Как делать аранжировку: Как начать писать музыку: аранжировка – Как сделать аранжировку 🚩 аранжировать песню 🚩 Музыка

14 советов по созданию аранжировки

Хорошо сделанная аранжировка почти так же важна, как и хорошо написанная музыка. Сделаешь хорошо — получишь хит, созданный своими руками, сделаешь плохо — будешь иметь просто кучу разрозненных идей.

Ниже приведены 14 советов, каждый из которых позволит вам улучшить аранжировку.

1. Учитесь у экспертов

Прослушивайте свои любимые записи и обращайте внимание на их аранжировки: в чем их сила и что заставляет их действовать. Чем больше вы будете слушать, тем больше «фишек» сможете поймать. Зачастую вы сможете использовать их у себя.

К слову сказать, я давно уже задумываюсь о собрании всех вот таких находок в словарик, в котором, возможно, будут и примеры музыкальных фрагментов. Вопрос заключается в том, каким образом и в какой среде целесообразней его создать.

2. Относитесь критично к своим работам

Понятно, что, закончив аранжировку, вы преисполнены чувствами и впечатлениями и гордитесь собой. Однако все же попробуйте найти в ней неработающие части. Если вы их найдете — не раздумывая, выбросьте.

Да, в краткосрочной перспективе этот процесс приводит к замедлению работы и даже к определенному откату назад, но в долгосрочной перспективе ваши аранжировки улучшаются.

3. Изучайте теорию музыки

Даже маленького кусочка знаний достаточно для движения в целом новом направлении. Это не всегда подразумевает скуку или излишнюю научность. Изучение новой странички учебника по теории музыки способствует лучшему пониманию того, что в аранжировке действует, а что — нет. Нередко можно решить что-то конкретное предварительно, даже не прослушивая саму аранжировку.

4. Используйте чистый вокал

Вокал играет роль короля (или королевы) в песне. На вокале сосредоточена вся песня, не так ли? Тогда что мешает выделить его максимально? К примеру, пусть в начале или в конце песни будет исключительно вокал. Можно получить действительно сильный эффект. Хорошим примером является начало песни «Waiting For The Rain» группы Roxette.

В течение первых 20 секунд звучит только вокал, который, правда, обработан с помощью «телефонного эффекта» и звучит он на фоне электропиано. Затем, не спеша, по отдельности, добавляются инструменты наподобие того, как музыканты появляются на сцене.

Однако музыка все еще не звучит в полную мощь. «Взрыв» происходит только во втором куплете, когда все инструменты начинают звучать в полную силу. Рассмотрению этого приема аранжировки посвящен следующий пункт. Все это звучит довольно эффектно.

5. Грамотно используйте пространство

Постарайтесь сохранить в аранжировке место. Особенно это актуально в куплете. Совсем необязательно, чтобы аккомпанирующие инструменты звучали всюду.

Иногда целесообразно устранить все, кроме ударных, вокала (или, к примеру, инструментальной мелодии) и, быть может баса. Это позволит достичь сильного эффекта, который особенно заметно проявляется при вступлении в припеве всех остальных инструментов. Это наглядно проиллюстрировано в том же примере с Roxette.

6. Делайте припевы разными

Понятно, что целью многократного повторения припева является его запоминание. Однако простое повторение — это, как правило, скучно. Решить эту проблему можно, немного поменяв комбинацию инструментов в некоторых припевах с помощью изменений в динамике или включений-выключений отдельных инструментов в разных повторениях припева. Это приводит к большему разнообразию.

7. Не допускайте конфликтов

Обратите внимание на места пересечения мелодии и сопровождающих партий в аранжировке. Стоит дать место звучащему вокалу или мелодии. При одновременном звучании соло-гитары или синтезатора в том же диапазоне и с тем же ритмом, что и у мелодии, как раз и появляется конфликт.

8. Экспериментируем с необычными инструментами

От постоянного присутствия в аранжировках одних и тех же тембров быстро устаешь. Следует или менять их, или использовать что-то совсем иное, можно сказать, даже сумасшедшее.

Можно создать сэмплы из немузыкальных звуков. Можно пробовать буквально все, издающее шум. И этот шум совершенно не обязательно должен быть благозвучным.

Безусловно, это задача творческого типа: получить музыкальность из не музыкального материала. Однако эту задачу, как правило, можно решить, даже если не рассматривать экзотические случаи наподобие пьесы, партия ударных в которой состоит из человеческих звуков: чихания, кашля, чмокания и пр.

9. Слои

Самое простое, что можно сделать, чтобы придать аранжировке жирности, это использовать несколько инструментов, которые играют одну и ту же партию. Либо даже несколько одинаковых инструментов, которые играют одно и то же.

10. Применяйте подклады

У подкладов (пэдов) мягкое, тягучее звучание. Они не привлекают внимания слушателей, но добавляют аранжировке атмосферу и глубину. Подклад может исправить невыразительное, «тонкое» звучание песни или пригодиться в ситуации, когда вообще непонятно, в чем причина бедного звучания.

11. Осознавайте ритм

Можно применить жесткую синхронизацию всех инструментов и заставить их играть в одном ритме. Можно же позволить им играть разные ритмы. В любом случае решение в пользу того или иного способа должно быть осознанным. Полное игнорирование ритма приведет к небрежной и разболтанной аранжировке.

12. Пытайтесь постигнуть ожидания слушателей

Создавая аранжировку, бывает, целесообразней всего придерживаться традиций и в конце песни поставить большой припев. Это то, чего слушатель в основном ожидает, и, возможно, хочет услышать. Однако в некоторых случаях можно отклониться от привычных условностей и сделать что-нибудь совсем неожиданное. И это будет классно.

13. Делайте свой необычный начальный отсчет

Как это ни печально, но большая часть слушателей не отличаются терпением и зачастую складывают свое мнение о песне уже по первым нескольким секундам ее звучания. Поэтому начальный отсчет является не столько ритмом перед началом мелодии или вокала, сколько очень важной частью, в которой действуют свои собственные правила.

14. Обращайте внимание на регистры

Регистр обуславливает, насколько высокое или низкое звучание у той или иной партии. В некоторых случаях можно даже использовать смещение всей партии меньше, чем на целую октаву.

Тут существуют довольно тонкие правила, однако в целом звучание всех инструментов в одном регистре или вызывает скуку, или приводит к полной неразберихе. Целесообразней распределить партии по разным регистрам. А еще лучше применять разные регистры по ходу звучания песни.

____________________________________________

Перевод: Ирина Кипаренко, Андрей Скидан
При копировании материала ссылка на сайт www.master-skills.ruобязательна!
< Предыдущая   Следующая >

Как сделать аранжировку интереснее? | Гитаршкола

Дело не в гитаристе. Но и не в басисте, клавишнике, барабанщике или в ком бы то ни было еще. Дело во всех вас вместе, и — что еще важнее — в самой композиции. Недавно мой коллега по группе сказал мне, что быть членом группы — высшая форма социализма, и я согласен с ним. Я играю в группе практически всю жизнь и именно там я чувствую себя наиболее комфортно. Когда каждый из нас, заходя в репетиционный или концертный зал, оставляет свое эго за порогом и мы играем друг для друга и для музыки, это поистине волшебно. Аранжировками и оркестровками для группы я заинтересовался сразу как взял гитару в руки. То, как все детали складываются в одно, завораживает меня, и, будучи гитаристом и вокалистом в разных группах, я многому научился, в частности узнал, как сделать аранжировку.

Как сделать аранжировку. Лучше меньше, чем больше

Наверняка вы уже слышали эту мудрость. Наш инструмент — а особенно электрогитара — очень мощный, поэтому будьте осторожны. Не пытайтесь сыграть каждую ноту каждого аккорда. Сыграйте часть аккорда, его обращение, мелодическую линию или продублируйте линию баса. А вот еще одна хорошая идея: не играйте вообще ничего. Для примера я покажу вам восьмитактовую прогрессию (Пример 1), напоминающую творчество Beatles. Если ваши коллеги по группе и так прекрасно справляются с гармонией и ритмом, вы можете и передохнуть.

Табы и ноты аранжировки для гитары


Еще одна стратегия создания аранжировки: объедините или наложите друг на друга несколько гитарных партий. Это работает особенно хорошо во вступлении или в других важных частях композиции. Например, перед соло. Послушайте Пример 2, написанный в стиле Earth, Wind & Fire.

Наклейки и декали для гитары

Наложение гитарных партий


А здесь нам поможет простой лупер. Начните петлю на Примере 2, а затем на этом фоне сыграйте дабл-стопы — что-то вроде Примера 3. Отлично звучит, правда?

Дабл-стопы на гитаре


А если по-другому?

Сыграйте аранжировку на другом звукоснимателе или подкрутите ручку тона. А теперь опять возьмем лупер. Для записи Примера 4 (простое буги в тональности G) я практически свел тон на ноль.

Буги на гитаре


Как только у вас получится, верните ручку тона в прежнее положение и сыграйте партию Примера 5. Здесь я совместил двухнотные аккордовые линии с мелодическими бендами.

Фразы с бендами


Помните об уместности в аранжировке

Конечно, ваша впечатляющая гитарная партия звучит очень здорово, но вписывается ли она в данную конкретную композицию? А может, сделать аранжировку песни на другом инструменте, освободив тем самым гитару для того, что лучше подойдет в вашем случае? Например, для плотной ритм-партии?

Звучание, напоминающее банджо (Пример 6) — это тоже неплохо, но когда дело доходит до перкуссивного инструмента, типа пианино, и отличного клавишника. Все кардинально меняется! Переложение этой партии на клавишные открыло композицию по-новому и вывело ее на другой уровень.

Играть на гитаре как на бандо

Помните: все дело в музыке. Если мелодию и слова невозможно разобрать, потому что гитарист закрывает собой все, что только можно, это неправильно. Сделать аранжировку песни не такое легкое занятие, как кажется на первый взгляд, но и не что-то невозможное.

Когда-то давно мне дали замечательный совет: «Будь лучшим ритм-гитаристом и ты станешь лучшим музыкантом.»

Оставить комментарий

Как делать музыку на компьютере? Напойте мелодию

Как сделать простую аранжировку мелодии на компьютере за несколько минут?

Опытный композитор-аранжировщик тратит на аранжировку готовой мелодии на компьютере от двух часов и более. При этом он использует свои знания по теории гармонии и композиции, умеет хорошо играть на МИДИ клавиатуре, знает принципы МИДИ программирования и хорошо владеет программами-секвенсорами типа Cubase, Logic Audio, Pro Tools, Cakewalk Sonar и т.д. Но что делать, если вы не обладаете перечисленными навыками, а создавать несложные композиции тем не менее хотите? Как делать простые аранжировки песен, имея только начальные познания в музыке, и при этом не тратя месяцы на обучение?

Akoff Music Composer поможет в быстром создании несложных аранжировок. Вам достаточно напеть в микрофон или наиграть, например, на гитаре, вашу мелодию. Программа запишет мелодию, переведет ее в МИДИ ноты (транскрипция), подберет аккорды и аранжирует песню в выбранном вами стиле. На каждом этапе вы сможете прослушать и отредактировать ноты и аккорды.

Напойте мелодию - наша программа сделает все остальное!

Рассмотрим шаг за шагом пример аранжировки несложной мелодии:

  • Запись четко напетой мелодии под метроном: humming.wav


  • Транскрипция напетых нот и создание МИДИ трека: humming.mid


  • Подбор аккордов для полученной МИДИ мелодии: chords.mid


  • Аранжировка аккордов в выбранном стиле: song.mid

Как это работает?

Программа использует математические алгоритмы анализа аудио сигнала для расчета наиболее вероятных нот, используемых в записанной мелодии. Этот процесс называется транскрипцией или распознаванием нот. Мелодия должна быть напета или наиграна на инструменте четко, без сильных посторонних шумов. Программа не умеет определять и разделять партии одновременно звучащих инструментов, а также отделять ударные. Поэтому не пытайтесь проанализировать запись какой-нибудь группы или сложную аудио композицию с использованием нескольких инструментов - результат будет содержать много неверных нот. Если вы хотите узнать аккорды для какой-нибудь песни, попробуйте просто напеть мелодию этой песни и подобрать ноты и аккорды с помощью нашей программы.

Гармонический анализ МИДИ нот и подбор аккордов происходит по тактам. Поэтому важно, чтобы темп, размер и начало первого такта были правильно синхронизированы с аудио треком. Это легко сделать, записывая мелодию под метроном. Для мелодии из аудио файла синхронизацию можно выполнить визуально, меняя темп и сдвигая аудио трек, совмещая таким образом линии такта и начала нот в такте. Перед подбором аккордов желательно прослушать МИДИ мелодию и исправить ошибки. Ниже показано главное окно программы с примером создания аранжировки мелодии. Обратите внимание как вертикальные линии такта совмещены с началом нот.


Подробнее о свойствах программы...

Анализ музыкальных произведений.

Akoff Music Composer может использоваться не только для арранжировки напетой мелодии, но и для анализа записей музыкальных инструментов, например гитары или фортепьяно. Если у вас есть запись композиции, сыгранной на любом музыкальном инструменте, вы можете получить МИДИ ноты, которые затем можно легко перевести в нотную запись с помощью программ для редактирования нот. Далее можно сделать гармонический анализ готового МИДИ трека и подобрать аккорды, которые наиболее гармонично сочетаются с данной композицией.

Математический анализ музыки - сложная задача, точных алгоритмов пока не существует. Поэтому не всегда вы получите хорошие результаты, особенно на сложных полифонических композициях. Тем не менее, скачайте и попробуйте ДЕМО версию нашей программы. Надеемся, что она поможет вам лучше понимать и анализировать музыку.

Топ 10 избитых приемов аранжировки, или Так аранжируют только чудаки

Каждый аранжировщик всегда стремится сделать свою аранжировку какой-то особенной, оригинальной, ну или хотя бы не совсем банальной и похожей на другие. При этом он, чаще даже совершенно неосознанно, использует приемы, которые не только не делают его работу оригинальной, но неплохую в целом аранжировку могут начисто убить.

Во-первых, хочу сразу отметить, что речь в данной статье пойдет не о каких-то именно ошибках, которые допускают в своей работе аранжировщики. Это тема отдельной статьи, если не целой серии статей.

Те приемы, которые будут рассмотрены в данной статье, с точки зрения, так сказать, музыкальной науки не являются именно ошибками. Это, скорее, просто различные штампы, клише и прочие банальные и избитые приемы аранжировки и композиции и использовать их в своей работе вам никто не запрещает.

Однако если вы всё же не станете отказываться от перечисленных в статье шаблонов, помните — применение каждого из них будет одним большим жирным минусом в пользу тривиальности вашей работы.

Во-вторых, еще раз отмечу, что применение описанных в статье приемов ни я, ни кто-либо другой вам не запрещает и запретить не может, в конце концов, аранжировка — это творчество, а в творчестве нет места каким-либо законам.

И в-третьих, я никого не хочу задеть или обидеть данной статьей. Это всего лишь мое личное мнение по данному вопросу, и если вы с ним в чём-то со мной не согласны, то можете высказаться об этом в комментариях к статье.

А на этом закончим вступление и начнем наш хит-парад заезженных приемов аранжировки.

10 место — Интро

По моему глубокому убеждению, большинству композиций так называемые интро и прочие затянутые длинные вступления совершенно не нужны.

Хочу подчеркнуть, что не нужно интро именно отдельной композиции, в качестве же подготовительного трека в музыкальном альбоме оно может быть уместным. Но ключевое слово здесь «может быть», а не «будет».

В подавляющем же большинстве случаев интро прилепляют к началу композиции без каких-либо оправданных причин. В результате композиция получается более продолжительной, затянутой, а часто еще и подчеркнуто пафосной.

В конце концов, если интро является, по вашему глубокому убеждению, просто жизненно важной и неотъемлемой частью в данной песне, то сделайте его тогда хотя бы отдельным треком. В этом случае человеку достаточно будет нажать кнопку «Next», чтобы переключиться на основную часть и не слушать поток этого, по сути, музыкального мусора.

9 место — Виолончель

Виолончель получила столь широкое распространение в современных аранжировках по вполне понятным причинам: обширные исполнительские возможности и необыкновенно богатый, выразительный тембр.

Если какой-то композиции недостает глубины чувств, лиричности и т. п., то первое, что приходит на ум аранжировщику — добавить в нее партию виолончели. И это, по моему мнению, самое банальное, что он только может сделать.

Это настолько же пошлый ход, как подарить своей девушке одинокую красную розу.

Безусловно, виолончель звучит в умелых руках прекрасно (да и роза тоже сама по себе выглядит весьма красиво). Но из-за этого виолончель стала настолько распространенным инструментом, что сейчас лучше не использовать ее в этой роли вообще.

В конце концов, помимо виолончели есть огромное количество других инструментов, которые тоже звучат превосходно. Попробуйте вместо нее какой-нибудь не самый очевидный инструмент, например, фагот или хотя бы альт. Да, они, может быть, не настолько приторны. Но тембр того же фагота уже́ будет чем-то новым в вашей аранжировке и, при умелом его применении, добавит ей новых своеобразных красок.

8 место — Заполнение пауз

Суть это штампа заключается в следующем: места в песне, где между фразами в вокальной партии образуются паузы длиной примерно в 1 такт и больше, аранжировщик стремится обязательно хоть чем-нибудь заполнить. И самый, пожалуй, банальный ход — повставлять там короткие фразы какого-либо инструмента, чаще (и хуже) всего — гитары.

Еще хуже, если инструмент при этом повторяет спетые вокалистом фразы. И совсем клиника, если соло-партия звучит, вообще не умолкая, одновременно с вокалом, не образуя с ним при этом грамотной, продуманной полифонии. Но это уже не избитый ход, а самая настоящая ошибка, о которых, как говорилось в начале статьи, мы речь здесь вести не будем.

Не знаю, откуда пошла мода заполнять такие паузы, но явление это крайне распространенное и, причем, не только среди любителей.

Во-первых, по моему мнению, такого рода паузы в песне заполнять далеко не всегда обязательно. Это может быть лишним, в том числе и потому, что будет отвлекать на себя внимание и мешать сосредоточиться на словах. Паузы в этом случае могут быть только плюсом, особенно если текст песни не так прост для понимания.

А во-вторых, если паузы действительно образуют ямы и, по мнению аранжировщика, разрушают целостность композиции, то лучше заполнить эти паузы каким-то менее примитивным способом, чем просто подыгрышем сольного инструмента.

7 место — Модуляция

Под модуляцией, сразу скажу, здесь понимается переход в другую тональность. Но в само́й модуляции как выразительном средстве ничего плохого вовсе и нет. Зато есть способ применить ее так, чтобы это было банально и безыскусно. И один из таких способов это просто элементарное повышение тональности на полтона-тон в конце (чаще на последнем припеве) песни.

Когда у аранжировщика не хватает навыков или попросту лень сделать что-то для большего развития композиции, идущей к своему завершению, он просто использует модуляцию. Конечно, ведь это же так просто! Ненужно ничего сочинять, достаточно тупо скопировать нужную часть песни и поднять ее на полтона-тон.

Так вот запомните: в подавляющем большинстве случаев модуляция, примененная таким вот образом — это показатель творческой импотенции аранжировщика.

Безусловно, можно найти различные песни, где такая модуляция оказалась весьма уместной. Но в большинстве же случаев модуляция всё равно используется для решения каких-то совершенно конкретных художественных задач, а не потому что у аранжировщика не хватило идей для развития композиции.

6 место — Соло «в терцию»

Ну, надеюсь, что те, кто читают эту статью, знают, что такое терция, я пояснять этого здесь не буду.

Но отмечу: мало что звучит столь же неоригинально и совково, как соло-партия гитары, исполненная, что называется, «в терцию». То есть, когда какое-то (чаще небыстрое, мелодичное) соло исполняется не одноголосно, а с добавлением параллельной партии на терцию выше/ниже.

Это звучит, на первый взгляд, красиво, но... это же просто чертовски банально! Среди исполнителей классического метала в 80-х (да и не только) такой ход был популярен просто невообразимо, что в настоящее время делает его не только избитым, но еще и устарелым.

При этом употребление такого интервала как терция отнюдь не будет банальным, но только если не применять его так, а использовать по-другому. Гитарное соло же лучше оставить одноголосным. Или если совсем уж невмоготу и хочется добавить «терцию», то поручите второй голос другому инструменту или хотя бы сделайте его заметно тише основного.

5 место — Фейд-аут

Еще один просто небывало распространенный прием. Для тех, кто вдруг не в курсе, поясню, что фейд-аутом (англ. Fade Out) называют плавное затухание звука. Его противоположность — фейд-ин (англ. Fade In) — наоборот его плавное выведение. Уверен, что каждый из вас знает хотя бы одну композицию, которая заканчивается именно так, фейд-аутом, то есть постепенно затухает в конце.

Так вот, как минимум в 90 % случаев наличия в композиции фейд-аута говорит только о том, что аранжировщику не хватило умения и/или желания сочинить нормальную концовку.

Редко, очень редко бывает, когда песня действительно такова, что отчетливая концовка ее попросту рушит. Мало того, те композиции, которые в студийной версии затухают, музыканты же как-то играют на концертах «вживую» и заканчивают их безо всяких фейдов, за очень-очень редкими исключениями.

Да и фейд, как и интро, только удлиняет композицию и как бы заявляет слушателю: «Песня заканчивается!», что вынуждает его отвлечься и нажать кнопку «Next», даже недослушав композицию до конца.

4 место — Прямые ассоциации и примитивная стилизация

Как сказал один умный человек: «Если вы видите музыкальный клип, в котором идет дождь и в песне поется про дождь — то это российский клип».

И в этих словах есть доля правды, только в нашем случае эту фразу можно было бы изменить, например, вот так: «Если в песне поется про колокольчик и в ней обязательно звучит колокольчик, то это аранжировка российского аранжировщика». Уточню: плохого российского аранжировщика.

Удивительно, но до какой же степени часто аранжировщики стремятся намеренно подчеркнуть в аранжировке то, о чём поется или всячески сымитировать характерные особенности какого-то музыкального стиля.

Ну разве не ужасно, когда в песне при упоминании, допустим, слова «скрипка», начинает действительно подыгрывать скрипка? А если в этом случае еще и поется не о скрипке как таковой? Да это же совсем чудовищно!

То же касается и разного рода примитивной стилизации. Например, песню, образно говоря, про Русь-матушку напичкать балалайками, гуслями и жалейками, чтобы она стала «более русской». Или для создания атмосферы Парижа обязательно задействовать аккордеон. Или если в песне поется о чём-то старинном, то непременно надо втулить в нее клавесин, «чтоб придать ей особый колорит эпохи барокко».

Подобного рода приемы почти всегда ужасны и, пожалуй, единственный случай, когда они могут быть уместны, это какая-либо пародия. И то не всегда. Поэтому не стоит таким образом подчеркивать содержимое песни. Всегда следует следить за тем, чтоб музыкальные идеи не лезли в сторону такого вот примитивизма.

3 место — Заезженные пресеты, патчи и сэмплы

Вообще я всегда был и остаюсь противником использования разного рода пресетов при работе со звуком, но особенно, если это касается разного рода виртуальных инструментов и лупов.

Сейчас на рынке представлено довольно-таки много разнообразных VSTi и практически у всех из них имеется набор готовых патчей. Естественно, аранжировщик не станет себя утруждать и будет использовать готовые «звуки». Зачем что-то делать с инструментом, если он уже отлично звучит? Вроде бы логично, не стану спорить, что некоторые патчи в виртуальных инструментах и некоторые готовые лупы могут действительно звучать великолепно.

Но вот в чём проблемка. Если вы решили использовать пресет какого-нибудь ординарного фортепиано или семпл бас-бочки, то это одно. А если какой-то нестандартный инструмент или луп с особенным, специфическим звучанием? В таком случае не сомневайтесь — его мгновенно опознают те, кто такой инструмент имеет и с большой вероятностью отнесутся к этому не позитивно.

Представьте, что вы на распродаже в крупном сетевом магазине купили себе реально красивое, оригинальное пальто, да еще и за очень скромную сумму. Думаете, вы будете такой один? Скажите, будет ли вам приятно, идя потом по улице, встречать прохожих в абсолютно таком же наряде?

А ведь большинство аранжировщиков у нас сейчас так и работают — практически на одних и тех же легкодоступных плагинах, с одними и теми же пресетами, патчами и библиотеками семплов. Это и порождает множество или просто «одинаковых» или сильно похожих друг на друга аранжировок.

Кстати, наличие таких вот похожих элементов может быть запросто кем-то воспринято как плагиат. Тот же YouTube, по опыту знаю, может забанить видео из-за того, что в нём где-то звучит какой-то семпл, который кто-то в своей песне уже применил до вас. Оно вам, скажите, надо?

Впрочем, принципиально не пользоваться пресетами и не использовать готовые лупы это тоже не очень разумное решение. В конце концов, производители и создают их для того, чтобы ими пользовались, а не сторонились их.

Но здесь нужно помнить, что чем более нестандартным, выразительным и колоритным будет луп или патч, тем больше он будет заметен и больше вероятности, что кто-то где-то уже использовал его в своей аранжировке до вас.

Поэтому, если вы и используете какие-то оригинальные инструменты и лупы из популярных библиотек, то хотя бы немного обрабатывайте и изменяйте их, чтобы снизить вероятность таких вот неприятных совпадений.

2 место — Саксовок

Именно так я (конечно, в шутку) называю саксофон. И неспроста. Вообще саксофон — инструмент с о-о-чень большими исполнительскими возможностями, пусть и несколько «пряным», но всё же красивым и выразительным звуком.

За это саксофон и полюбило так много аранжировщиков, благодаря чему он стал настолько часто встречаться в различных песнях, что уже по праву может считаться одним из самых часто используемых духовых инструментов. И это отнюдь не есть хорошо.

Несмотря на всю выразительность своего тембра и серьезные технические возможности, саксофон не такой уж и универсальный инструмент, как почему-то думают многие. Неспроста он так и не стал постоянным членом симфонического оркестра. Да и в духовом оркестре его роль никогда не была первостепенной.

Конечно, использование саксофона в духовой секции почти всегда обязательно (наряду с трубой и тромбоном), но вот использование его как инструмента для соло в какой-либо композиции — один из самых банальных ходов. Особенно, если это медленная баллада, а соло исполняется именно на альт-саксофоне с его до тошноты слащавым тембром. Этим, между прочим, грешат не только начинающие, но и многие опытные аранжировщики, что особенно удивляет.

Саксофонное соло вопреки представлениям большинства отнюдь не придает аранжировке свежести и новизны, а наоборот делает ее устаревшей, пошлой и даже совковой. Собственно, саксовком я называю саксофон именно поэтому.

Тем не менее, против этого, несомненно, замечательного инструмента я ничего, в общем-то, и не имею, просто я против такого его истасканного и заезженного использования.

1 место — Оригинальность ради оригинальности

Все хотят сделать свою аранжировку оригинальной и не такой как у других, но не все применяют для этого разумные методы. Начинающий аранжировщик часто думает, что применив какой-то совершенно нетрадиционный ход, он уж точно сделает свою аранжировку особенной и вызовет к ней большой интерес у слушателя.

На деле всё оказывается совсем иначе — такую аранжировку в итоге возможно даже и не станут слушать, настолько странно она будет слушаться.

Самыми безобидными примерами такой вот оригинальности ради оригинальности можно счесть, например:

Противоестественное панорамирование (когда, допустим, бас-гитара звучит в левом канале, а малый барабан — в правом).

Преднамеренное использование нечетных размеров (5/8, 7/4 и пр.) там, где гораздо логичнее было бы использовать обычный четный (6/8, 4/4).

Нарочито странная инструментовка (клинический пример: басовую партию играет флейта, вместо ритм-гитары звучат пять гобоев, а соло при этом играется на классической гитаре с дисторшном).

И таких примеров я могу привести еще много, но суть остается одной: да, это сделает аранжировку более необычной, но будет ли песня в результате такой аранжировки восприниматься слушателем как надо? Ведь оригинальность ради оригинальности сама по себе ничего не несет — это лишь один из приемов, которые могут быть задействованы вами при аранжировке композиции.

Поэтому нужно не делать что-то целенаправленно для придания вашей аранжировке большей оригинальности и своеобразия, а стараться не делать того, о чём я поведал вам в данной статье.

На этом всё. Думаю, моя статья была для вас полезной. Ваши мысли высказывайте, пожалуйста, в комментариях.

Ниже я также предлагаю ознакомиться с другими статьями по темам, которые могут быть вам полезны:

Если у вас возникнут ко мне какие-либо вопросы, присылайте их мне на электронную почту по адресу  с пометкой в теме «Андрею Скидану». Буду рад ответить!

______________________

Автор: Андрей Скидан
При копировании материала ссылка на сайт www.master-skills.ru обязательна!

Как сделать аранжировку 🚩 аранжировать песню 🚩 Музыка 🚩 KakProsto.ru: как просто сделать всё

Автор КакПросто!

Для того чтобы музыкальная композиция была красивой и многогранной, она должна быть качественно аранжирована. Аранжировка крайне важна для итогового восприятия композиции – любая, даже самая талантливая мелодия, не покажется слушателю интересной, если она не будет надлежащим образом оформлена музыкально. Искусство создания дополнительных партий, подчеркивающих основную мелодическую линию композиции – непростая задача, и поэтому вся работа аранжировщика – это непрерывное творчество.

Статьи по теме:

Инструкция

Если вы решили заняться созданием аранжировок, вам потребуются начальные знания, без которых нельзя начать первый этап данной работы. Прослушайте песню или мелодию, которую вы должны аранжировать. Тщательно продумайте стиль композиции – от выбора стиля во многом зависит направление вашей дальнейшей творческой работы. Для начала постарайтесь гармонизировать мелодию, избегая однообразия в создании новых гармоний. Включайте в аранжировку необычные музыкальные ходы, нестандартные аккорды и ритмические партии.

Учитывайте в аранжировке особенности голоса, которым поется песня. Во время вокальной партии не переусердствуйте с количеством инструментов в аранжировке – слишком много инструментов заглушат голос и перемешают мелодию. Все оригинальные самостоятельные мелодии оставляйте для сольных инструментальных партий в проигрышах.

Всегда обращайте внимание на форму композиции – это позволит сохранить ее целостность в новой аранжировке. Соблюдайте ритмический размер, учитывайте количество частей и музыкальных квадратов в песне. Определите момент наивысшего музыкального развития темы.

Придумывая проигрыши, сохраняйте форму композиции и ее стилистическую направленность. Различные инструменты подчеркивают различные стили – помните об этом.

Для записи и дальнейшего сведения музыкальных партий, из которых вы соберете готовую аранжировку, используйте программу Cubase, способную работать и с аудио-форматами, и с MIDI.

Добивайтесь во время записи максимально качественного и живого звучания инструментов. Пишите красивые, выразительные и органичные партии. Готовые треки не забудьте свести вместе по балансу звучания.


Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *