Никий (художник) — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Никий (др.-греч. Νικίας, IV в. до н. э.) — древнегреческий живописец, живший в Афинах. Его произведения (картины, росписи, надгробные стелы) не сохранились, однако их сюжеты («Ио и Аргус», «Персей и Андромеда») отражены в помпейских и римских росписях[1]. Ввёл в живопись блик[2].
По одним данным[3], лучше всего он умел изображать женщин, а по другим[4], — животных.
Работал вместе с Праксителем, раскрашивал его скульптуры. Известно, что когда Праксителю задали вопрос: «Какие твои статуи больше всего нравятся тебе самому?», то он ответил: «Те, которые расписывал художник Никий»[5].
Открыл, что свинцовый сурик можно использовать в качестве пигмента в красках. Существует легенда, что Никий долгое время ожидал прибытия корабля с острова Родос с грузом свинцовых белил, которые на этом острове изготавливались[6]. Корабль прибыл в афинский порт Пирей, но там вспыхнул пожар и огонь перекинулся на корабли с грузом белил
Согласно Деметрию Фалерскому, Никий говорил, что в искусстве возвышенное, героическое и значительное должно заменить мелкие сюжеты[7]:
 | Живописец Никий и то прямо считал не малым моментом живописного искусства, чтобы, взявши значительную материю, не дробить искусство на мелкие вещи, как, например, [вводить] птичек и цветочки, но — [целые] кавалерийские и морские сражения. Тут всякий сможет показать многочисленные фигуры лошадей, то ли бегущих, то ли остановившихся, а ещё иных приседающих, когда многие всадники бросают копья, а многие падают. Никий считал, что и само содержание есть момент живописного искусства, как мифы для поэтов. |  |
- ↑ Никий (живописец) // Большая энциклопедия Кирилла и Мефодия
- ↑ Сергеев В. С., Струве С. В., Каллистов Д. П. История древней Греции. — М.: Изд-во восточной лит-ры, 1963. С. 327.
- ↑ Альберти Л.-Б. Десять книг о зодчестве. В двух томах. — М.: Издательство Всесоюзной академии архитектуры, 1937. С. 61.
- ↑ Памятники позднего античного ораторского и эпистолярного искусства II—V века. — М.: Наука, 1964. С. 228.
- ↑ Гаспаров М. Л. Занимательная Греция. Рассказы о древнегреческой культуре. — М.: Новое литературное обозрение, 2000. ISBN 5-86793-093-9.
- ↑ 1 2 3 4 5 6 Петрянов-Соколов И. В. (Отв. ред.) Популярная библиотека химических элементов. Книга вторая. Серебро — Нильсборий и далее. Издание 3-е, исправленное и дополненное в двух книгах. — М.: Наука, 1983. С. 272.
- ↑ Лосев А. Ф. История античной эстетики. Ранний эллинизм. — М.: АСТ, Фолио, 2000. ISBN 5-17-002587-4. С. 702.
| Имя | имя | Общепринятое полное имя художника (ФИО)
| Строка (короткая) | необязательный |
|---|---|---|---|---|
| Оригинал имени | оригинал имени | Имя художника на языке художника; приветствуется использование языкового шаблона вида {{lang-xx}}, где xx — код языка; не заполняется, если оригинальным языком является русский
| Строка (короткая) | необязательный |
| Изображение | изображение | Имя файла с изображением художника
| Имя файла | необязательный |
| Ширина | ширина | Числовое значение ширины изображения | Число | устаревший |
| Описание изображения | описание изображения | Текст под изображением
| Строка (короткая) | необязательный |
| Имя при рождении | имя при рождении | Общепринятое полное имя художника при рождении
| Строка (короткая) | необязательный |
| Псевдонимы | псевдонимы | Псевдонимы, под которыми известен художник | Строка (короткая) | необязательный |
| Прозвище | прозвище прозвища | Прозвище, под которым известен художник | Строка (короткая) | необязательный |
| Дата рождения | дата рождения | Дата рождения художника в формате дд.мм.гггг или гггг; если необходимо дать дату по старому стилю, то она указывается в скобках: (дд), (дд.мм) или (дд.мм.гггг) после даты по новому стилю
| Дата | необязательный |
| Место рождения | место рождения | Место рождения художника
| Строка (короткая) | необязательный |
| Дата смерти | дата смерти | Дата смерти художника в формате дд.мм.гггг или гггг; если необходимо дать дату по старому стилю, то она указывается в скобках: (дд), (дд.мм) или (дд.мм.гггг) после даты по новому стилю
| Дата | необязательный |
| Место смерти | место смерти | Место смерти художника
| Строка (короткая) | необязательный |
| Подданство | подданство | Подданство художника | Строка (короткая) | необязательный |
| Гражданство | гражданство | Гражданство художника
| Строка (короткая) | необязательный |
| Страна | страна | Страна (подданство или гражданство) художника | Строка (короткая) | необязательный |
| Жанр | жанр | без описания
| Строка (короткая) | необязательный |
| Учёба | учёба | В каком учебном заведении или у кого учился художник
| Строка (короткая) | необязательный |
| Стиль | стиль | без описания
| Строка (короткая) | необязательный |
| Покровители | покровители | Покровители художника | Неизвестно | необязательный |
| Награды | награды | Главные профессиональные награды | Несбалансированный вики-текст | необязательный |
| Звания | звания | без описания | Несбалансированный вики-текст | необязательный |
| Премии | премии | без описания | Несбалансированный вики-текст | необязательный |
| Сайт | сайт | Личный сайт | URL | необязательный |
| Роспись | роспись автограф | Имя файла с подписью художника | Имя файла | необязательный |
| Викисклад | викисклад | Категория на Викискладе с работами художника; если работы художника несвободны — напишите «нельзя»
| Строка (короткая) | устаревший |
| Nocat | nocat | без описания | Логическое значение | необязательный |
Копи (художник и писатель) — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Ко́пи (исп. Copi), собственно Рау́ль Дамо́нте Бота́на (исп. Raúl Damonte Botana; 20 ноября 1939, Буэнос-Айрес — 14 декабря 1987, Париж) — аргентинский и французский прозаик, драматург, художник-карикатурист.
Из семьи политиков, писателей и журналистов Аргентины леворадикального направления, в семье свободно владели французским языком. Детство провел в Монтевидео. У него рано проявились способности к рисованию, в 16 лет он публиковал сатирические рисунки в газетах и журналах Буэнос-Айреса. Войдя в конфликт с диктаторским режимом Перона, семья была вынуждена эмигрировать (Уругвай, Гаити, США).
В 1962 Рауль обосновался в Париже, сблизился с литературно-художественной группой Паника (Фернандо Аррабаль, Алехандро Ходоровский, Ролан Топор). Абсурдистские драмы Копи ставил Хорхе Лавелли, Филипп Адриан, Альфредо Ариас, Марсьяль Ди Фонсо Бо, Жером Савари и другие крупные режиссёры. Его рисунки, близкие к черному юмору сюрреалистов, помещались в Le Nouvel Observateur, Libération, Hara-Kiri, Charlie Hebdo, журнале ЛГБТ-культуры Gai Pied и пользовались большим успехом.
Скончался от осложнений, связанных со СПИДом.
Романы[править | править код]
- L’Uruguayen (1973)
- Le bal des folles
- Une langouste pour deux (1978)
- La cité des rats (1979)
- La vida es un tango (1981, на испанском языке)
- La guerre des pédés (1982)
- Virginia Woolf a encore frappé (1983)
- L’Internationale argentine (1988)
Драмы[править | править код]
- Un ángel para la señora Lisca (1962, поставлена автором в Буэнос Айресе, на испанском языке)
- Sainte Geneviève dans sa baignoire (постановка Хорхе Лавелли, 1966)
- L’alligator, le thé (постановка Жерома Савари, 1966)
- La journée d’une rêveuse (постановка Хорхе Лавелли, 1968)
- Eva Perón (1970, постановка Альфредо Ариаса)
- L’homosexuel ou la difficulté de s’exprimer (постановка Хорхе Лавелли, 1971)
- Les quatre jumelles (постановка Хорхе Лавелли, 1973; мини-опера Режиса Кампо, 2008)
- Loretta Strong (1974)
- La Pyramide (постановка автора, 1975)
- La coupe du monde (постановка автора, 1975)
- L’ombre de Venceslao (постановка Жерома Савари, 1978)
- La Tour de la Défense (1981)
- Le Frigo (1983)
- La nuit de Madame Lucienne (постановка Хорхе Лавелли на Авиньонском фестивале, 1985)
- Una visita inoportuna (на испанском языке, постановка Хорхе Лавелли, 1988)
- Les escaliers du Sacré-cœur (1990, постановка Альфредо Ариаса)
- Una Visita Inoportuna (на испанском языке, постановка 2009)
Комиксы[править | править код]
- Humour Secret (1965)
- Les poulets n’ont pas de chaise (1966)
- Le dernier salon où l’on cause (1973)
- Et moi, pourquoi j’ai pas de banane? (1975)
- Les vieilles putes (1977, итал. пер. 1979)
- Le monde fantastique des gays (1986, итал. пер. 1987)
- Les poulets n’ont pas de chaises (итал.пер. 1988)
- La femme assise (изд. 2002)
- Un livre blanc (изд. 2002)
Проза и драматургия Копи переведены на английский, немецкий, итальянский, нидерландский, хорватский, словенский и другие языки.
- Башня Дефанс//Антология современной французской драматургии. Том 1. М.: Новое литературное обозрение, 2009, с. 467—541 (в постановке Марсьяля Ди Фонсо Бо пьеса была показана в ноябре-декабре 2010 в МХТ им. Чехова в рамках проекта «Французский театр. Впервые на русском» — см.: [1])
- Copi/ Jorge Damonte, Christian Bourgois, eds. Paris: Christian Bourgois Éditeur, 1990
- Aira C. Copi. Rosario: Beatriz Viterbo Editora, 1991
Алёша (художник) — Википедия
Алёша (укр. Альоша, нем. Aljoscha, настоящее имя — Алексей Потупин[1]; 15 июля 1974) — современный украинский и русский[уточнить] художник и скульптор, известный в первую очередь своими концептуальными инсталляциями и объектами, базирующихся на идеях биоизма, биофутуризма и биоэтического аболиционизма. В будущем, считает автор, художники как биологи будут работать с живыми веществами, создавать новые формы жизни и разрабатывать новую этику.
Алёша родился в 1974 году в городе Глухов, УССР, сейчас Украина.
Образование получил в Дюссельдорфской Академии Искусств (2001—2002 класс Конрада Клапека (Konrad Klapheck)) и в Международной Летней Академии искусств в Зальцбурге[2] (2006 класс Ширин Нешат).
С 2003 живет и работает в Дюссельдорфе.
Художник известен, в первую очередь, своими концептуальными инсталляциями и объектами, базирующихся на идеях биоизма, биофутуризма и биоэтического аболиционизма. В будущем, считает автор, художники как биологи будут работать с живыми веществами, создавать новые формы жизни и разрабатывать новую этику. Его творчество является неким симбиозом изобразительного искусства и науки. Его, по собственным словам, интересует не связь между уже существующим знанием, предлагаемым нам наукой и окружающей нас визуальной культурой, а приоткрываемые ею будущие возможности и опции, биофутуризм
Объекты Алёши являются в его художественной системе живыми организмами; многие из них обречены в городском пространстве на гибель. Биоизм — направление современной эстетики познания и создания форм живого, является тем направлением, которое разрабатывает художник, он нацелен на эстетику будущего[3]. Названием одного из его проектов было слово «Биоэтика», что по его мнению включает «и эстетику, и свободу восприятия, и право на свободу высказывания о жизни и смерти, о добре и зле, о прекрасном и безобразном. Очень скоро биоэтика, по его мнению, заменит нормативную этику, политику, религию и прочее»[4]. Из-за неизбежного появления новых форм жизни, вероятней всего, произойдут изменения в искусстве, и они позволят художникам влиять на процесс рождения и выращивания новых биологических форм, а также превращать музеи и галереи в сады [5]. «Объекты экспозиции подчиняются биотическими факторами, влияют друг на друга как формы живых организмов и представляют зрителю новое понятие эстетики, красоты и атмосферности»[6]. Особенностью автора является вариативность и многообразие предпочитаемых материалов, например то, что в отличие от коллег, предпочитающих природные живые материалы, создает «природные формы» чаще всего непосредственно из краски, нанося ее микродозами на объект, как бы выращивая их[7], из акрила или акрилового пластика[8][9][10].
В интервью 2016 года Алёша рассказывает, что: «сейчас меня особенно интересует идея счастья как психобиологического состояния и глобального избавления человечества от страданий, как эстетический путь работы с этой проблематикой, но не описание счастья как такового»[3].
Одним из проектов Алёши в 2016 году, под названием «Iconoclasm and Bioism» («Иконоборчество и биоизм»), было путешествие по его родине Украине, где он занимался фотодокументацией последствий ленинопада, фотографируя руины скульптур вместе со своими «существами» (сделанными из силикона объектами). «Я помещал свои объекты внутрь Ленина. В нем они живут, вегетируют, произрастают», рассказал художник журналисту. По его мнению, одной из самых впечатляющих получилась инсталляция в городе Гуляйполе в Запорожской области, откуда родом Батька Махно: «там я нашел Ленина лежащим практически в поле. Торс и через сто метров — голова. Это абсолютный сюрреализм». Большинство силиконовых объектов он оставил на месте съемок как действующую инсталляцию, хоть без каких-либо ожиданий, что они сохранятся достаточное время
Несанкционированные акции и интервенции — один из любимых художественных приемов художника. Эти инсталляции в открытом пространстве устраиваются Алешей «нелегально». Позже объекты забирают госслужбы или полиция, либо же просто горожане.
Инсталляция художника Алёши в церкви святого Петра (Дортмунд, Германия).В интерьерах автора интересует процесс изменения выставочного пространства и создание контраста между статичным интерьером XIX века и динамичным обликом «оживших» синтетических материалов[6].
Алёша намеренно не дает своим произведениям названий, чтобы не ограничивать этим воображение зрителя. Задача автора — дать зрителю полную свободу от параллелей с уже знакомым, виденным ранее, существующим, чтобы тот мог ощутить работу непредвзято, воистину свободно[3].
Представители в России: галерея Анна Нова (Петербург)[13], Ural Vision Gallery (Екатеринбург).
Награды и номинации[править | править код]
В рейтинге InArt-2018[17] «Топ 100 признанных авторов» — № 79[18], в этом же «Народном рейтинге» — № 7[19]. В 2017 году, во время участия в московской ярмарке современного искусства Cosmoscow, был упомянут журналом Forbes как один из тех, произведение которого было куплено в первые же часы после открытия ярмарки[20]. Издание PeopleTalk в 2018 году называет его в числе «топ-5 современных российских художников, за которыми нужно следить»[21].
Избранные персональные выставки[править | править код]
Всего принял участие более чем в 80 выставках, из них 33 персональных (в основном в Германии, Австрии, Италии, Греции, России).
- 2019 «Alterocentric Eudaimonia»[22], Художественная станция в бывшей церкви Святого Петра, Кёльн, Германия.
- 2019 «Urpflanze»[23], Музей Гёте, Дюссельдорф, Германия.
- 2019 «Modelle der nie dagewesenen Arten»[24], Арт клуб Падерборн, Германия.
- 2018 «Peak Experience»[25], Галерея Beck & Eggeling, Вена, Aвстрия.
- 2018 «Панспермия»[26] Anna Nova gallery, Санкт-Петербург, Россия.
- 2018 «До тех пор, пока разум безмолвствует в неподвижном мире своих надежд, всё взаимоперекликается и упорядочивается в столь желанном ему единстве. Но при первом же движении весь этот мир трещит и рушится. Познанию предлагает себя бесконечное множество мерцающих осколков.», Галерея FUTURO, Нижний Новгород.
- 2017 «The Gates of the Sun and The Land of Dreams» (Врата солнца и Страна Грёз)[27][28], Museum Schloss Benrath, Дюссельдорф, Германия.
- 2017 «The Gates of the Sun and The Land of Dreams» (Врата солнца и Страна Грёз), Beck & Eggeling Gallery[29], Дюссельдорф, Германия.
- 2017 «A Notion Of Cosmic Teleology»[30] (Понятие Космической Телеологии), Sala Santa Rita, Рим, Италия.
- 2017 «Early Earth Was Purple» (Ранняя Земля Была Лиловой), Ural Vision Gallery, Будапешт, Венгрия.
- 2016 «Iconoclasm and Bioism» (Иконоборчество и Биоизм), Julia Ritterskamp, Дюссельдорф, Германия.
- 2016 «Auratic Objects» (Объекты с Аурой), Donopoulos International Fine Arts, Салоники, Греция.
- 2016 «From Homo Faber to Homo Creator» (От Человека Делающего к Человеку Созидающему), Galerie Martina Kaiser, Кёльн, Германия.
- 2016 «Лотофагия», Anna Nova gallery, Санкт-Петербург, Россия.
- 2016 «Archaeen» (Археи), Galerie Martina Kaiser, Кёльн, Германия.
- 2016 «Bioethics» (Биоэтика), Gallery Y, Минск, Белоруссия.
- 2015 «Paradise Engineering» (Райская Инженерия), Дворец «Флора», Кёльн, Германия.
- 2015 «Hadaikum» (Катархей), Martina Kaiser Gallery, Кёльн, Германия.
- 2015 «Animism and Bioism» (Анимизм и Биоизм), Национальный музей естественной истории, София, Болгария.
- 2015 «Funiculus umbilicalis» (Пуповина), Санкт-Петри, Дортмунд, Германия.
- 2015 «Synthetic | Elysium» (Синтетика | Элизиум), Daab Verlag, Кёльн, Германия.
- 2014 «Биоизм», Музей Эрарта, Санкт-Петербург, Россия.
- 2014 «Lotuseffekt» (Эффект Лотоса), Goethe Institut, София, Болгария.
- 2013 «We love you stars. May you adore us» (Мы любим вас, звезды. Да возлюбите и вы нас), Galerie Claudia Junig, Кёльн, Германия.
- 2013 «Der ca. 20 Lichtjahre große Nebel enthält Staubsäulen, die bis zu 9,5 Lichtjahre lang sind und an deren Spitze sich neue Sterne befinden» (Туман, размером примерно в 20 световых лет содержит пылевые столбы длинной до 9,5 световых лет, на концах которых находятся новые звезды), Raum e.V., Дюссельдорф, Германия.
- 2013 «Daidaleia — the Presence of Fabulous Edifices» (Дедалия — Присутствие Прекрасных Строений), Donopoulos International Fine Arts, Салоники, Греция.
- 2012 «Sensorial Panopticum» (Сенсорный Паноптикум), Beck & Eggeling Gallery, Дюссельдорф, Германия.
- 2012 «Abiogenesis» (Абиогенез), Kunstraum d-52, Дюссельдорф, Германия.
- 2011 «Objekt als Wesen» (Объект как Существо), Kunstverein APEX, Гёттинген, Германия.
- 2011 «Bioism Involved» (Биоизм Вовлечен), Kunstgarten, Грац, Австрия.
- 2010 «The children of Daedalus» (Дети Дедала), Donopoulos International Fine Arts, Салоники, Греция.
- 2010 «Lliving Architectures» (Живая Архитектура), Beck & Eggeling Gallery совместно с Henn Gallery, Мюнхен, Германия.
- 2010 «Bioism aims to spread new and endless forms of life throughout the universe» (Биоизм стремится распространять новые и бесконечные формы жизни во и вне вселенной), ARTUNITED, Вена, Австрия.
- 2009 «Biofuturism» (Биофутуризм), Krefelder Kunstverein, Крефельд, Германия.
- 2009 «Bioism» (Биоизм), Museo di Palazzo Poggi, Болонья, Италия.
- 2008 «Objects — Drawings — Paintings» (Объекты — Рисунки — Живопись), Beck & Eggeling Gallery, Дюссельдорф, Германия.
- ↑ Lodermeyer, Peter. Aljoscha: Germinating New Art (англ.) // Sculpture. — 2015. — June (vol. 34, no. 5). — P. 19—25.)
- ↑ Международная летняя академия изобразительных искусств (SAFA)
- ↑ 1 2 3 4 Лотофагия / Lotophagie. Anna Nova Art Gallery | лампа (рус.) (неопр.) ?. lampa-space.ru. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ «Биоэтика» от художника Aljoscha: когда галерея превращается в «сад» (рус.), greenbelarus.info (23 марта 2016). Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ aljoscha [exhibitions > «Bioethics»] (неопр.). aljoscha.org. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ 1 2 aljoscha x futuro (англ.). futurogallery.ru. Дата обращения 23 марта 2018. (недоступная ссылка)
- ↑ Лотофагия / Lotophagie / Aljoscha (Алёша) — Галерея современного искусства Анна Нова (неопр.). annanova-gallery.ru. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ Немецкий скульптор Алёша представил в Петербурге экспозицию новых форм жизни (рус.), Life.ru. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ Абиогенез в d-52 | Art | Журнал (рус.) (неопр.) ?. artaktivist.org. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ ArtElectronics.ru. Биофутуризм Алёши — ArtElectronics.ru (рус.), ArtElectronics.ru (28 июля 2016). Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ Deutsche Welle (www.dw.com). Ленин в мусоре, или Иконоборчество по-украински | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW | 22.04.2016 (рус.). DW.COM. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ Немецкий художник проследил, как в Украине сменяются идолы (рус.). HUDRUK.. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ Aljoscha (Алёша) — Художники — Галерея современного искусства Анна Нова (неопр.). www.annanova-gallery.ru. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ XXXV Premio de Pintura, Escultura y Arte Digital (исп.)
- ↑ Donopoulos IFA: Aljoscha
- ↑ Karin Abt-Straubinger Stiftung (нем.)
- ↑ Алёша (англ.). in-art.ru. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ Топ 100 признанных российских современных художников | Рейтинг InArt (англ.). in-art.ru. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ Народный рейтинг (англ.). in-art.ru. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ От €500 до €25 000 и выше. Первые покупки на ярмарке современного искусства Cosmoscow (неопр.). www.forbes.ru. Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ Топ-5 современных российских художников, за которыми нужно следить (рус.), PEOPLETALK (24 января 2018). Дата обращения 23 марта 2018.
- ↑ Aljoscha: Alterocentric Eudaimonia
- ↑ Goethes Traum von der Urpflanze wird Wirklichkeit
- ↑ Modelle der nie dagewesenen Arten Aljoscha
- ↑ Aljoscha: peak experience
- ↑ Панспермия Aljoscha
- ↑ The Gates of the Sun and the Land of Dreams (недоступная ссылка) (нем.)
- ↑ Aljoscha: The Gates of the Sun and the Land of Dreams (нем.)
- ↑ ALJOSCHA THE GATES OF THE SUN AND THE LAND OF DREAMS (нем.)
- ↑ Aljoscha — «A Notion of Cosmic Teleology» (итал.)
Улай (художник) — Википедия
Улай (наст. Франк Уве Лайсипен, род. 30 ноября 1943(1943-11-30)[1][2][…], Золинген, Свободное государство Пруссия) — немецкий художник-концептуалист, перформансист.
Большая часть детства Уве совпала с послевоенным временем. Поскольку мать не могла содержать семью, мальчику пришлось работать наравне с взрослыми, чтобы восстановить страну после разрухи.
Еще в школьные годы Улай заинтересовался мировой культурой и историей искусства, в особенности — театральным делом. После школы Уве принял решение уехать из родного города и отправиться в Европу. Некоторое время он странствовал по городам и странам, изучал жизнь и искал самого себя, пока не поселился в Амстердаме.
Помимо перформанса, Улай занимался также фотоискусством, используя фотографии как концептуальные жесты.
С 1968 по 1971 гг. Улай работал консультантом в компании «Polaroid». В это время он начал активно заниматься фотографией, изучая теоретическую часть и проводя собственные эксперименты по созданию новых визуальных образов.
Примером служит его ранняя работа S’He (1973—1974). На снимках запечатлен сам Улай сразу в двух образах: правая сторона тела изображает мужчину, левая — женщину. Граница между полами четко разделена, и если посмотреть на человека в профиль, то можно увидеть только одну его часть: мужскую или женскую. Фотографии также подписаны составным именем PA-ULA-Y.[4]
В 1976 году в художественном музее De Appel в Амстердаме Улай организовал два перформанса-фотосессии под названием «FOTOTOT (Photo Death)». Здесь он впервые начал работать над развенчиванием мифа об объективности фотографии. Улай демонстрирует, что фотосъемка это тоже процесс, определенный алгоритм действий, который состоит из набора операций, носящих технический характер и необходимых для непосредственно создания изображения, но объекты, зафиксированные в результате на снимке, иллюзорны и как любая иллюзия они не соответствуют действительности.
Наибольшую популярность получил в годы творческого сотрудничества с сербской художницей Мариной Абрамович, с которой Улай познакомился в 1976 году в Амстердаме. В их совместном творчестве особенно была важна идея «коллективного существа», которое они сами называли как «Другое».
Они проводили серию перформансов, среди которых наиболее известными были:
— «Отношения в пространстве (1976, показан на Венецианской биеннале) — в ходе перформанса обнаженные Марина и Улай бегут навстречу друг другу и с силой сталкиваются, перформанс демонстрировал идею слияния двух начал — мужского и женского, и идею свободных отношений.
— «Отношения во времени»(1977), Марина и Улай сплели свои волосы и просидели спиной друг к другу в подобном положении 17 часов, причем публика была допущена в зал только в последний час. Идея заключалась в акцентировании внимания на том, что, подпитываясь энергией публики, человек повышает уровень своих возможностей
— «Энергия покоя / Остаточная энергия» (1980), перформанс длится 4 минуты, в ходе которых Абрамович держит лук, в то время как Улай держит стрелу, нацеленную на её сердце, и натянутую тетиву. Сердцебиение партнеров отслеживалось, и каждый из них слышал сердечный ритм другого. Идея перформанса заключалась в показе безграничного доверия
В 1980-м Улай и Марина решили пожениться, встретившись на середине Великой Китайской стены. По сценарию Улай должен был начать свой путь из пустыни, а Марина — со стороны моря, что означало слияние стихий, мужского и женского начала. Но за те восемь лет, что они ждали разрешения от китайских властей, смысл перформанса «Влюбленные» изменился: следовали многочисленные измены, Улай женился на переводчице-китаянке, которая забеременела от него во время поездки[5] — отношения в паре становились все более напряженными, и путешествие по Великой китайской стене стало не свадьбой, а расставанием: отправившись в путь с противоположных концов, они встретились посередине, чтобы попрощаться друг с другом. «Этот поход превратился в законченную личную драму. Улай стартовал из пустыни Гоби, я — от Жёлтого моря. После того как каждый из нас прошёл 2500 километров, мы встретились и простились навсегда»[6].
Впрочем, художники встретились в 2010 году на перформансе Марины «В присутствии художника» в МоМа.
Летом 2017-го, спустя 30 лет после расставания, пара достигла примирения. Воссоединение произошло на сцене Музея современного искусства «Луизиана», где прошла крупнейшая выставка Марины Абрамович в Европе.
В интервью Улай сказал: «Все грязное и уродливое между нами осталось позади. На самом деле это красивая история». «Прекрасная работа, которую мы когда-то проделали вместе, — вот что теперь имеет значение», — добавила Марина[5].
В начале 90-х Лейсипен вновь сфокусировал свое внимание на фотографии. Он погрузился в европейскую историю, анализировал символику национализма и империализма и собрал снимки в новую серию Berlin Afterimages (1994—1995).
В настоящее время он также занимается проектами, которые посвящены воде, в частности тому, какую важную роль она играет в жизни человека и как неравнозначно к ней относятся в африканских, арабских странах и в Нидерландах, где сейчас живет художник.
В интервью Brooklyn Rail в мае 2011 Улай сказал: «Недавно я решил, что теперь, когда будут спрашивать мое имя, я буду говорить — Вода (…) просто подумайте: наш мозг на 90 % состоит из воды, тело — на 68 %. Это даже не водный человек, а просто Вода: людей это смущает, они спрашивают: „что, извините?“, а я снова говорю — „Вода“. Это сразу же позволяет начать разговор на эту тему. Новое имя передает мою глубокую озабоченность по поводу этого вопроса».
Плохая живопись — Википедия
Питер Сол (р. 1934) «Гм!» 2000. Холст, акрил 163 × 152 см
Плохая живопись (англ. bad painting) — термин, предложенный американским критиком и куратором Маршей Такер[en] для определения творческого метода ряда профессиональных американских художников последней трети XX века.
Марша Такер (1940—2006) собрала работы четырнадцати живописцев США и показала их на выставке в Новом музее в Нью-Йорке, озаглавив шоу «Плохая» живопись. Авторам показанных картин, по мнению куратора, присущ «отказ от концепции прогресса и пренебрежение нормами хорошего вкуса». Куратора вдохновляет «свобода, с которой эти художники смешивают классические и популярные, исторические и традиционные художественные источники; а также китч, архетипические клише и личные фантазии».
Участники выставки «Плохая живопись» 1978 года:
Как отмечала Марша Такер:
«Плохая» живопись — это ироническое название для качественно написанной картины, содержащей деформированные образы; смешивающей историко-художественные и не-художественные средства. Её сюжет часто бывает фантастическим или даже непристойным.[1].
Оригинальный текст (англ.)
«“Bad” Painting» is an ironic title for ‘good‘ painting, which is characterized by deformation of the figure, a mixture of art-historical and non-art resources, and fantastic and irreverent content. In its disregard for accurate representation and its rejection of conventional attitudes about art, ‘bad’ painting is at once funny and moving, and often scandalous in its scorn for the standards of good taste.
…представления как о хороших, так и о плохих художественных идеях сами по себе неуловимы и амбивалентны и с трудом могут быть зафиксированы в широком контексте культуры.
Выставка проходила с 14 января по 28 февраля 1978 года.
Один из художников на выставке, Нил Дженни, в конце 1960-х восстал против модернистского искусства особенно жесткой абстракцией и минималисткой скульптурой, нарисовав то, что он первоначально назвал его «беззаботными» работами. Большие полотна с простым цветом (синий для неба, зелёная трава и т. д.), грубо окрашенные, обычно с парой предметов или рисунков в непритязательных отношениях, и под простыми названиями— Девочка и Кукла (1969), Человек и Машина (1969) и т. Д. После выставки Дженни затем назвал их своими «плохими картинами»[2].
Плохая живопись иногда считается предшественником более широкого движения неоэкспрессионизма, которое следует в начале 80-х, но следует выделить важные различия. Выбор Такер не концентрируется на крупномасштабных работах, включающих обширные факты, применяемые к аллегорическим или метафорическим темам, часто политическим или историческим. Выбор Марши Такер более широкий. Плохая живопись не разделяет ничего пронзительного, того, что часто встречается в неоэкспрессионизме. «Плохая» живопись, как правило, более сдержанная, масштабная, более «лёгкая на ощупь, беззаботная в чувствах»[3].
Среди известных представителей американской «Плохой живописи», не выставлявшихся в Новом музее современного искусства на выставке 1978 года:
Правда или ложь — не имеет значения, главное, чтобы картина вызывала беспокойство или смех. Я люблю любые эмоции.
Питер Сол причисляя себя к «плохим» художникам, акцентирует внимание на том, что главный секрет успеха художников данного направления заключается в отказе от самой потребности в чьем-либо одобрении[4].
Художники присоединившиеся к движению после выставки часто используют популярные образы героев поп-культуры. Так, ещё в 1950-е годы Сол ввел в свои экспрессионистские картины культовых персонажей комиксов и мультфильмов — Супермена и Дональда Дака, а в 1970-х создал собственные версии «Ночного дозора» Рембрандта и «Герники» Пикассо, неизменно возвращаясь к сюжетам, известным из масс-медиа и истории искусства.
Раздражающие, полные диких образов и ядовитой морали, работы Соула — как отражения новой реальности, срывающие маски лицемерия, обличающие человеческие пороки, способные изменить наш взгляд на историю и общепринятое видение социальных устоев. Находясь у истоков течения поп-арта, Соул воплотил свои идеи в беспрецедентном стиле живописи, вдохновившим поколение американских художников на новое мышление и новое творчество, ставшее основой современной американской культуры[5].
- Tucker, Marcia. «Bad» Painting. — New York: New Museum, 1978. — 40 p.
Жиро, Жан (художник) — Википедия
В Википедии есть статьи о других людях с фамилией Жиро.Жан Жиро́ (фр. Jean Giraud; 8 мая 1938, Париж — 10 марта 2012, Париж[1]) — французский художник, автор комиксов. Также известен под псевдонимом Мёбиус (Moebius).
Юность[править | править код]
Жан Жиро родился в пригороде Парижа 8 мая 1938 года, в семье Рэймонда Жиро и Полин Винчон, он был единственным ребенком. Когда ему было три года, родители развелись, и его воспитывали дедушка и бабушка. С детства увлекался вестернами и в 10-12 лет начал рисовать свои первые комиксы в жанре вестерн. В 1954, в 16 поступил в колледж дизайна и искусств École Duperré. Там он снова стал рисовать вестерн-комиксы, к неодобрению преподавателей.
В 1956 году он бросил колледж, чтобы отправится в Мексику, к своей матери, вышедшей замуж за мексиканца, и провёл там 9 месяцев. Мексиканская пустыня, бесконечное синее небо и плоские равнины, удивительные перспективы, которыми он раньше восторгался с экрана в вестернах, оставили неизгладимое впечатление на его последующие работы. После возвращения во Францию, он начал работать в качестве штатного художника католического издателя Fleurus.
В 1959-1960 годах, во время Алжирской войны, Жиро был призван на военную службу. Благодаря графическому образованию, ему удалось избежать передовой, проходя военную службу в качестве иллюстратора в армейском журнале, и логиста. Во время службы Жиро познакомился со многими экзотическими культурами, и так же, как в Мексике, впитал опыт, который произвел неизгладимое впечатление и оставил следы в его более поздних комиксах, особенно в созданных под псевдонимом «Mœbius».
Карьера[править | править код]
Первый комикс, юмористический вестерн Frank et Jeremie, Жиро нарисовал в 18 лет, для журнала Far West. В издательстве Fleurus работал с 1956 по 1958. В 1961 году стал учеником бельгийского художника Жиже (англ.) (Joseph Gillain, более известный как Jijé). В 1963 году вместе с бельгийским сценаристом Жаном-Мишелем Шарлье создал первый комикс из цикла о лейтенанте Блюберри (Blueberry), который выходит до настоящего времени. Псевдоним Мёбиус Жиро придумал в 1963 году, когда обратился к фантастике.
Он сотрудничал с британским журналом «Новые миры», который редактировал Майкл Муркок; иллюстрировал книги Муркока, Сэмюэля Дилэни, Филипа Дика, Роджера Желязны.
Métal Hurlant[править | править код]
В 1974-м году Жиро вместе с Филиппом Друе, Жаном-Пьером Дьёне и Бернаром Фаркасом основали журнал Métal Hurlant (фр. ‘вóющий металл’). Издание выходило раз в квартал и специализировалось на взрослых комиксах, в основном, в жанре научной фантастики, ужасов и эротики. С журналом сотрудничали многие ведущие европейские художники, и визуальный стиль публикуемых комиксов всегда отличался высоким качеством, профессиональной и часто экспериментальной графикой.
Métal Hurlant оказал огромное влияние на мир комиксов, не только в Европе, но и в США и Японии, а так же на художников, иллюстраторов и графических дизайнеров того времени и последующих поколений.
В 1974-1975 годах выходил четырёхсерийный комикс Жиро «Арзак», первый в истории жанра комикс без слов, сразу же стал культовым. Потрясающий визуальный стиль Арзака повлиял на развитие стиля классического американского супергеройского комикса. Ганс Гигер и Майк Миньола(создатель «Хэллбоя»), вспоминали, что их потряс именно этот комикс Мёбиуса. Так же, японский режиссёр-аниматор Хаяо Миядзаки рассказывал, что эстетика «Арзака» очень сильно повлияла на оформление его мультфильма «Навсикая из Долины ветров» 1984 года [2] ; Миядзаки с Жиро много лет дружили, и последний даже назвал свою дочь Навсикая[3].
The Long Tomorrow[править | править код]
В 1975-м году на съёмках фильма «Дюна» Жиро познакомился с американским сценаристом и режиссером Дэном О’Бэнноном, который должен был отвечать за спецэффекты. В свободное время до начала съёмок Дэн написал и проиллюстрировал небольшую детективную историю, происходящую в мире будущего. Комикс пародировал многие шаблоны научной фантастики и нуарных детективов. О’Бэннон показал комикс Жиро, а тому так понравилась история, что он попросил разрешения тоже проиллюстрировать ее и опубликовать в Métal Hurlant. О’Бэннон, согласился и забыл, воспринимая своё творение не слишком серьёзно. В 1976-м году «The Long Tomorrow» («Долгое завтра»), проиллюстрированный Жиро, появился в Métal Hurlant, а в 1977-м – в первом номере Heavy Metal. Благодаря уникальному дизайну и оригинальному стилю, The Long Tomorrow считают предтечей визуального стиля киберпанк. На него ориентировались Ридли Скотт, создавая мир будущего в «Бегущем по лезвии» и Джордж Лукас в фильме «Империя наносит ответный удар». The Long Tomorrow оказал огромное влияние на Уильяма Гибсона, автора классики киберпанка, романа «Нейромант», и на Кацухиро Отомо, создателя культовой манги и аниме «Акира».
Кинематограф[править | править код]
В конце 1970-х Жиро пришёл в кино. Он работал над художественным оформлением отменённого впоследствии фильма «Дюна» чилийского писателя и режиссёра Алехандро Ходоровски, сделал более 3000 рисунков[4][5] В 1980-х они вместе создают цикл комиксов «Инкал», который публиковался в Métal Hurlant.
В фильмах «Чужой» (1979) и «Бегущий по лезвию» (1982) он работал с режиссёром Ридли Скоттом. Он создавал дизайн костюмов для киберпанковского фильма «Трон» (1982). В мультфильме «Властелины времени» (1982) Жиро выступил не только как художник, но и как сценарист. В 1989 году Жиро участвовал в создании японского англоязычного мультфильма «Маленький Нимо: Приключения в стране снов» и фильма Джеймса Кэмерона «Бездна». В середине 1990-х вернулся в кино, будучи занятым в «Космическом джеме» и «Пятом элементе».
В начале 2000-х Жиро стал одним из трёх участников итальянского проекта по иллюстрированию «Божественной комедии», он рисовал иллюстрации к «Раю». В 2003 году вышел мультсериал «Арзак», созданный Жиро по собственному комиксу.
Жиро умер после долгой борьбы с раком 10 марта 2012 года в Париже в возрасте 73 лет, похоронен 15 марта на кладбище Монпарнас.
Основная статья: Jean Giraud Bibliography
- 1963—2012 — Blueberry (художник)
- 1975—1976 — Arzach (автор и художник)
- 1976 — The Long Tomorrow (художник)
- 1981—1988 — Инкал / l’Incal (художник)
- 1988—1989 — Silver Surfer: Parable (художник)
 Тематические сайты | ||||
|---|---|---|---|---|
| Словари и энциклопедии | ||||
| Генеалогия и некрополистика | ||||
| ||||