Что делают художники – Профессия художник 🎨 описание, виды профессий, связанных с художественной деятельностью, качества, зарплата, где может работать

Содержание

где учиться, зарплата, плюсы и минусы

Художник-график – это человек, создающий иллюстрации, рекламные плакаты, элементы айдентики, занимающийся оформлением полиграфической продукции. Профессия придется по душе абитуриентам, которые из всех школьных предметов выделяют литературу, а также увлекаются изобразительным искусством.

Читайте также:

Краткое описание

Отрисовкой и разработкой дизайна карикатур, гравюр, иллюстраций, шрифтов и других графических изображений занимается художник-график. Он должен уметь чувствовать рынок, обладать отличным чувством юмора и эстетическим вкусом. Важно умение рисовать от руки, навыки работы с разными видами красок (акварель, гуашь) и программных продуктов.

В живописи применяется широкая цветовая гамма, в графике цвет играет преимущественно вспомогательную роль, в ней используются линии, штрихи, точки и пятна. Изобразительный язык графики простой, понятный и лаконичный. Этот вид изобразительного искусства условно разделяется на несколько видов, рассмотрим их:

  • компьютерная,
  • станковая,
  • книжная,
  • журнальная,
  • прикладная,
  • промышленная,
  • газетная,
  • плакатная,
  • письменная.

В графике цветовая палитра не так важна, как оттенок и фактура поверхности, на которую наносится графическое изображение. Каждая деталь такого изображения важна, оно достаточно простое, создается быстрее, чем классическая картина. Базовые цвета – черный и белый, иногда используются дополнительные 2-3 оттенка, но не более, ведь графика не должна соперничать с живописью в вопросе богатства красок. В последствии готовое изображение размножают с помощью разнообразных техник печати, используя для оформления книг, газет и иной продукции.

Особенности профессии

Художник-график – творческая профессия, которая требует повышенной концентрации внимания, глубоких знаний об изобразительном искусстве, навыков менеджера и дизайнера. От художника-графика зависит то, насколько привлекательно будет выглядеть печатная продукция, понравится ли читателям книга или журнал. Графическое искусство сегодня используется не только в сфере книгоиздания или создания периодических печатных изданий, но и при оформлении инт

12 известных художников-самоучек, добившихся большого успеха

Интересно было бы узнать, как много среди моих читателей тех, кто хотел попробовать писать и всерьез заняться живописью, но остановился не из-за нехватки времени или нехватки фантазии, а из-за распространенного стереотипа о том, что достичь успеха в живописи можно лишь после долгих лет художественого образования?

Многие полагают, что художники-самоучки могут писать лишь в качестве хобби, но на успех, признание и богатство им рассчитывать не приходится.

Известные художники самоучки и их картины

Общаясь с многими людьми, я слышу это мнение в самых разных формах. Знаю даже многих художников, которые пишут, увлеченно и очень хорошо, но считают свои картины просто забавой лишь потому, что сами они не получили художественного образования.

Они почему-то полагают, что художник — это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.

Якобы, картины художников-самоучек сразу распознаются специалистами, как непрофессиональные, и вызовут только критику и насмешки.

Смело скажу — это все чепуха!  Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!

Более того, некоторые из этих художников успели прославиться при жизни, а их творчество повлияло на всю мировую живопись. Причем есть среди них как художники прошлых веков, так и современные художники-самоучки.

Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.

1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin

Пожалуй, один из величайших художников-самоучек. Путь его в мир живописи начался с того, что он, работая брокером и зарабатывая хорошие деньги, начал приобретать картины художников-современников.

Это хобби увлекло его, он научился хорошо разбираться в живописи и в какой-то момент начал пробовать писать сам. Искусство увлекло его настолько, что он стал всё меньше времени уделять работе и все больше писать.

Картина «Шьющая женщина» написана Гогеном ещё в бытность его биржевым брокером

В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству

, бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.

Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.

Наконец, Гоген решает полностью порвать с цивилизацией и слиться с природой, чтобы творить в райских, как он считал, условиях. Для этого он уплывает на острова Тихого Океана, сначала на Таити, затем на Маркизские острова.

Здесь он разочаровывается в простоте и дикости «тропического рая», постепенно сходит с ума и… пишет свои лучшие картины.

Картины Поля Гогена

Увы, но признание к Гогену пришло уже после его смерти. Через три года после его кончины, в 1906 году, в Париже была организована выставка его картин, которые были раскуплены полностью и позже вошли в самые дорогие коллекции мира. Его работа «Когда свадьба?» входит в рейтинг самых дорогих картин мира.

2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)

История этого мастера — в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то

Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.

При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях. А затем начал писать картины на собственные сюжеты.

В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.

Картина Джека Веттриано

Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это — без академического образования — в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.

3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau

Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне.

В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.

Картины Анри Руссо

Ещё при жизни художника его картины высоко оценили Пикассо, Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.

4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo

Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи.

Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.

Картина Мориса Утрилло

Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции. После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.

5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck

Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе — родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.

Картина Мориса де Вламинка

До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.

6. Аймо Катаяйнен /Aimo Katajainen 

Финский современный художник, работы которого относят к жанру «наивного искусства». В картинах присутствует много синего цвета- ультрамарина, что в свою очередь очень успокаивает… Сюжеты картин спокойные и умиротворящие.

Картины Аймо Катаяйнен

 Прежде чем стать художником, изучал финансовое дело, работал в клинике для реабилитации алкоголиков, но все это время писал в качестве хобби, пока его картины не начали продаваться и приносить хороший доход, достаточный для жизни.

7. Иван Генералич / Ivan Generalić

Хорватский художник-примитивист, сделавший имя картинами с сельским бытом. Стал знаменитым случайно, когда его картины заметил один из студентов Загребской академии и предложил ему провести выставку.

Картина Ивана Генералича

После того, как его персональные выставки прошли в Софии, Париже, Баден-Бадене, Сан-Пауло и Брюсселе, он стал одним из самых известных хорватских представителей примитивизма.

8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson Moses (она же Бабушка Мозес)

Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.

Картина Анны Мозес

Он и предложил провести выставку её работ. Картины Бабушки Мозес быстро стали настолько популярными, что её выставки были проведены во многих европейских странах, а затем в Японии. В возрасте 89 лет Бабушка получила премию от президента США Гарри Трумена

. Примечательно, что прожила художница 101 год!

9. Екатерина Медведева

Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.

Картина Екатерины Медведевой

10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson

Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет, а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.

Картины Кирона Уильямса

Кирон пишет по 6 картин в неделю, а за его работами постоянно выстроена очередь. На образование у него просто не остаётся времени.

11. Пол Ледент / Pol Ledent

Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал  живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике.

Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Учавствовал в выставках, пишет картины на заказ.

Картины Пола Ледента

По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых незабита голова академическими  художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов . Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.

12. Хорхе Масьел  / JORGE MACIEL

Бразильский автодидакт, современный талантливый художник- самоучка. У него получаются чудесные цветы и  красочные натюрморты.

Картины Хорхе Масьел

Этот список  художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль).

Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!

Все они — подтверждение того факта, что для успеха в живописи специальное художественное образование иметь необязательно.

Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта — об этом мы уже говорили в отдельной статье... Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.

Как видите, рисовать художники самоучки начали в разном возрасте, и часто, когда возраст переваливает за 40… и живут они во всех странах мира без огранечения!

Если вы все еще не рисуете, но проявляете к этому интерес, то загляните в раздел Мастер Классы, где сможете подобрать для себя подходящий видео урок.

Будьте решительнее и окунитесь в чудесный мир творчества и искусства!

Видео для размышления: Что произойдет с вами, если вы начнете рисовать красками: 8 вещей, которые изменят вашу жизнь

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

 

С какой целью художники вообще создают картины? И как понять, кому можно верить?: shakko_kitsune — LiveJournal

Тут зашел разговор о том, как разные художники изображают одну и ту же тему.
Дано: две картины на тему того, как белые на кораблях бежали из большевистской России.

а) Иван Владимиров (1869−1947). "Бегство буржуазии из Новороссийска" (1926)
506524.jpg

б) Дмитрий Белюкин (р. 1962). "Белая Россия. Исход". 1992-4
555116206804803 (1).jpg

Какая из них исторически верно изображает событие? Кому из этих художников стоит верить? -- спорят комментаторы.

Вот давайте на примере них (а также других картин) разберем, что такое вообще "правда" в картинах, и кому стоит верить.
Как выяснилось, некоторые это не понимают.

Итак, чтобы как следует насладиться смыслом произведения искусства, его историей и т.п. (а не только отдельно эстетическим совершенством, гармонией), весьма полезно понять, какова была ЦЕЛЬ художника, создававшего эту работу.

1) Выразить себя
(самолюбование, любование любимыми вещами)

Я ставлю это на первое место в списке, потому что в 20-21 веке эта цель для художников ощущается публикой (да и самими художниками, пожалуй) как приоритетная.

Общество в этот период стало такое богатое, образовался такой избыток ресурсов, что искусством может заниматься огромное количество народу, и профессионалы, и непрофессионалы. Все, кому просто нравится рисовать (писать стихи, музыку, делать фоточки в инстаграмм и т.п.). Подывитесь,  как я умею лепить пельмени / рисовать клоунов / вышивать гладью и т.п., какая я красивая, и мои дети, и моя яхта.

555116206804803 (1).jpg

Однако при применении произведений абсолютно любого вида искусств внутрь (живопись, литература и т.п.) ОБЯЗАТЕЛЬНО помните, что эта свобода, эта цель, это представление об искусстве как о "инстаграмме художника" -- это достижение, которое стало доступным создателям только в Новейшее время. В предыдущие века, чем дальше -- тем сильнее, такая позиция была недопустимой, распущенностью, воспринималась как ярмарка тщеславия. Ни в коем случае, глядя на произведения "старых мастеров", не судите их с позиции "он это сделал, потому что ему так хотелось". Конечно, не хотелось бы -- он бы не делал, но примерно до эпохи импрессионизма это "хотелось" плетется в списке целей при создании произведения искусства очень-очень в хвосте. Не судите по себе, с позиции человека 21 века.

2) Выразить своих внутренних демонов
(или эротические фантазии)

А вот это, наоборот, классическая цель искусства, одна из древнейших.
Первой общественной целью создания искусства, скорей всего, была религиозная (шаманство на хорошую охоту на мамонта, погребальные ритуалы и т.п.), а вот индивидуальная, личная цель первых авторов наверняка тоже было выразить свои эмоции, страхи, мечты.

nf-obits-kahlo-2-videoLarge.jpg

Но и тут очень важная черта, которая отличает человека Новейшего времени -- и человека прошлого, художника модернизма (это начиная с импрессионистов) -- опять-таки степень свободы выражения этих фантазий.

Упрекать авангард и современное искусство за то, что они непонятные и не реалистичные -- не стоит; с ними это случилось, потому что сама жизнь в ХХ веке глобально изменилась. Вот смотрите, произошла Сексуальная Революция, и стало возможно ходить по улицам практически в одних трусах, а то и без трусов. Ну а искусству -- как на это обрушившуюся свободу реагировать, на появившиеся возможности делать все, что хочешь? Женщин без трусов в искусстве совершенно свободно художники уже пятьсот лет рисуют, этим никого не удивишь. Так что сексуальная  революция в изобразительном искусстве выразилась в отказе от реалистичности, натуроподобия; собственно, ото всех правил изобразительного искусства, предыдущие пятьсот лет выдумывавшиеся. Это совершенно нормальная реакция художников на то, что глобально происходило в обществе вообще. Они что, рыжие, оставаться приличными, когда все вокруг делают что хотят?

Итак, помните, художник прежних веков, выражая своих демонов, имел четкие границы, навязанные ему обществом. И чтобы выразить это, ему необходимо было отыскать правильную, дозволенную цензурой (социумом) нишу, приличную нишу.
Как правило, это были всякие ужасы религиозного искусства.

В случае эротических фантазий было проще -- они не табуировались искусством (за исключением откровенной порнухи, а также чересчур реалистичных мелочей типа лобковых волос).

Свобода начинает появляться по мере развития личности автора, индивидуальности, когда художник перестает ощущать себя ремесленником и становится "поэтом". Так в конце 18 века мы получаем миражи Гойи, Уильяма Блейка, Фюссли и т.п., всякий романтизм. А так индивидуальность поощрялась не всегда, например, на средневековом религиозном искусстве ставить авторскую подпись в некоторые эпохи было попросту неприлично (поэтому мы знаем так мало мастеров этих эпох).

В общем, не стоит мерять по себе, надо пытаться интерполировать.

3) Деньги

Тоже старинная цель создания произведения, аналогичным образом крайне популярная.
Очень-очень достойная цель. Именно она заставляет художников все-таки доделывать свои работы до конца, потому что иначе заказчик не заплатит, именно она заставляет людей вставать с печи и искать работу, чтобы кормить деток, совершенствовать свои навыки и не превращаться в УГ.
Потому что рынок всегда диктует (диктовал), и плохие картины никто не покупал.

2b728791b725fb3622c58476b328002e.jpg

(Представляете, как бы было бы круто, если бы Леонардо да Винчи платили только по факту, да еще он 10-летнюю гарантию был бы обязан предоставлять? Он бы применил свой острый разум к вопросам сохранности, и до нас бы намного больше дошло... Но увы, он успел прокачать свой личный бренд, и ему платили попросту за имя).

Но опять-таки, вы должны понимать разницу между художником-модернистом и "старым мастером". Экономика очень изменилась, и это влияет. Экономика и технический прогресс. Создание картины было в первую очередь ремеслом, работой, а не полетом мысли гения. Возьмем архитектуру, она более неизменна в этом смысле: вот вы решили построить себе особняк. Пошли к архитектору, выразили свои пожелания, подписали контракт. Он нарисовал эскиз, утвердили, построили дом из кирпича, отделали мрамором, заплатили архитектору, далее применяете дом по назначению. То же самое с живописью было: 1311 год, община собора решила заказать алтарный образ, скажем Дуччо, выразил пожелания, подписала по пунктам контракт. Дуччо берет дорогостоящую деревянную доску, идеально подготовленную, да еще огромного размера и сложной формы. Краски: толченый лазурит, нежно-голубой, привезли из Индии, и он стоит адских денег; позолота тоже как-то не дешевая, и т.п.

2b728791b725fb3622c58476b328002e.jpg

Нормальный архитектор посреди возведения особняка не станет вдохновенно менять концепцию, потому что он Автор, Творец, ему так захотелось, он знает, что этот банкет не за его счет. Художник тоже был обязан просто выполнить свою работу хорошо, сдать заказ вовремя (современные дизайнеры сейчас поймут. А еще пусть позавидуют: в те времена не было емейлов, поэтому никто не мог часто просить "поиграть шрифтами").

Рынок искусства долго шел к привычной нам сегодня киношной ситуации: когда сидит такой гениальный художник в мастерской, заваленной его шикарными картинами. Тут к нему заходит знакомый и приводит своих богатых американских друзей, которые в восторге говорят: "а мы вот это берем, и вот это, и вот это! а еще что у вас есть, заверните!".
Перед этим была еще одна стадия, которую можно сравнить уже не с архитектурой, а с тортами. Вот у тебя есть домашняя пекарня и деньги на сырье для 10 тортов. Конкретных заказчиков, которые подписали с тобой контракт на твои торты нет, но ты знаешь, что в принципе люди к тебе идут. Ты не будешь делать 20 тортов, потому что столько покупателей до тебя не доходит. Ты обязан продать все, что испек, иначе у тебя не будет денег на покупку нового сырья. Понимаете, краски стоили дорого, холсты стоили дорого (но дешевле, чем старомодная древесина, в след. раз подробно раскажу), снимать мастерскую - дорого, натурщицам платить тоже надо дофига. В 17 веке в Голландии почему так активно "малые голландцы" писали натюрморты, бытовые сценки и пейзажи? Потому что страна стала очень зажиточной, и каждый местный житель мог себе позволить (и позволял) придти в "магазин готовых картин" и выбрать себе красотищу на стену. Соответственно, возникла очень толстая прослойка художников, обслуживающих этих бюргеров.

Ну и наконец в 19 веке появляется тот образ жизни художника, который нам кажется хрестоматийным: с кучей холстов, написанных "в стол", которые хорошо бы продать, но можно и не, все равно найдется, что покушать, а по стенам оно пусть висит непроданное.
Я нарочно не останавливаюсь на социальных, идеологических, психологических аспектах, только про экономику.
Художники стремились в Париж не только потому, что там прикольно было тусить, но и потому что в городе образовалась среда по их обслуживанию: торговцы красками и холстами (заказывают оптом, поэтому продают дешевле), много мансард под аренду, натурщицы целенаправленно приезжают на заработки, покупатели целенаправленно приезжают покупать и проч.
Сегодня это вообще стало настолько дешево, что любой может заниматься искусством, а зарабатывать совсем другим (возможно, поэтому мы и имеем столько фигни в итоге?)

2b728791b725fb3622c58476b328002e.jpg

Итак, чтобы понять, зачем нарисована картина, попытайтесь разобраться в этом с точки зрения денег -- художник писал ее по конкретному заказу? просто на продажу бюргерам, в стол (потому что на него накатило), в подарок маме или для чего?

4) Слава
(и конъюктура)

Тоже очень понятный мотив. Правда, не очень древний, помните об этом. Художники начали руководствоваться целью получить Славу при создании произведений искусства только начиная с определенного периода (просто Славу, а не репутацию+много клиентов). В средние века, как я говорила, живопись была просто ремеслом, таким же, как ювелирное дело или мебельное. В эпоху Ренессанса художники начинают поднимать голову и постепенно, силами примкнувшей пишущей интеллигенции (например, Вазари), создавать вокруг своего занятия культ, превращая его из ремесла в Искусство. Подписывать свои имена становится нормой. Постепенно (медленно) быть художником становится круто (хотя высшее общество все равно их не особо принимает). Аналогичный процесс с актерством -- во все времена это низший обслуживающий персонал, который запрещают хоронить в освященной земле и расценивают наравне с блудницами; ныне же они стали селебрити королевского ранга.

В общем, в творчестве многих художников встречаются программные произведения, которые автор написал без конкретного заказа со стороны мецената, а просто потому, что к нему пришло Вдохновение. Создавя его, он четко понимал (ну хотя бы надеялся), что им он "вмастит", прославится. Если звезды сходятся, и в картине удалось соединить эстетику (красоту) с этим неуловимым, витающим в воздухе, то картина начинает греметь. И действительно входит в историю, как шедевр. (Внимание, дети: шедевр -- это не синоним слова "картина", художник за жизнь может написать 200 полотен и всего 1 шедевр, и помнить его будут только из-за него).

Написано спустя несколько месяцев после изображенного события.

Великие художники -- это как раз те, кто умеет хорошо рисовать (анатомически правильно, гармонически сочетать цвета и т.п.) + одновременно с этим чувствует Дух времени, и умеет его отражать. Поэтому в поколении может быть много хороших рисовальщиков, но мало истинно великих мастеров (даже вот в Ренессанс). На некоторых находит только 1 раз в жизни, и они создают этот "остростильный шедевр" (например, "Неравный брак" Пукирева, или это). Другие, как Давид или Репин, постоянно будут производить такие шлягеры. Не надо думать, что художник садится на стул и говорит "сейчас я нарисую шедевр и им заслужу себе славу". Так оно, конечно, не работает. У художников (писателей, музыкантов) этой высокой категории мастерства шедевры рождаются благодаря сочетанию отличных врожденных способностей, постоянных упражнений (прокачивания навыков). А также из-за неимоверно развитой интуиции. А интуиция, как известно, прокачивается, если повторить что-либо миллион раз, тогда мозг делает резкий качественный скачок, и начинает выдавать результаты быстро и спонтанно. И автору результата кажется, что мозг никакую рабоут собственно и не проделывал, оно с неба спустилось -- так и было придумано выражение, что автора посетила Муза.

В общем, художники этого левела пишут картины уже не ради Славы, и не чтобы избавиться от своих демонов, а по более сложным причинам. Они становятся будто радиоприемник, улавливающий ожидания окружающего социума, а также окружающей художественной общественности, того стиля, который сейчас моден и проч. -- и умудряются вываливать это все на полотно, пропустив через себя.
Так и получается шедевр.
Записывайте, не пытайтесь повторить в домашних условиях.

2b728791b725fb3622c58476b328002e.jpg

И сюда же, в эту категорию целей, следует включить более практичных художников, которые осознанно ловят волну, радиосигналы, посланные социумом (но в первую очередь государством). И производят картины не то, чтоб прославиться (и войти в историю искусств), а больше для того, чтобы хорошо жить и иметь всякие ништяки.  В некоторых случаях такая конъюктурщина, раболепие -- это личный выбор автора, либо вообще норма для той эпохи (см. оды Державина, посвященные императрице). В 20 веке, в условиях тоталитарных государств, как вы понимаете, вопрос был не только в получении денег, а иногда банально в выживании. Но, как показывают многочисленные психологические исследования всяких стокгольмских синдромов, самое ужасное, что люди, в том числе художники, начинают искренне верить и прославлять. Так что оставаться хладнокровным конъюктурщиком в таких условиях -- быть может, не такой уж плохой вариант, а?

2b728791b725fb3622c58476b328002e.jpg

5) Проповедь

И вот, самые терпеливые и умные из моих читателей, добравшиеся до этого места моей простыни, теперь, когда вы поняли про фундаментальные, базовые цели, мы добрались до той, которая связана с двумя картинами про белых в Крыму, с которых начался этот текст.

Эта цель произведения искусства -- выразить идеи автора, его представление о мире, о том, что правильно и неправильно. Пропустим первую пару тысяч лет, там все просто: это когда художник верил в богов, а потом в Бога, и выражал свою веру, молитву, создавая "икону", молельный образ, и постигая таким образом Господа. Хорошие иконописцы и сегодня продолжают это делать.  Нам же нужно Новое время, когда проповедывать искусством становится возможным не только веру. Выше я написала, что начиная с Ренессанса художники постепенно превращаются в сознании публики из ремесленников в Творцов, их фигуры романтизируются. Художники становятся Личностями, селебритис, самое главное -- что и в своей голове тоже; они решают, что являются арбитрами мнений и должны учить людей истине, проповедовать. (Почему бы и нет? Главное, чтоб со вкусом, но не у всех же получается).

Итак, у искусства появляется Миссия.
(Кстати, про то, какие цели бывают у искусства, надо поговорить отдельно -- они совершенно не совпадают с целями художников).

2b728791b725fb3622c58476b328002e.jpg

И вот понимаете, какая штука. Одно дело, когда "проповедями" занимались художники с мощной школой, стоящие на плечах гигантов. И то эти произведения 19 века иногда раздражают, уж больно поменялась мораль, да и история преподнесла всякие уроки.
А вот в 20 веке почему-то особенно полюбили этим заниматься художники -- Васильев, Глазунов, Рыженко, Нестеренко... И если пройтись по данному списку с самого начала, то получается интересная ситуация. Тема себя любимого (кошечек, детей) им не интересна -- мелко, их тянет к глобальным свершениям. Демонов и эротических фантазий у них нету либо они совсем не интересные (а это сразу лишает творчество перчинки, см. Константин Васильев, который в отличие от других мною перечисленных все-таки имеет свои фетиши, и как это позитивно его выделяет, делает особенным, запоминающимся).

Илл. из моего старого текста про К. Васильева: ответье для себя на вопрос, в чем разница в целях западного и русского художника?
2b728791b725fb3622c58476b328002e.jpg

Цель "деньги" на них тоже не влияет. Понятно, что они им нужны, но не влияет в том смысле, что у них нет грамотного заказчика с четким ТЗ или же группы экспертов на приемке произведений, которая бы рога пообломала в случае перегибов (как это бывало в СССР). Славы им тоже хочется, и "радиоприемник" в голове на заказ от социума тоже как бы некий есть (особенно у Глазунова), но таланта и школы не хватает на создание истинного шедевра. Им даже чутья и мастерства на качественную конъюктурщину не хватает!
И вот так выходит, что основной целью творчества подобных художников является проповедь. Например, проповедь величия России. Или "России, которую мы потеряли" (на самом деле, это тоже демон, но очень хитрозапрятанный).

Это наш региональный кейс, на Западе например может быть проповедь величия народа Ваканды, или обличение насилия над женщинами. Однако ж поскольку он делают это средставами современного искусства, перформансами и инсталляциями, то  и Бог с ними. Наши же клиенты продолжают долбиться средствами реалистической живописи.

Не забывайте, проповедь в картине -- это нормально: Левицкий проповедовал величие Екатерины Великой (и верил в него, поэтому картина и хорошая выходила), А. Иванов - Иисуса Христа, передвижники - обличение ужасов Рос. имп.
Беда начинается, когда художник решает, что он реально Мессия и проповедовать, учить -- его долг (см. Н. Михалков), и если вдобавок он полностью растерял всю базу, ремесленную школу мастерства, или вообще ее не имел, ну и если у него не хватает вкуса и такта.

Про это см. "Автопортрет со Страшным судом и мертвым царем-батюшкой"
dsc_3197.jpg

***

Вот, я коротенько (ха-ха) и очень общо вам некоторые тезисы изложила, теперь давайте новым взглядом посмотрим на обсуждаемые картины и попробуем понять их.

Надеюсь, теперь вам очевидно, что чтобы ответить на вопрос "кому из них можно верить", надо попробовать понять цели их создателей. А для этого надо прочитать их биографии, или хотя бы обратить внимание на годы жизни авторов и даты создания картин.

а) Иван Владимиров (1869−1947, биография в Википедии). "Бегство буржуазии из Новороссийска" (1926)
506524.jpg

б) Дмитрий Белюкин (р. 1962). "Белая Россия. Исход". 1992-4
555116206804803 (1).jpg

Подумайте над этими двумя картинами с точки зрения этого нового инструмента "цели", о котором я вам рассказала. Каковы, как вам кажется, были цели Владимирова и Белюкина при создании обеих картин? Опишите свои ощущения и выводы.

UPD:
Из комментов, от  художника Даниила Кузьмичева: "Вторая имеет все основания нравится. Она старательно нарисованная помесь иконостаса с натюрмортом. Все там такие одухотворенные, печальные. Очень мило и красиво".

***
Вчера у меня был день рождения! По этому поводу можно угостить меня виртуальным пивом.

33 совета начинающим гениям — www.ellegirl.ru

Шаг 2: С чего наконец начать

  • Инструкция по применению

Урок 6: Начни с карандаша

Танцуй под музыку искусства: бери карандаш и рисуй все, что угодно. Начни с линий любого размера: попробуй нарисовать их разной толщины, рисуй разными руками, на камнях, дереве, салфетках, где угодно. Экспериментируй и ощути отдачу от того, что ты делаешь. Укрась кружку своими рисунками и спроси увидевших ее, какие эмоции у них вызывает предмет твоего искусства. И не думай о правильности своих действий, расслабься.

Теперь рисуй не линии, а предмет напротив тебя. По-разному: реалистично и абстрактно. Так ты почувствуешь пространство, свет, тень и текстуру.

Урок 7: Практикуйся

Рисуй то, что видишь. Едешь в метро – сделай зарисовку рук пассажира, который сидит рядом с тобой или стоит неподалеку. Можешь нарисовать части своего лица, смотрясь в зеркало. Главное – играй с масштабом и рисуй. Много. Пробуй все подряд.

Урок 8: Переопредели навыки

Шедевральность и художественное мастерство не имеют ничего общего с точностью и техническим мастерством. Это то, как ты видишь. Как только ты умеешь показать.

Шедеврально то, что оригинально.

Урок 9: «Заключи мысль в материю», – Роберта Смит

Что это значит? Объект должен выражать идею, а искусство должно содержать эмоции. И эти идеи и эмоции должны быть доступными для понимания.

Вот пример. Зимой 1917 года 29-летний Марсель Дюшан купил писсуар в J.L. Mott Iron Works на Пятой Авеню. Подписал его «R. Mutt 1917» и назвал композицию «Фонтан». И представил его на выставке Общества независимых художников.

«Фонтан» – художественный эквивалент Слова во плоти, объект и идея одновременно. Он говорит: что угодно может быть искусством. Сегодня его считают одним из самых значимых произведений искусства двадцатого века.

Урок 10: Найди свой собственный голос

Если кто-то говорит тебе, что твои работы похожи на чьи-то еще и поэтому тебе пора остановиться, не слушай его. Не останавливайся. Продолжай в том же духе. Повтори то же тысячу раз. Если и после этого кто-то, кому ты доверяешь, скажет, что твои произведения слишком напоминают чужие, пробуй найти другой путь.

Урок 11: Слушай безумные голоса в твоей голове

У меня в голове целая команда врагов, друзей, критиков и советчиков – все они делают замечания и дают советы. И никто из них не бывает жестоким. Я часто использую музыку. Например, решаю: «Начну эту работу с большим "бух!", как Бетховен...» или «Этой хорошо пойдет под Led Zeppelin».

Выдающиеся авторы настоящего и прошлого, любимые исполнители… Эти голоса всегда помогут, когда становится трудно.

Урок 12: Знай, что ты ненавидишь

Спойлер: почти наверняка это ты.

Составь список из трех художников, которые тебе категорически не нравятся. К каждому из них добавь по пять вещей, которые у них особенно неприятны. Очень часто в таких списках оказывается то, что есть у тебя самой.

Урок 13: Собирай отбросы

Энди Уорхол говорил: «Я люблю работать с тем, от чего отказались другие, что они посчитали недостойным». Самобытность и новизна не исчезли, даже если кто-то убеждает, что «все уже было». Нужно лишь найти их. Забытые идеи и образы, которые кто-то забраковал, могут стать твоим открытием.

Почему художники ХХ века так «плохо» рисовали и еще 5 вопросов о живописи, ответы на которые вы хотели знать

Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Высокое искусство — вещь сложная и для многих непонятная. Живопись эпохи Возрождения с ее идеальным изображением привлекает множество почитателей, а вот поверить в то, что работы Пикассо и Кандинского действительно могут стоить баснословных денег, легко далеко не всем. Обилие обнаженных людей на картине — еще одна загадка, как, впрочем, и парадокс того, что хорошие картины необязательно должны быть красивыми.

AdMe.ru узнал ответы на несколько любопытных вопросов о живописи, заглянув в работы искусствоведов и культурологов.

1. Действительно ли живопись так дорого стоит?

То и дело мы слышим о бешеных суммах, выложенных за ту или иную картину. Но на самом деле такие деньги — удел очень немногих работ. Большинство художников огромных сумм и вовсе никогда в глаза не видели. Искусствовед Джонатан Бинсток считает, что в мире всего около 40 авторов, чьи картины оцениваются суммой с многими нулями.

Искусством правят бренды

Приведем, пожалуй, самый яркий пример. Наверняка вы слышали о художнике-граффитисте Бэнкси. Остросоциальная направленность работ и биография, покрытая ореолом тайны, сделали свое дело. Сегодня Бэнкси — художник, работы которого оцениваются многозначными суммами. Его картина «Девочка с воздушным шаром» была продана за £ 1,042 млн. А о перформансе по ее уничтожению сразу после продажи заговорил весь мир.

Бэнкси — это бренд, а бренды отлично продаются. Таким образом, стоимость картины во многом определяется известностью ее автора.

Успешная продажа одной картины — залог успеха других

Художнику может долго не везти, он будет прозябать в бедности и неизвестности, не имея возможности выгодно продавать свои работы. Но как только он сумеет продать одну из своих картин за немалые деньги, будьте уверены, цена на другие его работы резко взлетит.

Редкость, малочисленность, уникальность

Голландского художника Яна Вермеера сегодня называют бесценным. Его кисти принадлежит не так уж много картин — всего 36. Художник писал довольно медленно. Пропавшая в 1990 году картина голландца «Концерт» сейчас оценивается примерно в $ 200 млн. Редкость и малочисленность полотен влияет на то, что цены на них просто заоблачные.

Легендарный Ван Гог — это супербренд. Картин художника насчитывается немного, и очевидно, что больше он уже ничего не создаст. Его работы уникальны.

10 лет назад «Супрематическая композиция» Малевича была продана за $ 60 млн. Возможно, если бы не кризис, она бы ушла и вовсе за $ 100 млн. Картины Малевича в частных коллекциях наперечет, и когда в следующий раз на рынке появится вещь подобного класса — неизвестно. Может, через 10 лет, а может, через 100.

В общем, очевидно: покупатели готовы платить баснословные деньги за предметы исключительно редкие.

Новаторство стоит дорого

Одна из работ Ричарда Принса в направлении «художественное заимствование».

Фотохудожник Ричард Принс придумал переснять из журнала чужое фото ковбоя в рекламе, убрав все надписи. Такая несусветная наглость получила широкий резонанс и... признание. Принс стал считаться создателем нового направления в искусстве — Appropriation Art (художественное заимствование). Смелый жест фотографа превратился в $ 3 млн  именно за столько был продан снимок «Ковбой».

Если бы «Черный квадрат» Малевича вдруг оказался на рынке, за него бы развернулась нешуточная борьба кошельков. И бились бы покупатели не за схематичную геометрическую фигуру на холсте. Они сражались бы за революционную идею, свежую и ранее неизвестную вещь, икону авангарда, которая определила дальнейшее развитие живописи ХХ века. В 1915 году, когда была создана картина, дамы еще носили шляпки, бюстгальтер считался эпатажной новинкой, а на престолах Европы сидели короли. И тут — вы только представьте! — появляется Малевич со своим шокирующим квадратом.

100 правил для художника | Журнал Ярмарки Мастеров

Правила эти попались мне случайно, в инстаграме одной очень талантливой молодой художницы Poleeva_art. Попались и сразу зацепили. А ей они в свою очередь достались по случаю того, что висят они себе на стене Орловского художественного училища и радуют, и приободряют, и направляют учащихся там юных художников.

Правил много. Но их стоит дочитать до конца. Многие из них кажутся очевидными, некоторые не раз мной испробованы в работе, в жизни, в самом образе восприятия мира. Но многие пункты сумели меня действительно удивить своей емкой точностью, заставили призадуматься и были взяты мной на заметку. Надеюсь, вам, творящим, пишущим, рисующим, они тоже окажутся полезны.

1. Пишите каждый день.

2. Пишите до тех пор, пока не почувствуете физическую усталость – сделайте паузу и поработайте еще немного.

3. Размышляйте.

4. Если оказались в тупике – присмотритесь к работам знаменитых художников.

5. По возможности, покупайте лучшие художественные материалы.

6. Пусть в полной мере проявится Ваш энтузиазм.

7. Найдите средства для собственной поддержки.

8. Будьте строгим критиком своих работ.

9. Развивайте умение посмеяться над собой.

10. Пусть стремление к работе войдет в привычку. Начинайте писать с самого утра. Если сделали перерыв – не ешьте. Лучше выпейте стакан воды.

11. Не берите за точку отсчета свой средний уровень.

12. Не позволяйте неудачам раздавить себя. Рембрандту не везло. Успех рождается из неудач.

13. Почувствуйте союзника в каждом стремящемся к успеху художнику.

14. Не усложняйте. Будьте проще.

15. Хорошо знайте свое оборудование и надлежащим образом следите за ним.

16. Куда бы Вы не собирались, всегда имейте под рукой необходимые и готовые к работе материалы.

17. Всегда начинайте работать вовремя, никогда не опаздывайте к началу работы или на деловые встречи.

18. Старайтесь опережать свой самый плотный график работы. Старайтесь быть лучше данного Вами слова.

19. Общайтесь с настоящими друзьями.

20. Не завидуйте более талантливым художникам. Просто работайте на пределе своих возможностей. Эти (и ещё 80) советы каждый день вдохновляют студентов художественного училища. Если их, конечно, кто-то читает 21. Очень приятно получать премии и награды. Но истинная конкуренция заключается в соперничестве со своим вчерашним результатом.

100 правил для художника, фото № 1

22. Позвольте себе потерпеть неудачу, чтобы потом яростно бороться за покорение новой вершины.

23. Засыпая, думайте о том, с чего в первую очередь начнете завтрашний день.

24. Изучайте работы великих мастеров, обращайте внимание на то, каким образом расставлены акценты на их работах, что выделено, а что является второстепенным.

25. Пользуйтесь минимумом бытовых вещей, без которых не можете обойтись.

26. Запомните - Микеланджело был когда-то беспомощным ребенком. Все шедевры создаются в результате героического труда.

27. В искусстве нет абсолютно ценных трюков: стремитесь находить примеры.
28. Каждой работе отдавайте всего себя.

29. Посвятите искусству всю свою жизнь.

30. Без борьбы прогресса не бывает.

31. Лучше действовать, чем бездельничать.

32. Не говорите себе «Времени нет». У Вас его ежедневно столько же, сколько было у выдающихся мастеров.

33. Читайте. Будьте знакомы с великими идеями.

34. Чем бы Вы не зарабатывали себе на жизнь, совершенствуйте свое искусство.

35. Задавайте вопросы. Жадно учитесь.

36. Вы ученик собственной художественной школы. Кроме того, Вы в ней и учитель.

37. Стремитесь находить художником, чье мировоззрение созвучно Вашему и старайтесь расширять их круг.

38. Гордитесь своими работами.

39. Гордитесь собой.

40. Учитесь управлять своими чувствами, никто не может сделать этого лучше Вас.41. Во время работы над картиной помните, о чем она.

100 правил для художника, фото № 2

42. Будьте организованы.

43. Если у Вас неприятности, вспомните о судьбах тех, кто создавал великое искусство.

44. Выражения типа «Какой я несчастный!» Вам не помогут.

45. Пытайтесь найти то, чему можно поучиться у больших художников: не нужно искать в их произведениях недостатки.

46. Всматривайтесь и наблюдайте окружающую жизнь.

47. Преодолевайте ошибки Вашей наблюдательности, подчеркивая контрасты и характерное.

48. Критики – неудавшиеся художники.

49. Держитесь подальше от заносчивых и высокомерных художников.

50. Если Вы не можете решить, над чем работать дальше, напишите автопортрет. 51. Никогда не говорите: «Это мне не под силу!». Подобные мысли мешают потенциальному развитию.

52. Будьте изобретательны.

53. Помните, если приложить достаточно усилий, откроются все двери.

54. Если искусство представляется чем-то очень сложным, это значит, Вы пытаетесь выйи за рамки того, что уже умеете.

55. Рисуйте всегда и везде. Художник, образно говоря, - это этюдник плюс личность.

56. В каждой попытке создать прекрасное уже присутствует искусство.

57. Если Вы смогли вложить в работу личное отношение, зритель почувствует это: он станет Вашим зрителем.

58. Деньги – штука хорошая, но в жизни есть и более важные вещи.

59. Старайтесь тратить меньше, чем Вы заработали.

60. Будьте умеренны и самокритичны, но ставьте перед собой самые высокие цели.

100 правил для художника, фото № 3

61. Не скрывайте Ваши знания, делитесь ими.

62. Попробуйте поработать с тем, что Вам «не по нутру»: так Вы откроете истинно свое.

63. Праздную голову вдохновение не посещает. Оно приходит, когда Вы погружены в работу .

64. Будьте скромны: учитесь у каждого.

65. Существует три способа познания искусства: изучать жизнь, людей и природу; изучать великих художников и писать.

66. Помните: Рембрандт не был совершенен. Ему пришлось преодолевать посредственность.

67. Не называйте себя художником. Пусть Вас так назовут другие. Звание «художник» ко многому обязывает.

68. Привычка сильнее желания. Если Вы сможете выработать у себя привычку рисовать каждый день, Вас уже ничего не остановит.

69. Научить способны только те произведения, которые отняли у Вас много сил; часто они же являются любимыми.

70. Интенсивность цвета относительна. Найдите самый светлый тон и сравнивайте с ним остальные светлые тона. То же самое сделайте с темными тонами.
71. Выдержка и твердость характера – волшебные составляющие Успеха.
72. Пусть Ваша картина сама приветствует зрителя.
73. Старайтесь обогатить новыми менами круг ваших любимых Художников.
74. Анализируйте произведения художников, которые решают близкие Вам проблемы.
75. Перед демонстрацией работ в галерее настройтесь позитивно.
76. Не изобретайте оригинальной живописной манеры. Этим Вы можете связать себя на всю жизнь.
77. Если то, что Вы хотите сказать исходит из глубины Ваших чувств, то у Вас всегда будет свой зритель.
78. Постарайтесь заканчивать свой рабочий день с сознанием того, с чем Вы начнете работать завтра.
79. Не завидуйте чужому успеху. Будьте душевно щедрым и поздравляйте других от всего сердца.
80. Требования, предъявляемые к самому себе должны быть выше и существеннее требований Ваших критиков. 81. Вкладывайте в картину сердце, а затем и всего себя.

100 правил для художника, фото № 4

82. Вермейер мог найти сюжет для большой работы даже в уголке комнаты.
83. В картинах Рембрандта наиболее важный элемент всегда очевиден.
84. Если работа какого-нибудь художника остается неизвестной, его вины в этом может и не быть.
85. Критики не имеют решительно никакого значения. Кто прислушивается к тому, что говорят критики Микеланджело?
86. Распределите свой день так, чтобы у Вас было время писать, читать, тренироваться и отдыхать.
87. Будьте устремлены ввысь – за пределы собственных возможностей.
88. На стадии завершении я картины старайтесь не торопиться.
89. Согласно так называемой теории «последнего дюйма», по мере приближения к концу работы над картиной Вы должны собрать воедино все свои ресурсы.
90. Пишите картину от крупных участков к мелким.
91. Воспринимайте участки светлых тонов как форму; теневые участки как форму. Прищурьтесь и найдите крупные, подвижные формы.
92. Обратите внимание на то, что Рембрандт в портретах снижал до минимума проработку деталей одежды, более тщательно прописывая голову и руки.
93. Наиболее важным достоинством Рембрандта явилось умение глубоко сострадать и сопереживать.
94. Выделение какого-либо элементы означает, что остальные части картины должны изображаться приглушенно.
95. Готовясь к работе на пленере, сперва осмотритесь.
96. Прорабатывая композицию картины, делайте множество эскизов и старайтесь избегать банального копирования увиденного.
97. Присмотритесь к колориту и тону шедевров.
98. Если Вы преподаете, используйте индивидуальный подход. Найдите у Вашего ученика слабые стороны и помогайте преодолеть их.
99. Живопись – практичное искусство, использующее конкретные материальные предметы: краски, кисти, холсты и бумагу. Ее неотъемлемой частью является зарабатывание средств к существованию.
100. И, наконец, не будьте снобом от искусства. Большинство художников преподают, занимаются иллюстрированием или работают в сферах, близких к искусству. Смысл заключается в том, чтобы выжить.

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о