)

         Испанский художник, один из самых ярких представителей эпохи романтизма.

         Гойя использовал семь цветов (не считая белого и черного), и размещал их на палитре с белым пигментом вначале, у отверстия для большого пальца, и черным в конце. Помимо белого и черного Гойя использовал только природные пигменты.

         На картине видны девять пигментов, которые размещены по внешнему краю палитры в таком порядке: свинцовые белила, охра желтая, охра коричневая, красный светлый, сиена жженная, и четыре черных пигмента.

         Как и у большинства художников 18 века, вермильон размещен отдельно, перед белым пигментом.

         В центре палитры художник начал смешивать краски для получения необходимых цветов.

         Природные пигменты могут быть очень яркими и обладать высокой тональной силой: охра желтая выглядит практически так же, как и неаполитанская желтая, красный светлый как вермильон, сиена жженная, как краплак, и глауконит (когда используется) как виридиан.

         Необычной особенностью палитры Гойя является то, что на его палитре большое количество черных пигментов (четыре), но, в то же время, явное отсутствие умбры.

         Также на палитре Гойя отсутствуют синий и зеленый пигменты.

         Большое количество черного на заднем плане придает его работам особенный характер.

Оскар Клод Моне (1840-1926)

         Французский художник–импрессионист.

         Палитра художника Клода Моне описывается как яркая, или богатая.

         Моне обращался с красками также свободно, как и пианист с клавишами пианино. Работая над картиной, он не отрывал от нее взгляда, ему не требовалось смотреть на палитру, чтобы найти нужную краску. Его палитра все время менялась.

         Начиная с 1860 года, Моне избегал черных красок, его палитра состояла только из чистых светлых цветов.

         Отвечая на вопросы, он говорил             «… Самое важное, это знать, как использовать краски. Выбор красок – всего лишь дело привычки. Я использую свинцовые белила, кадмий желтый, вермильон, крапп (ярко красная), кобальт синий, окись хрома, и все.»

         Детальное изучение техники Моне, показывает, что краски, часто, использовались прямо из тюбиков, или смешивались непосредственно на холсте.

         Также, Моне прибегал к технике лессировки (работа полупрозрачными красками), чтобы добиться эффекта прозрачности, и свечения.

         Моне наносил краску легкими мазками, либо так чтобы они не соприкасались, либо непосредственно одну за другой.

Рембрандт Хермес ванн Рейн (1606-1669)

         Голландский художник. Один из самых ярких представителей золотого века голландской живописи. Мастер светотени.

         Рембрандт всегда интересовался светом. Он любил создавать интригу с помощью света и тени, пользуясь насыщенными природными пигментами.

         В работе над своими картинами, Рембрандт использовал исключительно небольшое количество красочных пигментов. Его палитру можно охарактеризовать как простую.

         В разные времена, палитра Рембрандта включала в себя такие краски: свинцовые белила, охру желтую, охру красную, кость черную, вермильон, краплак, зеленую землю, умбру, свинцово-оловянную желтую, коричневый "ван-дейк".

         Но никогда, все эти краски не были одновременно на палитре Рембрандта.

         Свинцовыми белилами Рембрандт писал тело, белые манжеты и воротники, а свинцово-оловянным желтым наиболее яркие места.

         Как правило, Рембрандт природные (земляные) пигменты смешивал с другими цветами, чтобы усилить цвет.

         Художник часто использовал яркую охру красную, усиливая ее краплаком, но не вермильоном, который применял редко.

         Для предварительных набросков композиции на холсте, а также насыщенного темно коричневого заднего плана, художник любил использовать коричневый "ван-дейк". Но поскольку он плохо сохнет, Рембрандт смешивал его с другими природными пигментами, что бы предотвратить этот эффект.

         Художник выкладывал на палитру ровно столько красок, сколько было нужно на день. Делалось это по двум причинам: 1) Пигменты были дорогими, и расходовать их нужно было разумно; 2) Краски никогда не оставались на палитре до следующего раза, потому что они подсыхали, и могли испортить картину.

         Существовала формула при написании таких специфических вещей, как золота, лошадей, и тела. Если Рембрандт собирался провести день, рисуя только лошадь, он подготавливал лишь необходимые для этого пигменты, а именно: свинцовые белила, черную и охру желтую.

         Как правило, Рембрандт, составляя краски, использовал 3-4 основных цвета, и только работая над телом, применял до шести пигментов.

Поль Гоген(1848-1903)

         Французский художник самоучка. Представитель постмодернизма.

         Поль Гоген верил в чистый цвет, в то, что работа художника должна быть посвящена именно этому.

         На изображении можно рассмотреть палитру художника, которая была найдена в мастерской после его смерти. Краски Гоген, не раскладывал в каком то определенном порядке, похоже, что он даже не чистил свою палитру, а накладывал краски поверх высохших.

       Своему ученику он говорил забыть традиционное использование цвета, какому его учили в академии, и вместо этого рисовать так, как он видит в природе, используя яркие цвета: « Каким ты видишь это дерево? Оно зеленое? Тогда нарисуй его зеленым, лучшим какой имеется на твоей палитре. Какими ты видишь эти деревья? Они оранжевые. Тогда делай их оранжевыми. А тени от них синие? Тогда изобрази их с помощью чистого ультрамарина.  Листья красные? Тогда бери вермильон».

Французский художник Жорж Пьер Сера(1859-1891)

       Жорж Сера верил в то, что основные цвета: красный, желтый и синий достигают глаз с разным спектром, и смешиваются на сетчатке.

       Следовательно, Сера раскладывал краски в определенном порядке (желтые, красные, синие - от светлых к темным), всего лишь добавляя нужные цвета ( красный/зеленый, или фиолетовый/желтый), и для каждого цвета отдельный белый.

       Черный не использовался, поскольку был объявлен физиками не ярким цветом.

         Жорж Сера не любил технику импрессионизма из-за легких мазков, лежащих в ее основе.

         Напротив, он применял технику «пуантилизм», которую создал и разработал вместе с другом, художником Полом Синяком.

         Пуантилизм заключается в использовании большого количества маленьких точек, для создания объекта.

         После Сера многие художники прибегали к этой техники.

         Пуантилизм скорее техника смешивания цветов, чем стиль. Суть в том, что цвета смешиваются только при зрительном восприятии, так званом оптическом смешении, без непосредственного физического смешивания.

Французский художник Эдгар Дега(1834-1917)

         Один из главных представителей импрессионизма, хотя сам считал себя реалистом.

         Работал в разных техниках: масляная живопись, акварель, пастель и бронзовая скульптура.

         Палитра Дега (на изображении) относится к раннему этапу его творчества, когда основную часть красок художника составляли природные (земляные) пигменты.

         Значительно ярче палитра Дега стала позже, когда изменилась тема его работ, а также техника, для которой стали характерны смелые, широкие мазки.

         С помощью серии длинных, волнистых линий чередующими цветами одну за другой, Дега предавал вибрации и энергии даже самые обычные предметы.

       Другой любимой техникой Дега выступает поперечная штриховка, где линии- штрихи пересекаются серией перпендикулярных линий.

         Штриховка, и поперечная штриховка чаще всего встречаются в пастельных работах Дега.

         Дега также работал в технике «импасто», когда краска накладывается толстым, густым слоем, ударными мазками.

         Дега часто комбинировал пастель, или масло со связующими веществами, в результате чего получалась густая, пастообразная краска.

         Дега как-то признался своему другу, что никогда не чувствовал себя по настоящему удовлетворенным, когда его работы покидали мастерскую.

Винсент Ван Гог (1853-1890)

         Нидерландский художник, представитель постмодернизма.

         Ван Гог скорее задавался целью передать настроение, и эмоции, чем использовать цвета реалистично.

         В то время это было неслыханно.

         «Вместо того, что бы в точности передавать увиденное, я более произвольно использую цвета, что бы мощнее передать мои собственные ощущения».

         Поначалу, палитра Ван Гога состояла в основном из темных и мрачных земляных пигментов, таких как: умбра, сиена и оливковый зеленый.

         С развитием новых, светостойких пигментов, а также интерес к работе импрессионистов, внесли в его палитру яркие краски: красные, желтые, оранжевые, зеленые и синие.

         Типично, палитра Ван Гога состояла из таких цветов: охра желтая, желтый крон, кадмий желтый, оранжевый крон, вермильон, прусский синий, ультрамарин, свинцовые и цинковые белила, изумрудный, краплак, охра красная, сиена и черный.

         Ван Гог работал очень быстро, с чувством безотлагательности, используя краску прямо из тюбиков, широкими красочными мазками (импасто).

        В письме своему брату Тео, в 1882, Ван Гог писал: « Есть три основных цвета – красный, желтый и синий; дополнительными цветами выступают оранжевый, зеленый и фиолетовый.

         Если добавить черный и немного белого, можно получить бесконечное разнообразие серых – серый красный, серый желтый, синий серый…

         Невозможно даже сказать, сколько существует серо-зеленых. Понимая эти простые правила, можно получить более 70 разных цветов.

         Художник – это человек, который по крайней мере знает как анализировать цвет, когда видит его в природе, и может сказать, к примеру, что тот серо-зеленый это желтый с черным и синим и.т.д. Другими словами, это тот, кто знает, как найти серые цвета природы на своей палитре».

         «Что бы подчеркнуть красоту волос, я прибегаю к оранжевым цветам, кронам, и бледно желтому… Я создаю ясный задний план, с помощью богатого, насыщенного синего, который только могу придумать, и с помощью этой простой комбинации – ярких волос на фоне насыщенного синего заднего плана, я получаю мистический эффект, как у звезды в глубине лазурного неба».

Пьер Огюст Ренуар( 1841-1919)

         Французский художник. Один из самых ярких представителей, а также основателей импрессионизма.

         Ренуар всегда начисто вытирал свою палитру после работы. Он был аккуратным и экономным.

         Ренуар стал известным благодаря умению использовать цвета, в частности: черный, белый и серый.

         В основном, Ренуар пользовался всего лишь пятью разными цветами кроме белого: титановые белила, желтый крон, краплак, голубой ультрамарин, прусский синий, вермильон. 

         В разные периоды творчества, палитра Ренуара дополнялась такими цветами: неаполитанская желтая, виридиан, кость жжёная, умбра жжёная, сиена, охра желтая, венецианская красная, синтетически краплак (темно красная), кобальт синий, окись хрома, свинцовые белила.

         Он был настолько влюблен в живопись, что не прекращал работать даже в старости, болея разными формами артрита, и рисовал кисточкой привязанной к рукаву.

         Ренуар любил импрессионизм, он изображал обычных людей танцующих и веселящихся. Благодаря его мастерству передавать свет, картины Ренуара яркие, живые и спонтанные.

         С возрастом также изменился стиль Ренуара, он стал мягче, а очертания   поверхностными.

         Художник начал использовать мощные цвета, чаще всего красные и оранжевые, а мазки делать густыми и насыщенными.

         Его любимой темой стали молодые, полные, обнаженные девушки.

         Используя холсты уже покрытые белой масляной краской, Ренуар, тем не менее, с помощью мастехина наносил еще один слой свинцовых белил.

         Новый слой заполнял узор холста, делая его поверхность гладкой и отражающей.

         Когда холст был все еще влажным, художник тонким слоем наносил краску на водной основе, благодаря чему достигалась поразительная прозрачность и текучесть. Таким приемом, Ренуар чаще всего пользовался, работая над лепестками цветов, а также задним планом.

         Изучение техник и палитр великих мастеров способно дать больше чем все современные книги о живописи вместе взятые. Нужно лишь научиться видеть.

 

Перейти в Галерею.

 

Необходимые материалы и инструменты для художника

Окружающий мир изменяется ежесекундно, поэтому работы современных художников не похожи на картины их предшественников. Создать произведение искусства может мастер, только имея талант и необходимые инструменты.

Сегодня художники, не выходя из дома, заказывают в интернете на специализированных сайтах необходимые материалы и инструменты, это так же просто как купить аксессуары здесь phone.1k.by. Ведь, согласитесь, с подробным описанием продукции и фото, её просто выбрать. Отображая на холсте чувства и эмоции, живописец создает индивидуальную работу, при помощи которой хочет донести до человечества определенный смысл. Настоящий мастер постоянно работает – гуляя по городу, смотря киноленты, читая книги, общаясь с прохожими, слушая песни, таким образом, он вдохновляется.

Приступая к работе, сначала живописец набрасывает эскиз на холст, а затем вносит необходимые краски. Срок написания картины зависит от материалов, с которыми работает художник. Все имеет свойство меняться, хоть материалы и инструменты художника дорабатываются, но основные остаются неизменными:

  • Карандаши;
  • Кисти;
  • Холсты;
  • Краски;
  • Ластик.

Теперь о каждом из них расскажем более подробно. Обычный простой карандаш самый незаменимый и уместный инструмент. Сейчас им делают не только наброски работы, но и создают картину полностью. Отличие карандашей в твердости, чтобы линии были тонкие, необходимо использовать твердый карандаш, соответственно для толстых линий – с мягким стержнем. К такому инструменту, как ластик, стоит серьёзно относиться. Потому что от этой, казалась бы маленькой детали, зависит качество всего рисунка. При помощи ластика можно аккуратно удалить ненужные линии, как будто их и не было на холсте.

Выбирая кисть, нужно понимать, какими красками вы будете работать и какую технику применять. В магазинах огромный выбор кистей, они разняться по формам, видам, типам пучков и материалам изготовления. Для каждой техники и краски есть определенные кисти, но желательно выбирать кисти, изготовленные из натуральной ворсы. Они дольше прослужат и выполнят все необходимые функции. Приобретая холст, необходимо учитывать материал и плетение, так как от этого зависит реакция на влажность и температуру.

Вы должны понимать, какими красками будете работать, из какого материала вам нужно полотно, пожелания по креплению картины. Теперь азы вы знаете, а это предполагает, что вы сможете вдохновиться и отобразить при помощи материала, инструментов и уникального таланта невероятный посыл, которым будут любоваться многие поколения.

Наталия Пешкова © Gallerix.ru



Чем и как работает художник — презентация на Slide-Share.ru

Художник  – это человек, который творчески работает в какой-нибудь области искусства. Художником называют людей, которые работают красками и карандашами, занимаются скульптурой и т.д. И.И. Левитан за работой в московской мастерской. 1890-е. Термин

Художника, который пользуется красками (акварель, темпера, гуашь, масло) называют  живописцем. И.Е.Репин в мастерской в Пенатах, 1905 год. Живописец

Если художник любит рисовать карандашом, углем, фломастерами, тушью, пером, то его называют  графиком. И. В.Голицын. Портрет В.А. Фаворского за работой.

Художник, посвятивший себя искусству скульптуры – это скульптор (ваятель). В.И. Мухина. 1946 г. "Рабочий и колхозница"

Марсель Дюшан, Колесо, 1914 Художники начала 20 века

Мария Абрамович, Улай, Отношения во времени (1977 г.) Художники конца 20 века

Есть художники, которые занимаются оформительскими работами (создание плакатов, роспись предметов, оформления интерьеров домов, магазинов и различных учреждений). Их называют  художниками-оформителями. Тышлер А. Г. Макет декорации к спектаклю «Ричард III»

Акварель  – это прозрачные краски, разводимые водой. В акварельной живописи не используют белую краску. Роль белил играет бумага, поэтому если нужно осветлить цвет, то необходимо использовать больше воды.

Гуашь  – это водяные краски, более плотные и густые, чем акварель. Краска гуашь не прозрачна и содержит белила. Это означает, что писать нужно от темного к светлому, а не наоборот. Смешивая цвета, нужно брать в расчет, что влажная гуашь более яркая. Когда она высыхает, она бледнеет, Поэтому цвета всегда нужно выбирать более насыщенные, чем те, которые вы желаете видеть в конечной работе.

Масляные краски  – краски, состоящие из окрашивающих пигментов и масла. Масляные краски, в отличие от акварели и гуаши, сохнут очень медленно. Масляные краски растворяют специальной жидкостью (разбавителем).

Кисть  – это инструмент художника, для наложения краски на бумагу, картон, холст.

Круглые кисти.  Предназначается для нанесения краски линией. Это прекрасная кисть для рисунка, создания фактуры, работы над деталями. Плоские кисти  – это вид кисточек, у которых волосяной пучок плоской формы. Такими кистями наносят широкие ровные мазки: ими хорошо работать на крупных участках бумаги.

Изготавливают кисти из волосков белки, пони, колонка, свиньи, а так же синтетических материалов. Кисти беличьи Кисти из щетины

Художник-живописец обязательно использует палитру.  Палитра  – это небольшая тонкая и лёгкая доска четырёхугольной или овальной формы, на которой художник смешивает краски во время работы.

Графитные карандаши (простые и цветные)  – карандаши, в основе которых лежит графит. Они различаются по твёрдости грифеля, которая, как правило, указана на карандаше и обозначается буквами М (В) — мягкий и Т (H) — твёрдый. Стандартный (твёрдо-мягкий) карандаш обозначается сочетаниями ТМ или HB. Буква F (от англ. fine point (тонкость) – это средний тон между НВ и Н.

Очень популярен среди художников  уголь для рисования. Рисовальный уголь бывает двух видов: обычный древесный уголь и прессованный. Древесный уголь приготовляется из сухих, очищенных от коры прутиков ивы и березы путем обжига. Прессованный уголь чернее и жирнее, чем древесный. Изготавливают его из угольного порошка, с применением растительного клея в качестве связующего вещества. Прессованный уголь продают в виде палочек, они бывают трех номеров твердости. древесный уголь пресованный уголь

Пастель  – цветные карандаши без оправы, изготовленные из цветного порошка. Бывает двух видов – масляная и сухая. сухая пастель масляная пастель

Изготовление масляных красок https ://www.youtube.com/watch?v=bdHLGxbuJzw

Как работает художник кино нового поколения? Мастер-класс Аддиса Гаджиева

Фото: Олег Оприско


В конце июня в рамках практикума «Киноизнанка» в МШК прошла лекция Аддиса Гаджиева — художника-постановщика российских и зарубежных проектов и куратора факультета «Художественная постановка». Он рассказал, как изменились функции художника-постановщика за последнее время, как выстраивается его сотрудничество на съемочной площадке с режиссером и оператором, а также когда лучше использовать 3D-технологии, а когда — строить декорации.


Аддис Гаджиев: Я художник кино, театра, хотя работал и на телевидении, делал концерты. Мои коллеги: Анна Толстунова, замечательный молодой художник кино, моя воспитанница (не побоюсь этого слова), которая работает со мной лет 15, и молодой и прекрасный Илья Иванов, глава студии Red Reddish — это студия-производитель декораций, мы делали вместе несколько ТЭФИ и несколько церемоний GQ.

Я думаю, что все, кто приходит в школу кино, имеют представление о том, что делают актеры и режиссеры, а вот о работе художников не в такой степени. Специальность «Художник кино» остается за границей информации, никто не знает, что это замечательная, увлекательная и тонкая профессия, которая не позволяет применить знания и навыки в кино, а имеет широчайший прикладной спектр. Вы можете использовать свою профессию и в кино, и в театре, и на телевидении и в концертной деятельности, и в рекламе, и в музыкальном видео, можете работать и как станковист, и как график.

Это очень молодая специальность, ей всего 120 лет. Она впитала в себя все, что возможно от художников. Все, что умеют художники, умеют и художники кино. В то же время это нечто новое, и, конечно, за 120 лет профессия невероятно развилась. Во времена братьев Люмьер художник ставил нехитрые декорации в стеклянном павильоне в светлом географическом месте. Шли годы, технологии развивались и усложнялись — соответственно усложнялась и специальность. Современный художник должен знать компьютерную графику, разбираться в специальных эффектах — снега, дождя, огня и т. д.

Раньше у художника было два помощника, а сейчас главный художник — это верхушка гигантского айсберга, который является арт-департаментом в кино. Его можно назвать творческим управленцем, который в первую очередь должен иметь организаторские способности, быть коммуникабельным и образованным, уметь управляться с большим коллективом людей, и только потом рисовать. Иногда и рисовать не приходится — нет времени. Арт-департамент может легко состоять из 50 человек. Это все начальники, руководители маленьких подразделений.


Художник кино отличается от дизайнера тем, что он должен уметь передавать эмоции пространства.


Нынешний художник — другой человек. Современному художнику обязательно уметь работать с операторской техникой, знать камеры. Сережа Иванов выстроил на картине «Царь» великолепные декорация, но приглашенный иностранный оператор (Том Стерн — прим. ред.) снял все на таком объективе, что декораций вошло 40% — ничего не видно. Не договорились, а это имеет значение. Работая на проекте, художник должен учитывать эти вещи, предлагать объективы и камеры, хотя это и не его департамент, но он обязан это делать. Художник должен уметь работать со светом.

Но часто художники не знают, как снять их работу, таким образом превращаясь просто в дизайнеров пространства. Художник кино отличается от дизайнера тем, что он должен уметь передавать эмоции пространства.

Другой мощный современный инструмент — цветокоррекция. В постпродакшне вы можете изменить цвета и раскрасить вашу картину. Это все инструменты, а их много.

Кинопроекты могут длиться год-полтора. Объем работы ненормированный, это все дается с кровавыми слезами. Работа 24 часа в сутки.

Эскизы «Азии 80» Максима Покровского («Ногу свело»)

Как стать художником кино? Я попал случайно в профессию, никогда он ней не думал. Я вырос в семье художников. Я собирался стать станковистом, живописцем, графиком. Но как-то попал на студию, где познакомился с несколькими художниками кино. И был потрясен. Каждый раз — что-то новое. У станковиста нет проблем с бумагой или холстом — у него полная свобода самовыражения, а тут инструменты меняются — ты выражаешь все, что ты задумал посредством новых инструментов и технологий. Это значительно интереснее. Здесь нужно постоянно развиваться. Компьютерные технологии, например, очень изменили профессию. Ты вынужден знать все новинки техники.

За рубежом профессия называется production designer. Очень точное название. У нас — «художник-постановщик» — не совсем понятно, что это за профессия. Есть еще такая профессия — арт-директор проекта — человек, который управляет арт-департаментом. Художнику приходится заниматься огромными, сложными, многомиллионными декорациями.


Иногда декорации делают плохо, а грим — отлично. Нужно решать такие вещи в едином ключе.


Существует и отдельный человек — художник по декорациям, который также называется set designer или set director. Большая часть времени уходит на разработку и создание декораций. Иногда бывают, что придумали замечательные эскизы, но никак не могут их продвинуть в дело, потому что не хватает знаний, мощности и культуры изготовления декорации.

Студия Ильи — прекрасный пример того, как нужно заниматься разработкой и строительством декораций. В его студию приходишь с идеями, скетчами, эскизами в отдел разработки, где есть специалист по скетч-арту, который отлично может все проработать: вы поймете, откуда будет начинаться кадр, где поставить камеры, что снимается, обратить внимание на детали. Современная студия — это целый мир.

Все рождается из идеи главного визуализатора — художника проекта, а компьютерная графика — это инструмент, поэтому декорации иногда делаются уже на «посте».

Иногда идеи можно воплотить с помощью графики, иногда с помощью настоящих декораций. Умение работать со студией пост-продакшена выходит на передний план. Художник фильма является главным визуализатором проекта, а художники по костюму, художники по гриму работают с ним в одной команде, хотя они замечательные и профессиональные специалисты. Мы отвечаем за сочетание костюмов и декораций, грима и декораций. Иногда декорации делают плохо, а грим — отлично. Нужно решать такие вещи в едином ключе.

Художник-постановщик — это специальность, главный художник — это должность. Чаще всего ее занимает художник-постановщик, благодаря своей информированности во всех сферах. Иногда, правда, главным художником может стать и художник по костюмам. Однако, инструментов у художника-постановщика обычно больше.

[Вопрос из зала] Расскажите, пожалуйста, подробнее о взаимодействии оператора и художника-постановщика.

Взаимодействие с оператором и режиссером бесконечно важно. Сами по себе декорации ничего не стоят. Стоит результат — классное кино, от которого нельзя оторваться. Я стараюсь выстроить отношения на фильме или рекламном проекте следующим образом. Начинается все с диалога — предлагаются решения. Придумывая проект, ты понимаешь, какой камерой, какими объективами он будет снят, какой свет ставить. Сколько места нужно для света, какое будет пространство, какие отходы для камеры нужно предусмотреть. Художник должен сразу ответить на эти вопросы.

Могу поделиться опытом работы над американским фильмом «Похищение». Оператором на нем был Дэниэл Перл, который снимал старую и новую «Техасскую резню бензопилой» и второго «Чужого против Хищника». Замечательный оператор. С самого начала он точно знал, где будут приборы, камера и свет — поэтому разногласий между нами не было. Оператор, в отличие от художника-постановщика, приходит на проект на определенное количество смен и может быть две-три консультации. Художник же подключается к проекту на самых ранних стадиях, на девелопменте. Естественно, человек дольше живет на проекте и больше знает о нем. Ему обязательно нужно делиться своей информацией с операторами.

Эскизы и декорации «Мотоателье» для ролика «Банк ВТБ24»

Для меня идеальным фильмом кажется михалковский «Свой среди чужих, чужой среди своих», где художником работал Александр Артёмович Адабашьян. Он нашел великолепное изобразительное решение и вместе с оператором Павлом Лебешевым создал шедевр. Каждый кадр — композиция, каждый кадр — находка.

[Вопрос из зала] Как взаимодействуют режиссер и художник-постановщик? Как начинается их совместная работа?

Анна Толстунова: Конфликты происходят часто. Чтобы их не было, нужно слушать друг друга. Еще есть такая вещь, как подборка референсов. Прежде чем рисовать что-то, нужно найти референсы и обсудить, насколько правильно художник понимает все и в какую сторону двигаться. На основе референсов начинаются разрабатываться декорации.


Плохие режиссеры не умеют делиться полномочиями, а кино — дело командное.


На больших проектах главный человек — это продюсер, который заложил свое имущество, получил кредит и на эти деньги запускает большой проект. Этот человек понимает, чем он рискует, делая проект. Именно он формулирует задачу.

Например, фильм «Похищение». Продюсер фильма Марк Дэймон описал мне проект и спросил, как я его вижу. Главный продюсер, а не режиссер. Он мне прислал заявку, это даже еще не был сценарий, там не было указано, где происходит действие. Поэтому я написал, что и как я вижу. Потом мы встретились и поделились своими идеями. Самое главное — это идеи. Нужно уметь донести их до людей. Любой режиссер будет только счастлив, если ты приходишь к нему с идеями. Если ты что-то предлагаешь, это всегда воспринимается на ура. Плохие режиссеры не умеют делиться полномочиями, а кино — дело командное. Были и конфликтные ситуации.

Эскизы и декорации «Шоколадной мастерской» для ролика «Россия ― щедрая душа»

На этом проекте очень хорошо видно работу художника. На него ушло пять дней. Это очень мало, поэтому все правки вносились моментально. Через стекла витрин все видно, пол с перспективным сокращением камней специально распечатали. Это все удалось благодаря студии. Часто бывает, что художник замечательный, а студия погубила все идеи.

[Вопрос из зала] Насколько актуально строить декорации, когда есть компьютерная графика?

На посте сделать все гораздо дольше и дороже. Я считаю, что 3D-технологии не должны использоваться тогда, когда можно декорацию сделать в реальности. 3D должно обогащать реальность, а не делать ее. Часто в реальных сетах есть неровности, шероховатости, которые придают изюминку вашему проекту. В 3D слишком чисто все получается.

Приведу в пример работу над серией роликов «Россия — щедрая душа». Режиссер практически не участвовал в задании, изначально агентство сформировало очень условный бриф. На следующий день возникли идеи, мы всей командой собрали референсы, и я написал записку, где указал, что хочу изобразить шоколадную студию-лабораторию, смесь стекла и металла, много света. Никаких скетчей не делал. «Нестле» согласились. Затем мы приступили к эскизам. Важно опять же распределить задачи. Аня делала фор-эскиз, а мастер по реквизиту подобрал свои референсы, придумал приборчики. Затем декорации оцениваются цехами, и согласуется бюджет. В кино все также, только дольше. Затем идет производство. Пока декорации собирают, я сижу на стуле и наблюдаю. Я отвечаю за бюджет, если стоимость растет, то это идет из нашего кармана.

[Вопрос из зала] Как работать с моушн-дизайном и спецэффектами?

Расскажу на примере ролика «Арбидол». Это была такая космическая история. 50% пост, 50% живые съемки. Опять же нашли референсы, придумали синопсис, потом на стадии создания сетов мы на встрече показываем, что будут делать CGI-специалисты, а что мы будем снимать вживую. Если им все правильно объяснили, то все идет отлично. Гайды обязательно дать, иначе люди начинают дергать тебя, режиссера, оператора.

Художник должен уметь передать атмосферу. Ему не нужно сделать красиво, это задача дизайнера. Художнику нужно передать чувство, трагедию, счастье, настроение посредством визуализации. Этому научить нельзя, но можно развить в человеке чувствительность.

[Вопрос из зала] Как рассчитать бюджет и как с ним работать?

Всегда существует проблема финансов и идей. Продюсеры, координаторы и художники должны не перетягивать на себя одеяло, как только это происходит, все начинает идти плохо. Идею нужно придумать на конкретный бюджет. На фильме «Похищение» полтора миллиона ушло на декорации и реквизит из 17 миллионов общего бюджета. Это очень хорошие деньги. А есть проекты, где изображение не требует таких колоссальных затрат. На них тоже интересно работать и стараться, чтобы фильм выглядел дороже, чем он есть.

Очень часто нужно сделать что-то из ничего. Иногда каменные сцены делаются из отштукатуренной натянутой ткани. Металл делают из дерева и так далее.

Анна Толстунова: У нас была сложная задача так расставить декорации, чтобы оператор мог двигаться за актерами без склейки. У нас было множество чертежей, мы придумали пятиминутный проход героя со всеми деталями. Все, к счастью, получилось, и все были довольны.

Аддис Гаджиев: Мы работали одной командой — режиссер Дима Фикс, оператор Андрей Макаров. Мы придумали мир и посчитали, сколько это будет стоить. Все, что вы видите в клипе, было построено с нуля за две недели. В итоге бюджет немного урезали, но не сильно. Все персонажи были одеты по нашим референсам, была большая работа с актерами. Сняли за один день, за девять дублей.

Очень часто приходиться работать в разных странах с разными группами. Иногда даже дешевле поехать куда-то, чем воссоздавать натуру в павильоне.


Художник должен уметь передать атмосферу. Ему не нужно сделать красиво, это задача дизайнера.


Сейчас существует множество информации и учебников, в основном, правда, на английском языке.

В нашей профессии рисовать нужно уметь обязательно, донести какие-то мысли словами будет очень сложно, однако, можно обойтись без академического рисунка.

[Вопрос из зала] Бывало ли такое, что прочитав сценарий, вы захотели бы поменять место действия?

Анна Толстунова: Нас всегда учил наш мастер во ВГИКе читать между строк. Если вы считаете, что ваша идея будет лучше работать на фильм, то предложите команде свой вариант.

Аддис Гаджиев: Я люблю, когда нет четкого описания пространства, и ты сам можешь придумать его. Тонкий художник всегда может обогатить идею. Художники должны быть фанатиками своего дела, лучшие профессионалы всегда ими являются.

[Вопрос из зала] Чем же тогда занимается режиссер?

Аддис Гаджиев: Режиссеру приходиться работать с множеством других задач — драматургией, актерами, композиторами и донести до них свое видение. Режиссер — несчастный человек, потому что его часто никто не понимает.

16 основных инструментов для художников! Фото и описание

Правильные инструменты для рисования могут дать вам свободу воплотить свое художественное видение в жизнь. Вот 16 предметов, которыми должен владеть каждый художник.

Если вы готовитесь начать свой путь в искусстве, вам нужно будет выбрать набор инструментов для рисования. Если вы хотите создать новое произведение карандашами или просто поработать над своей техникой живописи, эти инструменты помогут вам хорошо подготовиться.

Итак, какие инструменты нужны художнику.

01. Карандаши


Деревянные и механические, Стэдлер, Дервент и Пентел, карандаши являются основным инструментом для творчества. Найдите бренд, с которым вам понравится работать, и убедитесь, что у вас под рукой всегда есть из чего выбрать.

02. Ластики


Ни одна работа художника в карандаше не будет выполнена без ластика. Эта ковкая шпаклевка удалит графит с большинства поверхностей – самый необходимый инструмент для искусства, который мы когда-либо видели!

03. Ручки


Если вы предпочитаете работать с ручками, убедитесь, что у вас есть хороший выбор от бренда, который вам нравится. Есть тысячи марок ручек на любой вкус, например, у Фабер-Кастелл чрезвычайно широкий выбор!

04. Альбомы с твердой обложкой


Независимо от того, работаете вы над своим портфолио дизайна или над новым дизайном логотипа, эскиз - это художественный инструмент. Если вы ищете новую бумагу, то у нас есть большой выбор альбомов для записей, один из которых обязательно будет соответствовать всем вашим требованиям.

05. Акварельная бумага


«Я использую атласный, гладкий Лангтон в большинстве моих работ», - говорит художник Дейв Кендалл. «Хотя можно использовать любую гладкую акварельную бумагу».

06. Масонит


Многие художники предпочитают рисовать на масонитовых досках. Их можно приобрести и разрезать на нужные размеры у продавцов древесины или оборудования.

07. Холст


Отправная точка вашего следующего шедевра, не так ли? Можно купить готовые или изготовленные на заказ холст-доски в большинстве арт-магазинов. Со временем и приобретением опыта вы сможете делать их сами.

08. Палочка художника


Палочка художника - это палочка с мягкой кожей или мягкой головкой, её используют художники для поддержки руки, которая держит кисть. Они широко доступны в художественных магазинах, или вы можете посмотреть видео выше и сделать свой собственный.

09. Акрил


Универсальными, яркими и доступными по цене акрилами можно окрашивать что угодно. «Ликитекс и Финити, Уинсор & Ньютон –я пользуюсь чаще всего именно этими красками», - комментирует Кендалл.

10. Масляная краска


Если вы хотите начать работу или предпочитаете рисовать масляной краской, существует широкий диапазон от обычной до растворимой в воде.

11. Акварель


Акварель - это универсальное средство для рисования, которое поможет получить множество результатов. Такие краски чаще всего поставляются в сухом виде. Все об акварели можно узнать на сайте Уроки акварели. Очень рекомендуем, если хотите освоить рисование акварелью.

12. Чернила


Чернила - это инструмент высокого искусства, который может стать частью вашей коллекции. Отлично подходит для добавления яркого цвета и используются для остекления, если требуется драматический цвет.

13. Мольберты


Существует множество типов мольбертов. Ваш выбор должен зависеть от того, сколько денег вы готовы на него потратить.

14. Палитры


Плитки, плиты, мокрые палитры для акриловых красок от Уинсор & Ньютон и Далер-Роуни и традиционные деревянные палитры для масел.

15. Кисти


Выбор кистей для вашего очередного проекта не всегда бывает легким. В конце концов, различные эффекты требуют разных инструментов, поэтому может быть трудно предположить, что именно вы будете использовать. Если вы думаете какие кисти использовать, то лучше всего попробовать кисти разных форм. Помните, что нужно время, чтобы ознакомиться с различными формами кистей. Практика приводит к совершенству.

16. Лаки


Чтобы сохранить ваши картины, написанные маслом, вам понадобится покрыть их лаком для картин. Для этих целей доступны глянцевые и матовые лаки от различных поставщиков.

Советуем посмотреть:

Новички и любители-художники из этого видеоролика узнают о том, какими инструментs покупают художники. Распаковка посылки из интернет-магазина.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *