Что такое аранжировка в музыке: Что такое аранжировка в музыке: определение простыми словами, примеры

Содержание

Что значит аранжировка — Создание аранжировок на заказ в студии

Не все знают, что значит аранжировка (англ. what does the arrangement mean) — задают себе вопрос многие начинающие музыканты. Каждый день в поисковиках всего мира обыватели, решившие немного разобраться в музыке, задают этот вопрос. Каждый из них имеет, так или иначе, свои предпочтения в музыке, однако даже и не подозревают, кто и как делает основную работу по созданию хита, благодаря чьему труду иногда нам хочется танцевать, иногда цепляет за душу, а иногда появляется та необходимая энергия, с которой мы легко идем работать. Также, если нужно заказать аранжировки хитов, обратитесь к нам.

Что значит аранжировка

Современный аранжировщик должен понимать, как играть на каждом инструменте, с которым он работает. Конечно, быть виртуозом самому не обязательно, но иметь определенные навыки – просто необходимо.ТопЗвук

По правде говоря, зачастую роль во всем этом сочинителя песни и исполнителя сильно переоценена, ведь его работу подают в готовом обрамлении музыки и эффектов – аранжировке. В нашей студии, вы сможете ознакомится с примерами работ авторов. Более того, если увлекаетесь музыкой, можете пройти уроки аранжировки.

Услуга	Стоимость	Способ оплаты	Сроки
Работа над аранжировкой.	750 руб/час	Почасовая	Зависит от времени
Аранжировка на основе готового материала.	от 15.000 руб	Фиксированная	1-2 недели
Индивидуальная аранжировка с нуля.	от 25.000 руб	Фиксированная	2-3 недели
Аранжировка Радио формат. Высшее качество мониторинга.	от 40.000 руб	Фиксированная	3-4 недели
Услуги сессионного музыканта	От 2000 руб	Фиксированная	По договоренности
Создание минусовки	От 5000 руб	Фиксированная	2-10 дней

Аранжировка — задача для профессионала

Довольно трудоёмкий, сложный процесс, основанный на кропотливом творчестве и энтузиазме профессионального музыканта – вот что значит аранжировка. Слово произошло с французского языка и буквально обозначает комплекс работ по приведению музыкальных наработок в готовый трек. Также это – переделка уже готовой песни или произведения, его упрощение или обработка. Если хотите знать что такое музыкальная аранжировка, почитайте информацию на нашем сайте.

Классическое понимание термина аранжировка подразумевает под собой обработку готового музыкального произведения от сырого чернового наброска до звучащего полноценного трека. От того как Вы будете объяснять особенности песни аранжировщику, напрямую зависит конечный результат. Постарайтесь собрать максимум информации, найдите примеры (так называемые референсные треки), определитесь со стилем. Не стесняйтесь самых смелых идей, экспериментируйте, самое главное — четко определитесь с инструментами. Подробнее об аранжировках мы говорим и в других публикациях.

Примеры портфолио с аранжировкой (РОК, ПОП, РЭП)

Обычно студии звукозаписи, если утверждение фактуры и сведение позади, наотрез отказываются изменять какие бы то ни было партии. Как правило, профессионалы имеют свою собственную методику. И делают все поэтапно: сначала работают над стилем, потом занимаются фактурой, подбирают мелодии. Только после этого размышляют и подбирают инструменты и т.д. После завершения всех этих нелегких процессов аранжировщик делает сведение. В нашей студии изменение аранжировки возможно практически на любом этапе.

Не стоит забывать о мощных возможностях «бэк-вокала» и «живого» исполнения во время экспериментов, их вклад в создание чего-то популярного обычно бесценен.

Инструментовка входит в состав аранжировки музыки, она раскрывается в идее при помощи тщательного подбора инструментов. Необходимо подобрать темп и определиться с направлением. Выделить ритм, открыться творческому процессу. Заключение готового произведения — всегда составляющая эмоциональной линии.

Но, тем не менее, простой подбор музыкальных инструментов – это далеко не весь процесс аранжировки (хотя это тоже очень важная часть работы). Многие новички думают, что это просто и легко, если каждый музыкант хорошо владеет своим инструментом по-отдельности. Часто можно увидеть, что музыканты путаются в выборе инструментов, составляя полную картину действия. Специалист должен нормально разбираться во всех инструментах, участвующих в композиции. К тому же, в аранжировку входят многие процессы, и подбор инструментов в ней только малая часть от всей работы.

Что значит аранжировка

Что такое аранжировки песен

Самое важное – это эксперимент. Если вы занимаетесь творческой работой, аранжировкой, вы должны не бояться ошибаться, искренне любить и уважать свою работу, целиком погружаться в нее. Эта работа может занимать далеко не 8 часов за сутки, а все 24 – придется разбираться со старыми примерами, практиковать, работать со своим воображением, внедрять каждый день что-то новое.

Важно хорошо понимать основы музыки, тем более, если вы не заканчивали школу или консерваторию. Для работы нужно постоянно обучатся, не стоять на месте, развиваться. Вы должны знать все характеристики звука, разбираться в понятии гармонии и музыкальной структуры, разбираться в таких вопросах как панорама, динамика, изучать прочие интересные аспекты.

Конечно, всем понятно, что современный аранжировщик должен знать, как играть на каждом инструменте, с которым он работает. Конечно, быть виртуозом самому не обязательно, но иметь определенные навыки – просто необходимо. Необходимо понимание смысла, какая у вас основная идея произведения? В общем, какая смысловая нагрузка песни, что вы хотели сказать людям – очень важно с этим определиться.

Взявшись за изучение всех этих направлений, через годы упорной работы, напряжённого умственного и местами физического труда, можно стать профессионалом. Такая работа становится делом всей жизни, поэтому подумайте несколько раз, прежде чем браться за дело. Теперь вы отчетливо понимаете, что значит аранжировка и как она создается.

Аранжировка музыки — введение

Этим уроком начинаю серию статей и видеоуроков, представляющих собой краткий обучающий курс по основам аранжировки, который даст ответ на этот и многие другие вопросы, с которыми сталкивается музыкант, решивший стать аранжировщиком.

Поскольку объем данного курса будет ограничен 10-15 уроками, то здесь будут затронуты только общие основы и приемы аранжировки, необходимые для того, чтобы начать свой путь в этом замечательном искусстве. Однако предполагается, что Вы уже имеете некоторое представление о вопросах композиции, инструментовки, формообразования (или прошли один из моих курсов). Поэтому о них я буду упоминать лишь косвенно.

Все приемы, которые будут рассматриваться, охватывают максимально возможное количество стилей (за редким исключением), поэтому информация будет полезна широкому кругу музыкантов.

Понятие аранжировка происходит от французского слова arranger, которое означает «приводить в порядок». А музыкант создающий аранжировки соответственно называется аранжировщиком:)

Само по себе искусство аранжировки находится где-то посередине, между инструментовкой (оркестровкой) и композицией.

В чем разница?

Инструментовка предполагает переложение уже законченного произведения для другого инструмента (или ансамбля). Правила инструментовки довольно просты, их может освоить каждый. По сути, это ремесло, которое не требует наличия таланта композитора, а только знание необходимых формул.

Композиция – это сочинение музыки. И это, по всей видимости, самое условное определение в музыкальном знании, потому что, исходя из него, композитором можно считать и дворового поэта самоучку, написавшего 100500 песен под три аккорда и Шостаковича. Тем не менее, композиция предполагает создание музыки из ничего. Однако композитора никто не обязывает сочинять музыку в том или ином виде, он не ограничен в выборе выразительных средств.

Теперь представим такую картину: композитор сочинил песню и записал ее на ноты примерно в таком виде:

По такой записи не понятно, какой состав должен исполнять такую музыку, в каком стиле она должна быть изложена, какая форма, даже гармония в таком не может быть использована для исполнения.

Задача аранжировщика решить все эти задачи и аранжировать песню.

Аранжировщик музыки (англ. arranger) — музыкант, обладающий композиторскими навыками, который обрамляет мелодию в музыкальную фактуру. Взяв за основу одно-двух голосную мелодию с обозначенной гармонией, созданную композитором, аранжировщик сочиняет партии для всех инструментов, начиная с ударных и заканчивая струнной группой оркестра.

Также аранжировщик может менять гармонию, форму и даже мелодию. Всё зависит от функциональности этих элементов, изначально заложенной композитором. Например, если мелодия песни не является якорем (т.е. яркой запоминающейся), то аранжировщик может заменить ее на более выразительную, сохраняя образный строй произведения. От музыкального вкуса и таланта аранжировщика целиком зависит стилевое направление и убедительность звучания музыкального произведения. Многие композиторы самостоятельно аранжируют свои произведения, с целью, как можно точнее реализовать задуманную идею.

Буквально еще 10 лет назад работа аранжировщика состояла в записывании всех партий в партитуру, после чего музыканты разучивали ее и только тогда аранжировщик мог оценить свою работу.

Сегодня работа аранжировщика напрямую связана с компьютером. Не нужно ждать месяцы репетиций, когда музыканты разучат композицию. Достаточно написать миди партию и вы сможете слушать Вашу аранжировку в любой момент.

Исходя из этого, я буду использовать двойной подход при объяснении нотации. Стандартный нотный и миди-piano roll. Такой подход позволит Вам с легкостью перейти с нотной записи на компьютер и наоборот.

Почему важно уметь записывать Ваши аранжировки нотами. Для начал прочитайте статью о необходимости знать теорию .

Дело в том, что работа в секвенсорах воспитала уже, наверное, целое поколение музыкантов, которые не могут создать аранжировку на нотном листе или в голове. Это также плохо, как группа, которая не может создать аранжировку в отрыве о своих инструментах. Аранжировка это свободное искусство, которое не терпит ограничений, поэтому в качестве упражнения делайте иногда работу на нотном листе, и Вы удивитесь тому, какие неожиданные решения это принесет.

Роль аранжировки в современной музыке сложно переоценить, существует невообразимое количество стилей и приемов аранжировки . Есть целые направления музыки, в которых отсутствие аранжировки невозможно, т.е., по сути, аранжировка в такой музыке первична и, как правило, может появиться раньше музыки и слов (например, хард-рок,trash и т.п.).

Перед тем как начать, посмотрим на основные элементы аранжировки. Начинающему аранжировщику достаточно научиться работать с четырьмя из них

Создание ритмической основы (работа с ритм секцией)
Выстраивание линии баса
Работа с мелодией
Работа с гармонией

В рамках этого курса данный направления будут приоритетными.

Аранжировка 101 — Ритм -секция (тренинг)

Что такое аранжировка и для чего она нужна

Автор Евгений На чтение 6 мин Обновлено 16.02.2019

Любая композиция в первозданном виде представляет собой гармоническую последовательность аккордов или одноголосую мелодию. Чтобы превратить «сырую» музыкальную идею в полноценную песню, необходима аранжировка.

Удачная аранжировка подчеркивает достоинства композиции, акцентирует внимание слушателя на наиболее удачных композиторских решениях. Именно с ее помощью добиваются того, чтобы песня «цепляла» слушателя.

Что такое аранжировка?

Аранжировка – это обработка первоначальной музыкальной идеи и ее подготовка к исполнению музыкантами.

Классический алгоритм создания музыкальной композиции выглядит следующим образом:

Сочинение мелодии и гармонии

Инструментовка
Аранжировка
Исполнение или запись

Задача аранжировки – привести песню в порядок. Добавить новые партии, убрать лишнее, правильно расставить акценты. После этого процесса песня приобретает законченный вид. Фактически она уже готова, и ее остается либо исполнить, либо записать.

Аранжируют не только новые композиции, но и уже существующие песни.

Зачем нужна аранжировка?

«Сырое» музыкальное произведение не учитывает множество нюансов:

Кто будет исполнять композицию;
Какие инструменты будут задействованы;
Где будет исполнена композиция;
Будет ли осуществляться запись;
Какой формат записи (live или студийная запись) и т. д.

Все эти вопросы решаются в процессе аранжировки. Одну и ту же песню один и тот же исполнитель может сыграть совершенно по-разному.

Первый пример – акустическое исполнение собственных песен рок-группами.

Оригинальная версия:

Unplugged:

Второй пример — исполнение классических музыкальных произведений.

Оркестровое исполнение:

Камерное исполнение:

Таким образом, аранжировка нужна, чтобы исполнителю было удобно сыграть музыкальное произведение, а слушателю было удобно его слушать.

Одна песня – разные аранжировки. Музыкальные примеры

Для лучшего понимания влияния аранжировки на музыкальное произведение обратимся к музыкальным примерам.

Рассмотрим разные переложения одних и тех же песен.

Пример 1

Первым примером будет песня Виктора Цоя «Спокойная ночь».

Оригинальная запись группы «Кино» отличается задумчивостью и монотонностью исполнения.

В версии группы «Алиса» во 2 части песни меняется темп. Исполнение песни становится более агрессивным. В итоге смещаются акценты и меняется настроение.

https://www.youtube.com/watch?v=7bzWEbIWf9I

В переложении для фортепиано сохранена оригинальная гармония, но видоизменена структура песни и добавлены новые мелодические ходы.

Пример 2

Второй пример – песня «Hurt» авторства Трента Резнора.

Вот оригинальная запись:

https://www. youtube.com/watch?v=kPz21cDK7dg

Песня вышла крайне жесткой с тяжелым и мрачным «послевкусием»

Та же композиция в переложении Рика Рубина и Джонни Кэша звучит намного светлее. Настроение композиции изменилось кардинальным образом.

https://www.youtube.com/watch?v=vt1Pwfnh5pc

И вариант Леоны Льюис, в котором исходный материал исполнен в духе поп-музыки 90-х с характерным фокусом на голосе вокалистки. Песня потеряла свою уникальность и звучит безлико.

Оба примера наглядно показывают, что аранжировка является важнейшей частью создания песни. Именно на этом этапе происходит окончательное оформление музыкальной идеи в готовый продукт, который будет представлен слушателю.

Отличие аранжировки от других способов обработки музыки

Важный вопрос, с которым нужно разобраться, — это отличие аранжировки от инструментовки, оркестровки и ремикса.

Разница состоит в работе с оригинальной музыкальной идеей.

Аранжировка допускает вольное обращение с исходным материалом. Считается приемлемым добавление новых мелодических линий, видоизменение гармонии, темпа и длительности композиции.

Инструментовка – это подбор музыкальных инструментов для исполнения произведения. Она допускает минимальное вмешательство в исходный материал. Партии остаются нетронутыми. Представьте, что нотные листы раздали другим музыкантам. Это и есть инструментовка.

Оркестровка – это распределение музыкального материала между инструментами одной секции оркестра. Представьте, что у вас есть партия, которую может исполнить одна труба. В оркестровке эту партию распределяют между всей секцией духовых.

Ремикс – это изменение темпа и структуры звука музыкального произведения.

ВАЖНО! О количестве инструментов
Бывает так, что большое количество инструментов портит песню. Акценты теряются, звучание перестает быть сфокусированным, а интересные мелодические ходы размазываются.

Если настроение композиции лучше всего передается одним инструментом или только голосом вокалиста, то не нужно добавлять лишние звуки.

Специфика аранжировки

Аранжировка – это творческий процесс. Важно не гоняться за уникальным техническим решением, а раскрыть сущность композиции, донести изначальную мысль автора до конечного слушателя.

Для этого нужно работать с самыми разными аспектами музыкальной композиции:

Мелодией;
Структурой песни;
Звучанием инструментов;
Балансом звукового полотна;
Способом записи;
Микшированием записанного материала.

Аранжировка – это сложный процесс. В современной музыкальной индустрии труд хорошего аранжировщика стоит очень дорого. От результата его работы зависит не только удовольствие слушателя, но и прибыль музыкальных корпораций и гонорары артистов.

Кто такой аранжировщик и как им стать

Аранжировщик за работой

Аранжировщик – это человек, который доводит музыкальную идею до логического конца. Результат его труда — это готовая песня, которую осталось только записать.

Аранжировщик должен уметь играть как минимум на одном музыкальном инструменте. От него не требуется виртуозного исполнительского мастерства. Аранжировщику нужно точно осознавать области применения музыкальных инструментов и знать их возможности. Кроме того, аранжировщик должен иметь музыкальный вкус и большой запас отслушанного материала.

Можно научиться распределять партии между инструментами. Этому учат в образовательных учреждениях. Но научиться слышать песню и видеть ее идею можно только самостоятельно.

На Западе функции аранжировщика частично или полностью берет на себя музыкальный продюсер. Среди наиболее известных «серых кардиналов» музыкального мира Джордж Мартин, Тимбалэнд, Куинси Джонс и т. д.

Как лучше аранжировать – вручную или на компьютере

Классический вариант аранжировки – это запись партий инструментов на нотные листы.

Такой подход требует от аранжировщика не только музыкального образования, но и колоссального опыта работы в оркестре. Нужно знать нюансы звучания и возможности каждого инструмента. Написанные партии нужно раздать музыкантам, потом собрать их вместе и оценить получившийся результат. Затем внести коррективы и повторить все заново.

С современными компьютерными программами аранжировщик может работать, не выходя из дома. Профессиональное музыкальное ПО предоставляет возможность полностью подготовить песню к записи одному человеку.

Среди наиболее популярных программ для работы с музыкой Cubase, Ableton, Logic Pro.

ВАЖНО. О подходе к работе и результате.
На самом деле неважно, как аранжировщик будет выполнять свою работу. Будет ли он работать по старинке или в секвенсоре на компьютере.

Важен только результат его труда.

Вместо заключения

Если вы хотите аранжировать свои и чужие песни, то вам необходимо слушать очень много музыки. Нельзя зацикливаться на одном жанре. Иначе вы обязательно загоните себя в рамки клише и самоповторения.

Что такое аранжировка?

Слово аранжировка походит от французского слова «arranger» – что означает приводить в порядок, устраивать. О каком порядке и устройстве идет речь? Здесь подразумевается такая организация всех партий композиции, из которой складывается её стиль и своеобразное звучание. Аранжировка определяет то, как будет звучать песня и музыка в целом.

Аранжировка в своем применении очень тесно связана с таким понятием, как оркестровка или инструментовка, так как она может предполагать изложение композиции определёнными новыми инструментами, но все же она намного шире. Аранжировать — это значит дать свою интерпретацию произведению.

Аранжировщик имеет право изменять форму, гармонию, ритмику и стиль музыки, что неприемлемо в вопросах инструментовки. В конечном итоге, музыкальное произведение представляется в совершенно новой форме, которая отлична от первоначальной.

Например, «В лесу родилась елочка» в нашей культуре никогда не исполняется, как свинг, но это не значит, что её не можно свинговать, и если аранжировщик сделает её таковой, вот вам новое изложение детской песни. Более того, если он за основу возьмет форму традиционного джаза, то она прозвучит следующим образом: сначала будет сыграна тема, а затем в обязательном порядке импровизация на неё, после – опять возврат к теме.

Хороший аранжировщик должен хорошо чувствовать форму самого произведения, какое придумать вступление, какую коду, где будет кульминация, как развивать музыку, какие инструменты использовать для этого, какую ритмику взять за основу, какой стиль получится в конечном итоге.

Поэтому с уверенностью можно сказать, что аранжировщик и композитор – очень близкие понятия, хотя это не одно и тоже.

Аранжировщик может легко и непринужденно работать с существующей темой и гармонией и не всегда может написать, придумать «с нуля» удивительную мелодию, гармонично дополняющую текст или раскрывающую идею композиции.

На мой взгляд, одним из важных критериев хорошей аранжировки есть ощущение развития в музыке, правильная стилистика и тембральное сочетание инструментов. Все это, несомненно, относится к компьютерным аранжировщикам, так как наличие массы семплов и инструментов в композиции ещё не означает, что она будет звучать. Если нет идеи, если нет проникновения в саму форму и, в конечном итоге, образа создаваемой музыки – нет самой музыки и её настроения. Так, просто набор партий.

Что касается стилей, сегодня их в музыке столько, что, наверное, сложно быть специалистом во всех сразу. Наверное, сложно представить аранжировку Константина Меладзе или музыку Крутого в стиле хип-хоп. Или, наоборот, музыку Бэнсона в стиле нашей попсы. Но речь сейчас не о них. Что делать, если вам, все же, приходится садиться и писать ту музыку, какой вы не знаете (такой заказ).

Если заказчик серьезный и требования такие же, а для вас музыка, например, регги – это темный лес и в такой аранжировке ни разу «кот не валялся», скорее всего нужно отказаться от такой работы. Или взвесить все «за и против», чтобы принять серьезное решение, как вы будете решать такую задачу.

Сможете ли вы написать то, что раньше не писали? Решать вам. Но в любом случае, программа Band-and-Box может сослужить неплохую службу, ведь в ней имеются тысячи готовых шаблонов музыки разных стилей, которые можно сохранить в формате midi и затем успешно импортировать в любой миди редактор.

Вы можете, опираясь на уже готовый шаблон выбранного стиля, создать свою гармоническую сетку, и таким образом создать костяк, готовый шаблон своей будущей аранжировки. При этом в основе будет заложен правильный стиль с характерными: басовыми ходами, партией барабанов, звучанием ритм секции.

А что потом? А потом, конечно, надо включать мозги, свой опыт, это по любому – и дорабатывать свою заготовку. Слушайте музыку выбранного вами стиля, анализируйте, творите и редактируйте свой проект. Самое главное – стилистическая основа у вас есть.

Как это все делать, от начала до конца, как создать

» Профессиональную Аранжировку Музыки На Компьютере В Любом Стиле — Без Проблем!»

– узнайте из курса Романа Борнысова.

Все, от создания заготовки в программе Band-and-Box до её редактирования в программе Cubase 5 – в этом учебном материале. Следует заметить, что вы познакомитесь не только с основами работы в Band-and-Box, но и с основами работы в замечательном редакторе Cubase SX 5.

Еще статьи…

Многоголосные технологии вокодер TC HELICON — VoicePro
Как сохранять и поддерживать свой голос
Уроки вокального мастерства
Видеообучение в программе Cubase SX
Создание домашней студии – советы
С чего начинать или какая программа лучше
Стандартная аранжировка

Что такое аранжировка и для чего она нужна

Пытаясь узнать, что же собой представляет аранжировка, вы столкнётесь со множеством далеко не всегда схожих определений. Иногда даже аранжировку отождествляют с оркестровкой или инструментовкой. При этом обычно, когда говорят об аранжировке, упоминают, что термин происходит от французского слова arranger – «приводить в порядок, устраивать». Но у этого слова есть и другие значения, например – «образовывать», «компоновать», «наладить». Объяснить это просто – аранжировка понятие многоплановое.

Традиционная практика аранжировки заключается в переложении клавирного наброска (по сути мелодии) в нотный текст специального типа – партитуру (нотная запись многоголосного музыкального произведения, предназначенного для исполнения ансамблем, хором или оркестром, в которой все партии (голоса) даны одна под другой в определённом порядке). Именно это и следует считать оркестровкой или инструментовкой.

Есть и другая практика аранжировки, которая заключается в переложении существующей композиции для другого состава инструментов. Очень яркими примерами таких аранжировок являются, например аранжировки известных хитов Полем Мориа или Джеймсом Ластом. Кстати, обратите внимание на аранжировки песен – они очень узнаваемы, но спеть под них вряд ли получится!

В современном понимании аранжировать – это значит дать свою интерпретацию произведения. Современный аранжировщик имеет право изменять форму, гармонию, ритмику и стиль музыки, что неприемлемо в вопросах классической инструментовки. При этом аранжировщики иногда в своём стремлении к изменениям заходят настолько далеко, что остаётся только удивляться…

Если говорить о современной аранжировке, то необходимо отметить ещё одно её отличие от традиционной – результатом современной аранжировки часто является не только партитура, но и готовый мультитрек (набор звуковых файлов, каждый из которых представляет из себя дорожку одного из инструментов, присутствующих в аранжировке).

Должен ли аранжировщик быть композитором? Это очень неоднозначный вопрос, и, возможно, он спровоцирован наличием множества современных инструментов для аранжировки и громадным числом курсов, обещающих сделать из вас «крутого» аранжировщика. Однако, если начать рассматривать что же делают композитор и аранжировщик, то отличий практически нет! Не зря же многие композиторы сами занимаются аранжировкой своих произведений. Но отличие все же есть – работа аранжировщика начинается с готовой музыкальной идеи, а композитор должен её ещё и сочинить!

С самого начала в музыкальном произведении присутствуют только мелодия (для песни ещё и собственно вокал) и упрощённая гармония (обычно аккомпанемент на фортепиано или гитаре), а в процессе аранжировки эта музыкальная идея должна обрести завершённую форму. И здесь важно понимать, что от качества последующей аранжировки зависит практически все звучание произведения. Для этого совершенно недостаточно сочинить партии для разных инструментов! Необходимо правильно подобрать эти инструменты, а для этого необходимы знания специфики музыкальных инструментов – их технических возможностей, исполнительских приёмов. Правильно расположить партии по тесситуре, подобрать необходимое сочетание тембров и правильную насыщенность звучания всей композиции.

Аранжировщик должен тщательно поработать музыкальную фактуру будущего произведения посредством различных приёмов техники композиции. Необходимо проработать мелодию (мелодический голос), аккомпанемент (гармонические голоса) и бас. Определиться с ритмикой и, в конечном итоге, со стилем композиции. При этом необходимо учитывать и конечную аудиторию, на которую рассчитана композиция.

Что касается стилей, то в современной музыке их столько, что их и перечислить сложно, не то, чтобы систематизировать. Но есть базовые стили и жанры музыки, которых существенно меньше (большая часть современных стилей по сути являются разновидностями базовых, так, например, рок имеет около 180 направлений). Хотя если разобраться, то большая часть современных стилей появилась не из-за стилистических отличий соответствующих направлений, а из-за желания авторов и исполнителей как-то обособиться в общем потоке. Тем не менее базовые стили отличаются друг от друга весьма существенно. Поэтому, когда кто-то утверждает, что может делать аранжировки в любом стиле, это минимум преувеличение, если не обман. Я обычно работаю в стилях рок, поп, шансон и близких к ним.

Также необходимо учитывать, что аранжировка инструментального произведения и песни имеют существенное отличие. Обычно аранжировщик, приступая к работе имеет мелодию и упрощённую гармонию в виде аккомпанемента на фортепиано или гитаре. Для инструментального произведения именно эту основу и необходимо развить в готовую композицию. Для песни же решающее значение имеет вокал – не зря же используют такой термин как «музыкальное сопровождение»! В готовой композиции инструментальные партии должны раскрывать и поддерживать вокал, а не играть самостоятельную роль.

И в этом есть противоречие: записать полноценную вокальную партию под простой аккомпанемент практически невозможно, но и сделать полноценную аранжировку без записанной итоговой партии вокала также невозможно. Поэтому я предлагаю своим заказчикам следующую схему:

Получив от заказчика нестудийную запись его вокала и аккомпанемента, я обсуждаю с ним все требования и пожелания относительно будущей аранжировки.
Разрабатываю предварительную аранжировку в нужном стиле, темпе и ритме. В данной аранжировке обычно присутствует минимум инструментов: мелодия (мелодический голос), аккомпанемент (гармонические голоса), бас и ритмическая секция.
Получив эту аранжировку, заказчик изучает её и пробует под неё петь и присылает нестудийную запись своего вокала.
Обсудив с заказчиком его замечания и пожелания, я дорабатываю аранжировку и отсылаю её заказчику.
Под эту аранжировку заказчик делает окончательную студийную запись своего вокала.

Эта схема позволяет обойтись только одной студийной записью вокала, поскольку хотя запись вокала, сделанная заказчиком самостоятельно, и не обладает необходимым качеством для записи конечной композиции, она обеспечивает все необходимые данные для создания аранжировки.

После получения студийной записи вокала и её тюнинга в аранжировку могут быть добавлены незначительные изменения для лучшего согласования вокала и аранжировки, но они уже не будут иметь принципиальный характер.

Аранжировка музыки: что это такое

Это обобщающая страница раздела аранжировка, которая расскажет что это такое в музыке, о её сути и важности в создании песни, её содержании в общем, рубриках и важности каждой. Раздел важен для аранжировщиков.

Цель — дать общее представление об аранжировке, направить и дать советы по изучению.

Содержание страницы — о сути аранжировки, его рубрики, советы, программы.

О сути аранжировки

Аранжировка — 2-ой этап работы над песней. Это проработка того, какие ноты и какие инструменты будут играть дополнительно к заготовке композитора — мелодии. Это уже работа с 2 и более инструментами, чтобы раскрыть мысли композитора с помощь дополнительных мелодий, ритмов, музыкального стиля и т.д.

Её задача — окружить мелодию музыкальным сопровождением так, чтобы подчеркнуть замысел песни, раскрыть достоинства мелодии и украсить её. Arrange — с англ. — располагать второстепенные музыкальные партии вокруг главной — мелодии.

Если она бедная и не красивая, то аранжировка не улучшит её, а лишь немного скрасит. Если композитор создаёт лицо и тело, то аранжировщик — косметику и одежду для него. Если же лицо и фигура некрасивые, то последние вряд ли сильно помогут. Наоборот, если красивое тело одеть в балахоны и тряпьё, то это испортит всё впечатление.

Аранжировка — это работа с 3-мя вещами:
1. Фактура — это тембровая плотность и частотная насыщенность звучаний, степень заполнения регистров — нижнего, среднего и верхнего.
2. Форма — это состав песни из частей — куплет, припев, проигрыш и т.д. и особенности их внутреннего строения.
3. Динамика — это разница в громкости и напористости разных частей песни и выбор переходов между ними — резких/плавных, тихих/громких, со сбивками или без и т.д.

Аранжировку можно начать с любой её составляющей:
— с ритм-группы — барабаны, перкуссия и бас — с неё начинают чаще всего. Это основа аранжировки как фундамент дома и воплощение ритма песни;
— с фона — мягкие продолжительные звуков, играющие аккорды. Это покрывало, подложка, склеивающая все элементы вместе и воплощение гармонии песни;
— с заполнений — мелодические вставки, которых 3 вида — контрапункты, подголоски, дублировки, которые основаны на мелодии песни и сочетаются с ней;
— с соло — инструмент, играющий главную мелодию песню, которая воплощается через него и голос певца.

Требования к аранжировщику: знание теории музыки, музыкальных стилей, игра хотя бы на одном инструменте, знание основ акустики и сведения.

Задача аранжировика — 1. Понять основную идею композитора и цель своих действий.
2. Выбрать стиль, музыкальные инструменты для песни и их звучания;
3. Определить цели и функции каждого инструмента, мест их звучания в песне;
4. Написать их нотные партии в соответствии с выбранным музыкальным стилем.

Итог этапа — готовые нотная партитура — партии всех музыкальных инструментов песни для последующей их записи.

(***здесь будет звуковой пример***)

О рубриках этапа аранжировки

Чтобы сделать аранжировку, нужно хотя бы в общих чертах знать разделы теории музыки — гармонию, мелодику, ритмику, нотную грамоту подобно композитору. Их знания переплетены в основных рубриках раздела аранжировки. Для понимания сравниваю их со строительством дома:

1. Инструментоведение — изучает строение, свойства и принципы звукообразования различных музыкальных инструментов и возможности, техники и приёмы игры на них. Его знания позволяют понять виды материалов для строительства дома и как они встраиваются в здание.

Что важно знать? Состав и назначение инструментов ударной установки, бас-гитару, гитару, фортепиано, смычковые струнные и синтезаторы. Это в основном традиционные инструменты.

Что не важно знать? 1 — все народные или этнические инструменты — балалайка, банджо, ситар и т.д. Они применяются редко.

2 — углубленно медные и тем более деревянные духовые — тоже редко используются в популярной музыке.

2. Инструментовка — изучает принципы написания нотных партий и грамотного подбора инструментов, их сочетания и шаблонные партии. Её знания позволяют понять технологию строительства и совместное использование различных материалов в разных частях дома.

Что важно знать? Шаблонные партии традиционных инструментов.

Что не важно знать? 1 — сложные виды фактур и полифонию.
2 — всевозможные партии всех инструментов.

3. Музыкальная форма — изучает строение и развитие песни на основе составляющих частей — куплета, припева и других. Её знание позволяет разбираться в разных видах планировок и этажности домов.

Что важно знать? Песенную форму.
Что не важно знать? Остальные — симфония, рондо, соната и т.д.

4. Музыкальная стилистика — изучает музыкальные жанры и стили (рок, диско, джаз, др.) и типичные для них составы инструментов и их нотные партии. Её знание позволяет выстроить один и тот же дом разными способами и с разным оформлением.

Что важно знать? Состав инструментов и нотные партии любимых стилей. Хватит 2-3.
Что не важно знать? Особенности и работу во всех стилях, которые есть.

5. Музыкальная риторика — изучает выражение чувств и музыкальных образов с помощью музыкальных средств. Её знание позволяет более точно передавать замыслы композитора.

Она необходима, если Вы пишите музыку на заказ — к фильмам, рекламе, играм. Для начала и создания песен по настроению она не нужна.

Советы по аранжировке

Совет №1 — писать музыку ежедневно — мелодии, ритмы, аккорды — не обязательно завершенные произведения. Это улучшит способности и пополнит библиотеку приёмов. Но главное — эти отличная приманка для вдохновения. Муза не любит ленивых.

Совет №2 — слушать музыку ежедневно — разных групп, стилей, времён, народов. Но главное — хорошую как-то из раздела «Слушать» и внимательно, а не в фоновом режиме. Вычленять приёмы аранжировки, составы инструментов. Чем больше их будет, тем интереснее будут аранжировки, где их использовать.

Совет №3 — подражать другим — сочинять похожие аранжировки и в стиле любимых исполнителей. Именно подражать, а не тупо копировать. Это сложнее и полезнее. Ещё читать учебники по теории музыки и применять знания из них в своей работе.

Важно! Вслушиваться, разбирать аранжировку на отдельные нотные партии, пытаться воспроизвести их в нотном редакторе. Включить сцену из фильма без звука и написать музыку.

Совет №4 — писать по-разному — в стилях и музыкальных формах, с которыми раньше не работали. Возьмите мелодию и напишите для неё аранжировку в стиле рок, поп, баллады и т.д. Вместо песни попробуйте написать симфонию, вальс, музыку к фильму. Да, что даётся легче, то и делать получается лучше. Но это не развивает и песни могут быть похожи друг на друга.

Совет №5 — использовать технологии — создать шаблон аранжировки в программе автоаранжировщике и доработать его самому. Например, в Chord Pulse, Visual Arranger, Band-In-A-Box. Загрузить его в Sonar 8 в виде midi файла и подключить инструменты. Или хотя бы задействовать арпеджиаторы.

Совет №6 — делать интересные аранжировки — вставлять в разные части песни зацепы для слушателя: гитарные и басовые рифы, фортепьянные ходы, подголоски, яркие изменения аккордов. Но главное — развивать динамику, что должна нарастать при переходе от куплета к припеву и далее в течение песни до своего пика.

Важно! Куплет и припев должны отличаться — по яркости мелодии, плотности фактуры, составу инструментов и гармонии. Если в куплете короткие слова в неровном ритме, то в припеве — долгие ноты в ровном. Главное — внимание уделять мелодии, гармонии, ритму, чтобы не было слабостей в них.

1 — зацепить слушателя во вступлении песни. Обычно он судит о ней по нескольким первым секундам. Сначала голос без сопровождения, потом — добавлять инструменты.
2 — делать чуть разные куплеты. То же и с припевами. Хотя бы в 1 инструменте.
3 — включать/отключать инструменты в течение песни — оставить только ударные в проигрыше, делать затишье подкладом из струнных и т.д.

Совет №7 — просить оценить музыку — родственников, друзей, знакомых, чтобы узнать честное мнение, что не нравится. А лучше — спросите у профессионалов, если можете. В крайнем случае, у меня. 🙂 Ещё уровень выше — сделать демо-запись, отправить её на студию и услышать ответ. Быть самому критичным к своей музыке.

Совет №8 — убирать лишнее — при подозрениях, что инструмент или нотная партия не смотрятся в аранжировке с другими — без сожаления удалять или менять. Иначе это может всё испортить. Важно! Очень красивый тембр подойдёт не к каждой аранжировке и наоборот, отдельно невзрачный может отлично вписаться в неё.

(!) Не допускать игры одного и того же инструмента в течение всей песни. Это скучно.

Совет №9 — делать опыты — менять ритм, размер или темп внутри песни для разницы куплета и припева, добавлять необычные инструменты и их сочетания, особенно для стилей, где они не характерны. Так в стиле рок использовать электронные ударные, добавить перегруженную гитару в танцевальную музыку и т.д.

Важно! Один и тот же состав инструментов и шаблонные аранжировки утомляют. Их можно разнообразить звуковыми эффектами — частотный фильтр с автоматизацией, голос как по телефону, нарастающая тарелка, многократная задержка на перкуссии для усложнения ритма и т.д.

Пробовать создавать свои звуки, наряду с готовыми или видоизменять их. И собирать понравившиеся звучания. Отмечать что уже было применено в аранжировках, а что нет.

Совет №10 — следить за инструментами — не допускать частотных противоречний, мешания голосу/главному инструменту второстепенными, распределять инструменты по регистрам и не заставлять звучать инструмент вне своего диапазона частот. Если инструменты звучат в одном регистре, вне диапазона, мешают голосу, то получится каша, а не аранжировка.

Совет №11 — уплотнять аранжировки — делать звучание насыщенным, а не пустым.

1 — использовать фоновые подложки — мягкие, тягучие звучания, которые добавляют глубину и не отвлекают слушателя.
2 — наслаивать тембры друг на друга — поручать 2-м и более инструментам играть одну и ту же нотную партию. Это отличительная черта оркестра.
3 — добавлять полиритмию — сочетание разных ритмов.
4 — добавить фоновые голоса — подпевки к основному голосу.

Выбор инструментов и их нотных партий

Программы-помощники в аранжировке

Музыкальная студия — в ней можно добавлять инструменты на дорожки и писать их нотные партии. Советую Sonar 8.
Автоаранжировщики — можно создать шаблон аранжировки и доработать в музыкальной студии. как то Советую Band-In-A-Box.
Музыкальные инструменты — для добавления в аранжировку внутри музыкальной студии. В Sonar 8 есть встроенные. Но для расширения набора воспользуйтесь списком. На странице с ним есть ссылка на карту с инструментами, которыми пользуюсь я.

Ваши отзывы

Если я что-то упустил важное по этапу или у Вас есть вопросы, то я добавлю это на страницу выше и постараюсь ответить на них.

Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите участок текста и нажмите Ctrl+Enter.

Оценить прочитанное:

Во имя качества содержания!

Средняя оценка 5 / 5. Всего оценок: 1

Оценок ещё нет! Добавите?

Жаль, что материал не оправдал Ваших ожиданий!

Позвольте мне исправить это и улучшить содержание с Вашей помощью!

Расскажите подробно и честно, что Вам не понравилось и можно улучшить ниже:

Искусство аранжировки песни

«Музыка — посредник между духовной и чувственной жизнью».

— Людвиг ван Бетховен

Представьте, я дал вам подсолнух, дюжину гвоздик, а потом попросил собрать их в букет. Чтобы ты делал?

После нескольких странных взглядов, я думаю, вы бы поместили подсолнух в центр, а цветы поменьше вокруг, чтобы поддержать его. Не то чтобы это правильный ответ, но он очевиден.

А что, если я дам вам дюжину разных цветов разной формы и цвета и попрошу вас их расставить.

Не так просто, правда?

, который приводит меня к первому и наиболее важному пункту о договоренности:

Скачать бесплатно

Скачать бесплатно

горькая пилюля, которую нужно проглотить, тем более что вы знаете, сколько времени и энергии ушло на создание этих многослойных хлопков в самый раз… но не все звуки в вашем миксе заслуживают внимания. На самом деле, прожектор действительно достаточно большой, чтобы сфокусироваться на одном или двух элементах одновременно.

Представьте, если бы каждый фоновый персонаж пытался говорить о Томе Крузе. Было бы невыполнимой миссией пройти ее, не сойдя с ума. Легче и эффективнее принимать решения по аранжировке, когда вы заранее решаете, какие треки наиболее важны и что нужно для поддержки этих немногих критически важных.

Я не могу не подчеркнуть: хорошая аранжировка заключается в том, чтобы взять центральную часть вашей песни и построить вокруг нее рамку.

К концу этой статьи вы будете знать:

Три типа аранжировок и почему не стоит верить мифу о том, что аранжировка — это просто порядок разделов в вашей песне
Почему аранжировка в музыке важна и как она связана с вашей главной целью продюсер (который заканчивает песни, верно?)
Когда вам следует подумать об аранжировке песни
Изменение мышления, которое каждый раз будет превращать ваш цикл в аранжированную песню, и, наконец…
Гипербиты Шесть ключей к Лучшая аранжировка

Самый большой миф об аранжировке песни

Что такое аранжировка? С одной стороны, это очевидно. Аранжировка — это поток песни от начала до конца. В нем есть разделы: как вступление, куплет, наращивание, припев, разбивка, дроп и концовка.

И да, это аранжировка в традиционном смысле. Это аранжировка различных движений в вашей музыке. Без сомнения, вам нужно принимать эти решения, когда вы аранжируете песню. Мы расскажем, как это сделать.

Но если вы считаете, что это все, что нужно для аранжировки, вы упускаете всю основу для создания красивых композиций. Аранжировка — это способ взглянуть на ваш трек с нескольких точек зрения, чтобы убрать лишнее и поддержать то, что уже работает. Простой выбор порядка разделов не гарантирует, что песня привлечет внимание вашего слушателя.

На самом деле существует три типа аранжировок, и вам нужно принять активное решение по всем трем, чтобы ваш трек соответствовал музыке, которую вы любите.

Первое (и самое известное) — это структурная аранжировка, то есть движение энергии, разделов и переходов в вашей музыке.

Далее следует инструментальная аранжировка – то, как ноты, аккорды и мелодии распределяются между различными инструментами в вашем ансамбле. Помните, что это может измениться в ходе вашего трека! Перемещение мелодии с вокала на синтезатор может привести ее к новому и освежающему звучанию.

И, наконец, пространственная аранжировка, которая размещает звуки в вашем миксе, определяя их громкость, панорамирование и ощущение присутствия. Вот этот список в виде красивых маркеров, чтобы сделать это как можно проще.

Структурная аранжировка
Инструментальная аранжировка
Пространственная аранжировка

Это очень много, так что давайте попробуем упростить. В конце концов, аранжировка решает три вещи:

Поток
Голос
Микширование

Важность аранжировки в музыке

У вас когда-нибудь был друг, который рассказывал вам историю, которую он клянется, что она веселая? Он состоит из деталей, которые полностью ускользают от вас, и только после того, как вы их закончите, вы поймете, что упустили изюминку. Мы все знаем, что будет дальше: «Ааа… Я думаю, ты должен был быть там».

Сравните это с переживанием внутренней шутки, когда даже тон голоса или жест рукой могут вызвать поток воспоминаний из какой-то нелепой ситуации, в которой вы оказались вместе.

В этом разница между плохо реализованной идеей и хорошо отполированной аранжировкой.

Когда я писал о том, почему динамика в музыке является ключом к эмоциональному воспроизведению, я хотел показать, как много разных слов в нашем музыкальном словаре указывают на эту скрытую, лежащую в основе тему. Аналогичным образом я хочу, чтобы вы заменили слово «аранжировка» новым словом, которое поможет вам сосредоточиться на действии. Достаньте свои мысленные словари и запишите это: Аранжировка — это все о «Прибытии».

Скачать бесплатно

Скачать бесплатно

Время, чтобы договориться о

До сих пор мы говорим о песне, но я хочу быть специфический. Что делает песню песней, так это ее аранжировка. В этой статье я хочу показать вам, как превратить идею в песню.

Если вы занимаетесь созданием музыки дольше одного дня, вы знаете, сколько решений нужно принять в процессе. Лучшие продюсеры выстроили систему проработки этих решений и их соблюдения. Вы не хотите думать о структурной аранжировке после того, как записали окончательный вокал. И серьезно, вам не нужно увязнуть в деталях аранжировки микса, когда вы разрабатываете последовательность аккордов.

Вот методология Hyperbits, когда вы должны упорядочить, на основе трех типов, которые мы идентифицировали.

Голосование (инструменты)

Определение того, какие инструменты несут мелодию, аккорды и гармонию, может быть первым в процессе или в самом конце. Важно знать, что оба варианта доступны, но это все еще решение, которое вам нужно принять, будь то на этапе концепции или когда остальная часть трека построена.

Некоторым продюсерам нравится начинать с простого фортепианного патча, чтобы построить свои аккорды. Другие предпочитают сначала позаботиться о звуковом дизайне. У вас есть сладко звучащий полисинтез? Идите вперед и заложите несколько аккордов вместе с ним. Между этими двумя я поддерживаю то, что лучше всего подходит для вас и вашего рабочего процесса.

При этом в какой-то момент вам нужно будет принимать решения по озвучиванию, и звуковой дизайн на ранней стадии процесса имеет свои преимущества. Если вы решите поставить эти аккорды на полисинтезатор, звучащий в стиле 80-х, вместо родосского фортепиано, это изменит направление и атмосферу вашего трека.

Я люблю принимать решения и действовать быстро, но вам нужно найти то, что подходит именно вам. Просто помните, что назначение мелодии и гармонии между инструментами — это то, где встречаются звуковой дизайн и аранжировка, и это нельзя упускать из виду.

Поток (Структура)

Вы должны подумать об организации потока, как только у вас появится основная идея. Может быть, это 8-тактовая петля, последовательность аккордов и мелодия или энергичная фраза, из которой получится отличный дроп.

Сейчас у вас нет песни. У вас есть идея, которая действительно захватывает. Но для того, чтобы это была песня, ей нужен другой раздел. У вас есть B, теперь вам нужно A. Существует изменение мышления, о котором мы расскажем ниже, которое позволит вам взять любой раздел музыки и создать его аналог, но об этом чуть позже.

Те, кто меня знает, поймут, что грядет, но это настолько важно, что заслуживает упоминания еще раз. И опять.

Для того, чтобы создавать отличную музыку, вам нужны ссылки.

Использование проверенных и надежных форм на удивление освобождает. На самом деле гораздо проще создавать свежую и изобретательную музыку в рамках ограничений, чем пытаться изобретать велосипед каждый раз, когда вы пишете. Ссылаться так же просто, как перетащить песню, которой вы восхищаетесь, в DAW, деформировать ее, чтобы она соответствовала темпу вашей песни, и добавлять флажки или маркеры в начале каждого нового раздела.

Вам не нужно идеально придерживаться каждого такта, но пусть это будет ориентиром для структуры вашей песни. Когда у вас есть структура, над которой нужно работать, мы можем легко взять эту идею и перепроектировать способ ее создания.

Если быть честным, в блогах есть сотни, если не тысячи сообщений о том, как «выйти из петли». Так или иначе, все они предлагают вариант именно того, что мы только что предложили.

Тем не менее, не переусердствуйте. Перетащите эту эталонную дорожку прямо в DAW, деформируйте свой BPM и наметьте руководство для себя. Будет много (и я имею в виду много) возможностей отклониться от этой структурной карты позже в производственном процессе.

Микс (Пробел)

Аранжировка элементов в вашем треке для создания цельного микса выходит за рамки этой статьи, но это происходит после того, как будет установлен поток и звучание. Другими словами, вы микшируете после того, как закончили песню.

Если вы еще не поняли, я просто фанат искусства микширования. Я потратил годы, изучая, как сделать отличный микс, и требуется время, чтобы обучить методологии и необходимым техническим навыкам. Если вы находитесь в той точке, когда решения по флоу и звучанию начинают приходить естественным образом, вы многому научитесь на нашем мастер-классе и мастер-классе Mix Master Flow. Если вы ищете что-то, что следует за путешествием песни от композиции до сведения, наши курсы «От начала до конца» дадут вам отличное представление о том, как эти разные типы аранжировок работают вместе.

Сдвиг мышления для превращения лупов в песни

Вот уроки, которые я постоянно усваиваю в своей карьере музыкального продюсера:

Легче убрать то, что уже есть, чем пытаться добавить то, чего нет .

Фильтрация частот синтезатора, использование редуктивного эквалайзера, нажатие кнопки отключения звука… это простые действия, но в 9 случаях из 10 они более эффективны для создания запаса и пространства в миксе, чем усиление или добавление новых звуки.

Тот же принцип применим и к аранжировке. Уменьшить, а не добавить.

Это методология, известная как Subtractive Arrangement, и ее использовали все, от Гейтса до Денниса ДеСантоса из Ableton.

Цикл, который вы построили, в конечном итоге станет вашим последним припевом. Скопируйте и вставьте его, чтобы у вас было 3-4 минуты материала. Держите его на полную мощность для этого последнего припева, но для других ваших разделов ОТКЛЮЧИТЕ столько треков, сколько вам сойдет с рук. Когда у вас есть голый скелет с несколькими общими элементами, вы можете добавить новый инструмент, если хотите. Этим простым движением вы прокладываете себе путь в секцию А вместо секции Б, которую вы уже построили.

Помните: договоренность — это прибытие. Именно здесь начинается самое интересное с переходами, наращиванием и созданием напряжения для этого полночастотного релиза.

Вычитающая компоновка. Это образ мышления, который позволит вам превратить любую идею в песню, и он требует работать в обратном направлении от идеи, которая у вас есть, удаляя треки, пока у вас не появятся леса, на которые можно повесить наращивание.

Hyperbits Шесть ключей к лучшей аранжировке

Аранжировка — это один из самых важных навыков, который необходимо развивать продюсеру, потому что он охватывает все, от сведения до того, как вы приходите к идее, которая изначально вдохновила вас. Вот наши шесть ключей для создания лучших аранжировок.

1. В хорошей аранжировке песня обрывается слишком рано. Лучше выйти в эфир на секунду раньше, чем на секунду затянуться. Вы бы предпочли, чтобы ваш слушатель немедленно перемотал назад или потерял интерес, задержавшись на вашем приветствии? Делайте свои песни короче, проще и по существу.

2. Я уже говорил это раньше и скажу еще не менее тысячи раз. Ссылка на другую музыку. Это только поможет. Я совершенно серьезно. Чтобы сослаться на одну из моих любимых книг, вам следует «Кради как художник».

3. Используйте различную степень динамики для перемещения между разделами. Сдержанный, строгий куплет почувствует себя более эффектно, переходя к большому припеву, чем если бы все было большим и громким с первого такта. И на этой ноте динамика потрясающая.

4. Рискните и попробуйте что-то новое. Вы обязаны сделать это ради себя. Может быть, это смелый шаг в звуковом дизайне для перехода, новый способ использования синтезатора или эффекта . .. это не просто способ сохранить ваши аранжировки свежими и интересными, но и способ вовлечь себя и бросить вызов во время написания. процесс. См. нашу публикацию о преодолении ограничивающих убеждений в создании музыки для упражнения на столкновение с творческим риском.

5. Используйте повторение в своих интересах. Серьезно. При достаточном количестве повторений что угодно может стать основной мелодией или мотивом в песне. Это один из самых мощных, рудиментарных, но недооцененных инструментов в производстве музыки. Повторите фразу. Повторите это с тонким изменением. Повторите это на другом инструменте. Эти движения создадут в вашей музыке тягу к призыву и ответу.

6. С другой стороны, включение разовых мероприятий абсолютно необходимо для поддержания интереса слушателя и создания особых, запоминающихся моментов в аранжировке. Это может быть однократная вокальная нарезка, чудовищная барабанная заливка, каскадный даб-дилэй… варианты безграничны. Найдите то, что подходит для вашего трека, и уделите ему особое внимание к деталям, которых оно заслуживает

Когда все сказано и сделано, хорошая аранжировка — это та, которая делает шаг в сторону, чтобы позволить посланию вашей музыки сиять. Скорее всего, потребуется несколько итераций, чтобы все получилось правильно, но если вы сосредоточитесь на вычитании, чтобы освободить место для того, что действительно качается, вы не ошибетесь. Требуется практика, и, прежде всего, нужно закончить песни, чтобы выработать привычку доверять своему чутью и двигаться быстро.

Вскоре вы обнаружите, что аранжировка становится неотъемлемой частью вашего рабочего процесса, от первоначальной идеи до сведения. Я надеюсь, что этот пост даст вам надежный план, чтобы начать достигать этого, и, в свою очередь, поможет вам закончить больше музыки.

Чтобы узнать больше о том, как быстро закончить музыку, просмотрите видео ниже.

Серик делал официальные ремиксы для таких артистов, как Beyonce, Tove Lo и Nick Jonas, подписал контракты с Universal, Island и Sony и работал с такими брендами, как Target, Samsung и Equinox. Он энтузиаст здоровья и солнца.0006

Основы аранжировки (+ 15 быстрых советов) — Профессиональные аудиофайлы

Содержание статьи

Во-первых, я думаю, что краткое объяснение того, что такое музыкальная аранжировка есть , было бы полезно, так как я знаю как минимум два связанных -но-различные определения термина. Существует более старая идея, что аранжировка — это переработка существующей музыкальной композиции, которая обычно была написана кем-то другим — например, кавер-версия. Однако многие композиторы сделали новые аранжировки своих собственных композиций, и поэтому со временем я думаю, что определение музыкальной аранжировки стало шире. Эта новая идея аранжировки имеет отношение к большинству или, возможно, даже ко всем творческим выборам, которые делаются между концепцией музыкальной идеи и законченной композицией.

В этой статье я перечислю 15 конкретных методов производства, которые часто используются в процессе аранжировки. Любому такому списку суждено быть неполным из-за бесконечно творческой природы создания музыки, но я надеюсь, что этот список может помочь вам начать изучать ремесло аранжировки и думать о различных возможностях.

Структура/Форма

Когда дело доходит до концепции формы, нужно учитывать довольно много, поэтому я думаю, что она заслуживает отдельного раздела в этой статье. Форма или общая структура (оба термина более или менее взаимозаменяемы) музыкальной композиции имеют отношение к тому, как структурные единицы, меньшие, чем вся композиция, соединяются вместе и упорядочены на протяжении всей композиции. Существует множество стандартизированных форм, каждая из которых обычно ассоциируется с определенным стилем и периодом музыкальной истории, хотя некоторые формы выходят за эти границы.

Так что же определяет музыкальную структурную единицу? Вы можете думать об этом как о законченной музыкальной «вещи», которая имеет свои уникальные характеристики. Как мы узнаем, что перешли от одной части формы композиции к другой? По сути, это происходит, когда в музыке происходят какие-то серьезные изменения; изменение музыкального характера настолько сильное (в зависимости от контекста), что можно сказать, что была создана новая музыкальная структурная единица. Конечно, есть много способов сделать эти типы структурных изменений. Это могут быть изменения в последовательности аккордов, мелодии, ритме, динамике, тембре и/или инструментовке, плотности музыкальной информации, тональности, тактовом размере или это могут быть комбинации любых из этих вещей.

При адаптации существующей композиции путем создания аранжировки обычно меняются формальные структуры. Можно использовать существующую формальную структуру или разработать новую. Приветствуются эксперименты с этими музыкальными структурами во время аранжировки.

Можно ожидать, что в самых популярных сегодня жанрах часто встречаются определенные формальные структуры. Общие структурные единицы включают:

Введение: С этого раздела начинается композиция. Вступительные части могут быть короткими, как один такт (или меньше), или могут длиться несколько минут и более. Это просто зависит от жанра и целей аранжировщика. Многие вступления состоят из одного, двух, четырех или восьми тактов — это было бы хорошим началом.

Куплет: Эта часть обычно следует за вступлением в качестве первой основной части песни, хотя и не всегда. Обычно именно здесь устанавливается звуковая идентичность песни и выражается законченная лирическая идея. Часто в песне можно найти более одного куплета. Количество и качество вариаций между этими повторениями куплета могут сильно различаться, но вы также можете услышать куплеты, которые были более или менее скопированы и вставлены в DAW, причем вокал является единственным измененным элементом.

Припев: Часто рассматриваемый как кульминационная или «избранная» часть песни, припевы (которые также имеют тенденцию повторяться) часто звучат объемно и энергично, в зависимости от стиля. Вокал в стиле гимна часто можно услышать в припевах. Остальная часть песни настраивает на припев, а припев хочет передать пик музыкального момента. Над припевами часто трудятся в DAW, возможно, больше, чем над другими секциями песни. Такие вещи, как вокальные гармонии, вокально-инструментальное наслоение и дополнительные инструменты, часто встречаются в припевах. Иногда вы найдете специальный раздел «pre-chorus», который служит для настройки припева.

РЕКЛАМА

Бридж: Обычно не повторяется, бридж — это музыкальная структура, которая обычно связывает предыдущую часть с припевом, но мост может соединить вместе любые две формальные структуры. Бридж часто служит предшественником финального и самого большого припева в песне. Мосты обычно имеют звуковой характер, который контрастирует как с куплетами, так и с припевами. В бридже часто можно найти более длинные соло.

РЕКЛАМНОЕ ОБЪЯВЛЕНИЕ

Итого: Концовка завершает песню. Финал может быть таким же простым, как затухание финального припева, или это может быть полностью составленная последовательность уникальных музыкальных событий. Я думаю, что большинство аутро заканчиваются одним из двух способов — выйти на ура, перейдя к какой-то громкой, энергичной концовке, или наоборот. Музыка может просто исчезнуть или потерять импульс и тихо закончиться.

Давайте рассмотрим пример этих структур песен. Мы собираемся проанализировать «Creep» Radiohead.

Radiohead – ползучая (чистая)

Во-первых, я думаю, что было бы полезно кратко объяснить, что такое музыкальная аранжировка, поскольку я знаю по крайней мере два связанных, но разных определения этого термина. Существует более старая идея, что аранжировка представляет собой переработку существующей музыкальной композиции, которая обычно была написана кем-то другим — например,

Вступление: 0:00 — 0:20. Восемь тактов в размере 4/4. Инструменты устанавливают последовательность аккордов, тактовый размер и темп.

Стих 1: 0:20 – 1:02. Шестнадцать баров. Вокалист входит и поет первый куплет.

Припев 1: 1:02 – 1:23. Восемь баров. Энергия нарастает, гитары переключаются на искаженный тембр, барабаны переключаются с хай-хэта на райд-тарелку, а вокалист поет в более высоком регистре.

РЕКЛАМА

Куплет 2: 1:23 – 2:04. Шестнадцать баров. Это очень похоже на куплет 1, но вводится новый текст.

РЕКЛАМНОЕ ОБЪЯВЛЕНИЕ

Припев 2: 2:05 – 2:25. Восемь баров. Это еще одно заявление хора.

Мост: 2:25 – 3:06. Шестнадцать баров. Хор 2 прекрасно перетекает в этот мост. Это отличный пример формального момента, который хорошо сочетается с другими музыкальными элементами, такими как динамика и тембр. Этот бридж несколько необычен — именно здесь достигается кульминация этой конкретной песни. Я бы сказал, что чаще всего это происходит в припеве. Но в конечном итоге эта часть служит для соединения финального припева с финальной частью песни (завершение, см. Ниже), а вокальная линия отличается.

Итог: 3:06 до конца. Шестнадцать тактов, плюс еще один для финального аккорда. Происходит моментальный спад энергии — партии выпадают, а динамика и тембральная энергия сразу восстанавливаются. Это классический формальный прием, когда нужно понизить уровень энергии. Вас можно простить за интерпретацию этого стиха как последнего, поскольку он имеет много общих черт с другими стихами. Однако у него есть дополнительный явный спад энергии, ведущий к концу песни — обычная черта в завершающих частях для песен, которые заканчиваются тихо.

Есть много других музыкальных терминов, связанных с формой, о которых стоит узнать больше, как только вы хорошо разберетесь с этими терминами здесь. Например, существует много важных исторических форм, таких как соната, рондо, тема и вариации. Эти формы заложили основу того, что мы используем сегодня. В течение 20-го века были разработаны важные формы, включая форму арки, форму процесса и случайную форму Джона Кейджа, среди прочих. Время от времени вы будете видеть, как эти формы или элементы этих форм используются в более авантюрной популярной музыке.

В популярных жанрах музыки каждая из этих структурных единиц часто бывает кратной четырем тактам по длине — четыре такта представляют собой наиболее распространенную длину одной фразы. Например, куплет может состоять из 16 тактов (четыре разных четырехтактовых фразы), а припев может состоять из восьми или двенадцати тактов. Вступление и завершение могут состоять из четырех или восьми тактов, но могут быть намного короче или длиннее в зависимости от композиции.

15 Советы по аранжировке

Сохранение сути песни нетронутой означает, что вы, вероятно, не будете вносить слишком много значительных изменений в мелодию (в зависимости от контекста), но в аранжировках другие части регулярно меняются. Вот несколько идей, которые вы можете попробовать в своей следующей аранжировке:

Изменить тембр и/или инструменты. Используйте другой инструмент или патч для партии. Техники звукового дизайна, такие как наслоение и модуляция, могут быть мощными инструментами для изменения существующей части вашей аранжировки.
Переработать гармонию партии. Западный гармонический язык весьма гибок. Попробуйте создать новую гармоническую последовательность, которая по-прежнему соответствует мелодии, но отличается от исходной гармонии. Или попробуйте заменить поддерживающую гармонию на арпеджио или наоборот.
Украсьте или упростите деталь. Учитывайте сильные и слабые стороны исполнителя, если они известны. Или это может быть просто творческий выбор.
Изменить ритм партии. Это может даже потенциально включать изменения важных элементов синхронизации, таких как тактовый размер и темп.
Добавьте новую деталь, если представится возможность.
Удалите существующую часть, если она кажется слишком загроможденной.
Подумайте о своем подходе к фразировке. Вы можете быть удивлены тем, как новый подход к фразировке может преобразить часть.
Рассмотрите возможность изменения точек входа и выхода деталей.
Попробуйте изменить гармонический ритм.
Изменить существующую форму, добавив или удалив существующие разделы, либо эти разделы можно удлинить или укоротить.
Подумайте, как будет развиваться динамическая траектория каждой структурной секции.
Подумайте, как будет проходить динамическая траектория общей композиции.
Работа с управлением количеством одновременно звучащих частей в любой момент.
Что можно сделать во время сведения и мастеринга, чтобы поддержать аранжировку? Рассмотрите возможность использования творческих эффектов и попробуйте использовать методы звукового дизайна, чтобы поддержать и поддержать другие музыкальные элементы.
Добавить или удалить инструментальное соло.

Заключение

Все это может быть способом выражения в аранжировке. Экспериментирование с этими методами может дать отличные результаты, если они применяются последовательно. Как и все остальное в музыке, хорошая аранжировка требует времени и практики. Продуманная аранжировка — один из ключевых компонентов интересной кавер-версии, и навыки, которые вы приобретете как аранжировщик, также напрямую применимы к усилению ваших собственных композиций. Так что приступайте к следующей договоренности.

Мэтт Старлинг

Мэтт Старлинг — звукоинженер, композитор, руководитель группы и музыкальный педагог из Солт-Лейк-Сити. Его работа была связана с несколькими издателями и звукозаписывающими лейблами, включая Orange Mountain Music, принадлежащую Филипу Глассу. Вы можете связаться с ним на его сайте: mattstarling.com

Музыкальные аранжировки в разных жанрах, аранжировки песен

Аранжировка музыки существует уже много лет и является неотъемлемой характеристикой любого музыкального стиля или жанра. Некоторые из величайших музыкантов аранжировали части своей работы в другие произведения и/или адаптировали работы других музыкантов.

Бах, Бетховен, Корсаков, Равель и многие другие внесли свой вклад в область музыкальных аранжировок, но стоит понимать, что этот процесс может иметь иное значение, когда речь идет о создании современной музыки.

Аранжировка – это создание музыки с использованием существующих музыкальных произведений. Это включает, например, аранжировку определенного инструмента в поп-песне или переаранжировку песни путем повторной сборки различных частей или разделов песни.

В разных музыкальных стилях существуют разные структуры аранжировки, такие как 32-тактная форма изменения ритма A/A/B/A в джазе или 12-тактовая структура блюза, а внутри структуры аккордовое звучание, ощущение ритма, темп могут сделать музыкальное аранжировка уникальная.

Есть три типа аранжировок, которые необходимо учитывать для создания собственной музыки высокого качества.

Структурный, что означает движение энергии, разделов и переходов в вашей музыке.
Инструментальный, то есть ноты, аккорды и мелодии должны воспроизводиться на различных инструментах. Помните, что он может меняться по ходу вашего трека! Перемещение мелодии с вокала на синтезатор может сделать ее звучание новым и освежающим.
Аранжировка позиции, то есть расположение звука в миксе. Определение их объема, панорамирования, глубины и ощущения присутствия.

В этой статье мы подробно расскажем вам о важности аранжировки в музыке в музыкальном производстве.

Советы начинающим аранжировщикам поп-музыки

Убедитесь, что песня звучит сама по себе

Песня звучит сама по себе, если вы играете ее на пианино или гитаре во время пения? Если песня еще не «отлична» сама по себе, никакие аранжировки или техники создания музыки не исправят этого.

Ответьте на следующие вопросы:

У тебя сильный припев?
Основная мелодия на месте?
У вас есть хороший мелодический или гармонический «припев»?
Есть ли у песни ритмичный пульс (даже у баллад сильный пульс).

Работайте над своей песней до тех пор, пока она не станет великолепно звучать «голой», только с фортепиано/гитарой и голосом. Крайне важно следовать этому шагу. Плохая песня останется плохой, даже с лучшими аранжировками и постановкой. Хорошая песня останется хорошей песней.

Проверьте, какие жанры охватывает песня

Прежде чем приступить к аранжировке музыки или песни, спросите себя – к какому жанру (жанрам) она относится?

Как только это будет решено, может оказаться очень полезным найти пару эталонных треков. Референсные треки невероятно важны как на этапе аранжировки/производства, так и на этапе сведения/мастеринга любой записи. Кто-то может сказать: «Я не хочу никого копировать, потому что хочу быть полностью оригинальным».

Но правда в том, что даже самые оригинальные профессионалы наверху постоянно ссылаются на другой материал. Не бойтесь копировать кого-то другого, если только вы не копируете буквально ноту за нотой, инструмент за инструментом и т. д.

Убедитесь, что песня имеет достаточную длину

Этот шаг немного похож на первый. Однако аранжировщик/продюсер может захотеть изменить форму песни для записи. Иногда то, как исполнитель исполняет песню вживую, может отличаться от студийной версии. Для записанной версии очень важно, чтобы песня была максимально лаконичной.

Убедитесь, что у вас достойный ведущий вокал

Запись ведущего вокала поможет вам принимать решения при аранжировке. Например, не услышав ведущего вокала, легко сделать аранжировку музыки слишком плотной. В результате это приведет не только к менее чем приятной финальной записи, но и значительно усложнит работу во время сведения. У лучших записанных песен есть аранжировки, которые имеют идеальный баланс плотности производства.

Все различные элементы аранжировки/постановки должны иметь собственное пространство и звуковой диапазон.

Например, вы не хотите, чтобы бас играл одну строку, а клавишные — другую в одном и том же диапазоне.

Барабаны и другие ритмические компоненты

Помимо ведущего вокала, наиболее важной частью музыкальной аранжировки являются ударные/ритмические компоненты песни. Они занимают большую часть звукового пространства, дают слушателю «кадр» и во многом определяют ощущение от песни.

Если в треке участвует настоящий барабанщик, ваша аранжировка должна просто наметить общее направление того, что должен играть барабанщик.

Не зацикливайтесь на программировании трека битами. Хороший барабанщик примет эти решения за вас.

Это подводит нас к другому моменту. Вам нужен действительно отличный барабанщик, который может играть вовремя, если вы собираетесь добавить акустические барабаны. Они должны быть записаны идеально.

Если ударные записаны не идеально, это сильно повлияет на ощущение и песню, а при редактировании становится труднее выровнять фрагменты. Помните, вы всегда можете сделать звук более грубым или в стиле лоу-фай. Просто выберите, сколько микрофонных каналов войдет в окончательный микс и какой тип обработки будет использоваться.

Если вы сами программируете барабаны, что вы легко можете сделать в онлайн-секвенсоре Amped Studio, вам следует мыслить как барабанщик и думать о переходах в разных частях песни. Вы можете перейти от хай-хэта к игре на тарелках в припеве и сделать небольшую заливку между секциями. Als, попробуйте использовать подходящую ударную установку для песни при программировании. Вы, вероятно, не захотите использовать установку 808 для хард-роковой песни, если пытаетесь подражать живому барабанщику в этом жанре.

Если вы не знакомы с программированием ударных или не имеете опыта, сделайте его простым и убедитесь, что партия ударных усиливает эффект, а не отвлекает от песни.

Некоторые опытные продюсеры часто манипулируют ощущением, слегка перемещая барабан вперед по биту на несколько миллисекунд и отодвигая хай-хэт назад. Это зависит от песни и должно быть выбрано со вкусом. Существуют замечательные «грувовые» плагины для MIDI, которые тонко изменяют скорость и синхронизацию при программировании ваших ударных. Единственное правило – экспериментируйте!

Bass And Bass Elements

После того, как в музыкальной аранжировке указаны ударные, в большинстве случаев следуют бас (или басовые элементы).

Если это стандартная поп-песня, нужно убедиться, что бас «раскрывается» в припеве, то есть бас не играет тихо в высоком регистре, когда припев идет вниз.

Если в вашем треке есть «настоящий» басист, крайне важно, чтобы он был профессионально записан и сыгран, как с барабанами. Нет ничего хуже для вашего трека, чем отсутствие четкости басов и низких частот. Убедитесь, что партия бочки барабана и партия баса работают вместе.

Если в вашем треке есть синтезированный бас, будьте осторожны с суббасом и стильными пресетами. Если сабвуфер является единственным басом в вашем треке, патч должен быть спроектирован таким образом, чтобы иметь гармоники в среднем диапазоне, чтобы ухо могло найти их при прослушивании динамиков, которые не имеют хороших басовых частот.

Например, вы можете не слышать определенные патчи сабвуфера на ноутбуках, iPhone, некоторых наушниках и автомобильных стереосистемах. Таким образом, всегда полезно прослушать микс песни на разных устройствах, прежде чем завершить его.

То, что прекрасно звучит в студии или клубе с отличными усовершенствованными низкочастотными системами, но на других устройствах или в других местах звучит «слишком тяжело».

Вы можете найти пресет баса во время работы с одним из ваших любимых синтезаторов в Amped Studio, который звучит потрясающе изолированно, но не подходит для аранжировки или доминирует в песне. Помните о работе со «стерео» басами и патчами, которые содержат много высоких частот.

В большинстве случаев вы хотите, чтобы патч баса был монофоническим и не слишком высоко в частотном спектре. Однако есть исключения! Опыт поможет вам принять правильное решение.

Эта статья основана на аранжировках поп-песен, поэтому некоторые из этих советов неприменимы для определенных жанров, особенно когда речь идет о басу и ударных.

Основная движущая гармоническая составляющая

Эта часть аранжировки может быть достаточно открытой и свободной, но к этому пункту следует подходить с большой ответственностью. Для того, чтобы понять, какие инструменты можно использовать, стоит послушать любимые треки.

Во многих песнях основным инструментом, дополняющим ведущий вокал, является гитара или фортепиано. На этих инструментах, скорее всего, будут играть на протяжении всей песни. После того, как вы определились с этим вопросом, вы можете обставить окна и аранжировку выбранным вами материалом.

Научиться этому, просто прочитав статью, чрезвычайно сложно. Все дело в пробах, ошибках и опыте. Затем вы сможете свободно использовать свои гармонические инструменты, чтобы сформировать план песни. Аккордовое звучание, аккордовые переходы и ведущие тона — хорошие инструменты для улучшения базовой структуры аккордов в аранжировке. Если вы новичок в аккордах, попробуйте Chord Creator в Amped Studio, чтобы увидеть и услышать, как могут работать аккорды и последовательности. Это отличное место, чтобы начать и узнать о гармонической структуре.

В гармонических аспектах поп-музыки есть тенденции в песнях, как и в припевах, вы будете использовать больше инструментов или плотности, чтобы сделать аранжировку более плотной. Что касается стиховых разделов, вы, вероятно, сделаете их более редкими.

Классическими примерами являются дублирование гитар в секции припева (и их панорамирование влево и вправо) или переключение любого источника с моно на стерео.

Если вы решите использовать в своей аранжировке партию валторны или струнные, вам нужно убедиться, что партии невероятно хорошо подходят к песне. Большинство песен не могут иметь замысловатой аранжировки. В большинстве случаев вы захотите использовать духовые инструменты, чтобы заполнить пробелы восхитительно простыми линиями или «дополнить» партии, в которых поет вокалист. То же самое касается струн. Есть несколько отличных библиотек сэмплов для струнных и валторн, но их использование сложно без изучения и понимания основных взаимосвязей аккордов и аранжировок струн и валторн. Если вам посчастливилось работать с опытным струнным аранжировщиком и записывать живую струнную секцию или духовой ансамбль, это настоящее удовольствие услышать и испытать.

Обзор современной поп-музыки и EDM

Создавая аранжировку, очень важно прослушать много треков в этом стиле и понять, как все части сочетаются друг с другом.

В EDM существует множество разных стилей, поэтому важно слушать и понимать основные характеристики треков, которые вам нравятся в определенном стиле. Подумайте о темпе, звуках баса и бочки, а также синтезаторных ритмических рисунках и хуках. Каждый стиль имеет определенные элементы, которые входят в стиль аранжировки.

В большинстве основных поп-песен есть вступление, куплет, припев (припев или хук), проигрыш и концовка.

Дополнительные эффекты

Что является последним шагом в обучении аранжировке музыки или песни? Для добавления эффектов.

Для акустической аранжировки это может быть добавление перкуссии к различным частям аранжировки. Классическими примерами могут служить партия шейкера во втором куплете и бубен в бридже.

В более современных стилях это будет весь «белый шум» и звуковые эффекты, такие как брейки, стояки, аплифтеры, даунлифтеры и т. д.

При использовании этих эффектов очень важно, чтобы они соответствовали песне.

Например, не каждый набор эффектов подойдет для каждой музыкальной аранжировки. Еще лучше, если вы создадите свой спецэффект для каждой песни. Это займет больше времени, но может привести к отличным результатам. Если вы используете готовые решения (что совершенно нормально), просто убедитесь, что у вас есть доступ к большому количеству различных библиотек, чтобы вы не были привязаны к использованию только нескольких избранных.

Переходим к процессу записи и производства

После того, как ваша музыка и вокальные аранжировки закончены, вы готовы перейти к записи и/или микшированию.

Часто на этом этапе трек может незначительно меняться. Например, процесс микширования может указывать на то, что вам нужно удалить или добавить какие-то элементы из аранжировки, и это абсолютно нормально. Все процессы записи песен в той или иной степени перетекают друг в друга. Просто следите за тем, как песня звучит в целом. Слушайте его сразу после прослушивания ваших любимых треков в стиле, которому вы пытаетесь подражать.

Конечный продукт гораздо важнее, чем все мелкие детали, обсуждаемые здесь, и в них очень легко запутаться.

Хорошая песня — это хорошая песня, поэтому в процессе аранжировки и создания музыки убедитесь, что вы улучшаете песню.

Плохая песня есть плохая песня, и неважно, насколько хорошо она сделана, аранжирована или сведена, поэтому, если вам нравится аранжировка, перепишите песню, чтобы она стала лучше.

Аранжировки в классической музыке

Искусство аранжировки и обработки музыки существует веками. В эпоху Возрождения табулирование (разновидность аранжировки) было весьма популярно. Все дело было в аранжировке вокальных или ансамблевых произведений для игры на солирующей клавиатуре или лютне.

В тот же период были опубликованы английские мадригалы для разных голосов, что указывало на то, что их можно было играть по-разному. Тем не менее, он был сделан для использования на нескольких рынках.

Аранжировка музыки также была популярна в период барокко, когда многие великие музыканты заимствовали произведения других художников или переделывали свои собственные произведения. Отличным примером той эпохи является Бах. Некоторые из его работ были аранжировками произведений Антонио Вивальди. Ремикс не новинка!

Другие музыканты, такие как Джордж Фридрих Гендель и Франческо Джеминиани, также оставили свой след в периоде барокко, когда дело дошло до аранжировок. Фактически, Гендель был наиболее известен тем, что перерабатывал свой собственный материал.

Вы можете увидеть аранжировки в произведениях Бетховена. Он переработал некоторые темы «Творений Прометея», чтобы они подошли к финалу Героической симфонии или Симфонии № 3.

В 19 веке, с ростом популярности фортепиано, аранжировки также стали более популярными, чем когда-либо прежде. Многие оркестровые переложения и камерные пьесы были аранжированы и изданы для исполнения на фортепиано.

Аранжировка музыки была частым занятием великих музыкантов. Он останется сильным и в будущем.

Современная музыка

Записи популярной музыки часто включают части медных рожков, смычковых струн и других инструментов, которые были добавлены аранжировщиками, а не написаны первоначальными авторами песен. Некоторые аранжировщики поп-музыки даже добавляют секции с использованием полного оркестра, хотя это менее распространено из-за стоимости. Популярные музыкальные аранжировки также могут включать новые версии существующих песен с новыми музыкальными обработками. Эти изменения включают изменения темпа, размера, тональности, инструментовки и других музыкальных элементов.

Известные примеры аранжировок рок-музыки включают версию Джо Кокера «With a Little Help from My Friends» Beatles, «Crossroads» Cream и версию «Proud Mary» Creedence Clearwater Revival Айка и Тины Тернер. Американская группа Vanilla Fudge и британская группа Yes построили свою раннюю карьеру на радикальной переработке современных хитов. Бонни Пойнтер исполнила диско-версию и версию Motown «Heaven Must Have Sent You». Ремиксы в танцевальной музыке, например, тоже можно считать аранжировками.

Джаз

Аранжировки музыки для небольших джазовых композиций обычно были неформальными, минималистичными и не значились в титрах. Большие ансамбли, как правило, предъявляли более высокие требования к аранжировкам нот, хотя ранний биг-бэнд Каунта Бэйси известен своими многочисленными аранжировками, которые разрабатывались самими музыкантами и запоминались («в голове музыканта»). Тем не менее, большинство аранжировок биг-бэндов были записаны и приписаны конкретному аранжировщику, например, работа Сэмми Нестико и Нила Хефти для более поздних биг-бэндов Каунта Бэйси.

Дон Редман в 1920-х годах внес новшество в джазовую аранжировку с оркестром Флетчера Хендерсона. Работы Редмана представили более сложную мелодическую подачу и сольные исполнения для различных партий биг-бэнда. Бенни Картер стал основным аранжировщиком Хендерсона в начале 1930-х годов, прославившись своими способностями в этой области в дополнение к своему таланту исполнителя.

Аранжировки биг-бэндов неофициально называются чартами. В эпоху свинга это были либо переделки популярных песен, либо совершенно новые композиции. Аранжировки Дюка Эллингтона и Билли Стрейхорна для биг-бэнда Дюка Эллингтона обычно были новыми композициями, и некоторые работы Эдди Сотера для группы Бенни Гудмана и Арти Шоу для его собственной группы также были новыми композициями. После эпохи бопа стало более распространенным аранжировать фрагменты джазовых комбо-композиций для больших групп.

После 1950 года количество биг-бэндов сократилось. Тем не менее, несколько групп продолжили свое существование. Гил Эванс написал ряд аранжировок для биг-бэндов в конце 1950-х — начале 1960-х годов, предназначенных только для сессионных записей.

В 21 веке джазовые аранжировки музыки снова вернулись. Гордон Гудвин, Рой Харгроув и Кристиан Макбрайд представили новые биг-бэнды как с оригинальными композициями, так и с новыми аранжировками стандартных мелодий.

Заключение

Музыкальная аранжировка является важной частью процесса создания и производства треков в современном мире и развивалась на протяжении веков вместе с великими композиторами мира. Используя приведенные выше советы, вы можете начать делать свои первые приготовления прямо сейчас. Вам не нужно иметь специальные знания и специальное оборудование. С помощью онлайн-программы Amped Studio, доступной прямо из браузера вашего компьютера, вы сможете делать качественные аранжировки для своих песен. Здесь вы найдете большое количество плагинов, инструментов и семплов, а также сможете поделиться своей работой с друзьями или коллегами всего в несколько кликов.

Что такое договоренность?

С самых первых дней Беркли курсы аранжировки были одним из основных элементов учебной программы. На протяжении многих лет студенты приезжали в Беркли в поисках навыков аранжировки для большого оркестра, оркестра, небольшого ансамбля и даже для сольных инструментов. Многие использовали свои навыки аранжировки в успешной карьере, сочиняя чарты для лучших артистов и поп-оркестров. Бесчисленное количество выпускников музыкального образования написали множество аранжировок для своих школьных сценических, маршевых и концертных групп, а также для хоров. Недавняя тенденция среди сторонних агентов по лицензированию и музыкальных издателей ставит эти и другие действия под юридическую угрозу.

Площадки и артисты давно платят организациям по правам на исполнение, таким как ASCAP и BMI, за лицензии на публичное исполнение музыки. Но теперь некоторые издатели требуют вторую лицензию для каждой выполненной аранжировки.

Эти издатели придерживаются мнения, что каждая песня, исполняемая вживую, требует предварительного одобрения издателя для исполнения этой конкретной аранжировки. Это включает в себя ноты, ритмы, темпы и используемые инструменты. Если довести это до крайности, эта позиция может положить конец живому джазу и року в том виде, в каком мы его знаем.

Новые лицензии и сборы

Аранжировщики уже испытывают трудности на рынке, как описано на веб-сайте www.peopleforfairmusiclicensing.com. «После более чем 80-летнего установившегося курса некоторые издатели теперь требуют, чтобы были приобретены лицензии на печать и уплачены сборы за создание и использование аранжировки песни. Затем этот гонорар должен выплачиваться за каждое исполнение этой песни. Эта плата часто является дополнением к получению лицензии на механическое воспроизведение и сборов, уплачиваемых организациям по защите прав на исполнение (BMI, ASCAP, SESAC и другим).

«Эти сборы не являются справедливыми, разумными, предсказуемыми или прозрачными. Предоставление лицензии на печать также не является обязательным, как в случае с лицензией на механическое копирование. В день, когда художественные программы и финансирование сокращаются, а симфонические оркестры продолжают жить, непомерные гонорары, взимаемые издателями, оказывают разрушительное воздействие на хоры, музыкальные группы, оркестры, оркестры барабанщиков и горнов, аранжировщиков, артистов и других, кто работает. в сообществе исполнительских искусств». В соответствии с Законом США об авторском праве авторское право на композицию определяется двумя компонентами: мелодией и лирикой. Однако существует бесчисленное множество способов исполнения композиции. Темп, мелодические ритмы, тональность, гармония, жанр, грув, форма и инструменты — все это элементы аранжировки: выбор, сделанный одним человеком или группой людей. Независимо от того, исполняется ли песня сольным певцом или исполнителем на диджериду, такой выбор представляет собой «аранжировку».

Если первоначальная композиция изменена для живого или записанного исполнения — бессознательно или в результате импровизации — полученные изменения представляют собой новую аранжировку.

You Say You Want a Convolution

Требование лицензии на аранжировку заходит так далеко, что угрожает даже тем группам, которые пытаются точно воссоздать обложки существующих записей. Случай с трибьют-группой Beatles Classical Mystery Tour показывает, насколько запутанным может быть этот вопрос. В течение 22 лет группа исполняла песни «Битлз» с оркестрами по всей Америке в абсолютно точных транскрипциях партий группы и оригинальных оркестровках из записей «Битлз».

Лидер Classical Mystery Tour Джеймс Оуэн получил письменное подтверждение от Sony/ATV о том, что, поскольку в песни не было внесено фундаментальных изменений, а шоу представляло собой концерт, а не театральную постановку, использование группой материалов Beatles было покрыто. по лицензиям на исполнение. Это лицензии, которые имеют площадки с ASCAP, BMI и SESAC, которые, как долгое время считали музыканты, позволяют им исполнять кавер-версии. В судебном процессе против SONY/ATV, Tresóna Multimedia, LLC и других ответчиков Оуэнс утверждает, что его бизнесу наносится ущерб.

Согласно иску, поданному в Центральном округе Калифорнии, компания Tresóna, требующая вознаграждения для правообладателей музыки, связалась с оркестрами, с которыми группа Оуэнса была приглашена для выступления. Они заявили, что Оуэнс и компания будут играть нелицензионные аранжировки и что оркестр будет должен платить 2200 долларов за каждое исполнение транскрипций Classical Mystery.

Документы в иске содержат утверждение Тресоны о том, что «только исключительный владелец музыкальной композиции имеет право лицензировать создание производного произведения, включающего ранее существовавшую музыкальную композицию» [курсив мой]. Но аранжировки, которые Classical Mystery Tour исполняет с оркестрами, — это не «производные произведения», а оригиналы. В встречном иске юристы Sony выступили против Оуэна, заявив: «Sony однозначно придерживается позиции, согласно которой право на публичное исполнение произведений «Битлз» НЕ включает право расшифровывать СУЩЕСТВУЮЩИЕ аранжировки на звукозаписях».

В связи с этим возникает вопрос: если площадки платят лицензионный сбор за публичное исполнение музыки, защищенной авторским правом, могут ли артисты исполнять музыку в своем собственном стиле или в стиле оригинального исполнителя? Согласно SONY и Tresóna, ответ отрицательный.

Эта проблема не ограничивается профессионалами на больших площадках. Под прицелом находятся и студенты. Тресона подала иски против школьных музыкальных руководителей за использование аранжировок поп-песен студенческими группами и хорами. Дело, возбужденное Tresóna Multimedia, LLC против Бретта Кэрролла (Бербанк, Калифорния, директор школьного хора) и Ассоциации вокальной музыки средней школы Бербанка, было рассмотрено Апелляционным судом девятого округа.

Короче говоря, Тресона подала в суд на ответчиков за исполнение на вокальных конкурсах и хоровые сборы средств на песни «(У меня было) время моей жизни» и «Отель Калифорния» в аранжировке Джоша Грина. Тресона проиграла дело, но только по техническим причинам: было обнаружено, что у них нет правоспособности подать иск. Кэрролл сопротивлялся и победил, но какой ценой? Гонорар адвоката в таких случаях может легко превысить 100 000 долларов. Другие партии, неспособные оплатить такие судебные издержки, не боролись, как это делал Кэрролл. Школьные и общественные ансамбли обеспокоены. И это правильно.

В статье от 4 мая 2018 г. в газете The Morning Call из Лихай-Вэлли, штат Пенсильвания, подробно рассказывалось об отмене концерта, посвященного Дэвиду Боуи, Симфоническим оркестром Аллентауна после того, как в пресс-релизе представителей оркестра говорилось, что Тресона «под сомнение права промоутера шоу на музыку Боуи». По словам исполняющего обязанности исполнительного директора оркестра, организатор концерта «первоначально сказал, что проблем с использованием этой музыки в шоу не возникнет». Позже в статье говорится, что концерт

промоутер «отказался сообщить, связывалась ли с ним Тресона», а представитель Тресоны заявил, что его организация «не связывалась с промоутером по поводу концерта в Аллентауне».

Неясно, что произошло на самом деле, но для старших классов, общественных и профессиональных исполнительских организаций экономическая маржа невелика, и многие работают без прибыли, просто из любви к творчеству. Любительский или студенческий статус не является правовой защитой.

В зоне риска находятся и профессиональные аранжировщики, создающие схемы для различных ансамблей. Им грозит обвинение в нарушении прав издательств, которые договорились об исключительных правах на продажу нот.

Если закон не разъяснен, аранжировщику может потребоваться заплатить лицензионный сбор перед написанием диаграммы. Кроме того, исполнительская организация будет платить аранжировщику плюс гонорар за исполнение каждой диаграммы, а также лицензионные сборы организациям, занимающимся правами на исполнение. Для некоторых организаций это может сделать стоимость живых выступлений непомерно высокой.

Необходимо решение Конгресса

Адвокат Джонатан Минкофф утверждает, что ответ заключается в том, чтобы договоренности подпадали под принудительную лицензию. «Конгресс понял, что нет реального права записывать песню без аранжировки, — говорит Минкофф. «Живые исполнители нуждаются в такой же защите. Конгресс не собирался объявлять незаконными все импровизации в кавер-версиях. Право на исполнение всегда включало подразумеваемое право на аранжировку.

«Теперь это право находится под угрозой, поэтому Конгресс должен четко указать это в законе. В настоящее время каждая группа и каждый хор потенциально подвержены риску. Конгресс должен сделать две простые вещи: во-первых, разъяснить, что исполнение включает в себя аранжировку; и, во-вторых, создать обязательное право на музыкальную аранжировку, соответствующее существующему обязательному праву на запись.

«Создав обязательную лицензию на все виды использования, композиторы и издатели получат новый источник дохода, а аранжировщики смогут выйти из тени и легализоваться. Все выиграют».

Как сделать аранжировку песни за 10 шагов

Я уверен в двух вещах: все мы очень гордимся песнями, которые пишем, и, наоборот, мы никогда не удовлетворены аранжировками песен. о создании аранжировки песни, которая нам понравится? Более того, как сделать так, чтобы наши песни полюбились звукозаписывающим компаниям? Радиостанции? Слушатели со всего мира? Если быть точнее — как аранжировать песню как профи?

Все начинается с создания привлекательной и профессионально звучащей аранжировки песни, которая будет удерживать внимание слушателя и рассказывать историю песни.

Хотя все авторы песен подходят к процессу аранжировки с большим энтузиазмом, чаще всего он превращается в очень долгий процесс, где, кажется, нет конца пробам и ошибкам. Как это ни парадоксально, чем больше времени вложено, тем меньше мы приближаемся к желаемому результату.

В этом посте Джулиан, наемный музыкальный аранжировщик Supreme Tracks, создал всеобъемлющее руководство по аранжировке песен из 10 шагов, которое гарантированно:

значительно улучшит качество аранжировки ваших песен
расскажет вам, как лучшие аранжировщики подходят к процессу аранжировки
сэкономит вам много времени, которое вы бы потратили на погоню за собственным хвостом

Это руководство представляет собой последовательность шагов, поэтому убедитесь, что вы выполняете шаги в порядке, указанном ниже.

На самом деле, наиболее важным советом в этом руководстве является придерживаться последовательности шагов компоновки, представленной ниже.

Итак, поехали.

Шаг 1: Убедитесь, что песня работает на I ts Собственный
Песня работает сама по себе, если вы играете ее только на пианино или на гитаре во время пения? Если песня сама по себе еще не «великолепна», никакое производство или аранжировка не исправят этого.
У вас сильный припев?
Основная мелодия на месте?
У вас есть хороший мелодический или гармонический «припев»?
Работайте над своей песней до тех пор, пока она не станет великолепно звучать «голой», только с фортепиано/гитарой и голосом. Чрезвычайно важно соблюдать этот шаг. Плохая песня останется плохой, даже с лучшей аранжировкой и постановкой. Хорошая песня останется хорошей песней, даже если ее производство будет неадекватным.
Совет для профессионалов: мы не можем выделить этот момент в достаточной мере… Убедитесь, что ваша песня звучит как хорошая песня, прежде чем переходить к шагу 2.
Шаг 2: Проверьте, какие жанры охватывает песня
Прежде чем приступить к аранжировке/продюсированию, вы должны спросить себя – какой жанр(ы) охватывает песня?
Как только это будет решено, может быть очень полезно найти пару эталонных треков. Референсные треки невероятно важны как на этапе аранжировки/производства, так и на этапе сведения/мастеринга любой записи. Кто-то может сказать: : «Я не хочу никого копировать, потому что хочу быть полностью оригинальным».
Но правда в том, что даже профессионалы на самом верху — очень оригинальные — постоянно ссылаются на другой материал.
Будь то простое прослушивание для вдохновения или проверка того, как кто-то другой подошел к определенной ситуации, все делают это, и это важно. Точно воспроизвести что-то довольно сложно. Не беспокойтесь о чьем-то копировании, если только вы не копируете их буквально нота за нотой, инструмент за инструментом и т. д.
Думайте об использовании эталонных треков как о «участнике разговора» о создании музыки в целом.
Шаг 3: Убедитесь, что песня имеет достаточную длину. Все ли разные секции имеют правильную длину и дополняют ли они друг друга?
Этот шаг немного похож на первый, «Песня работает сама по себе?». Однако , аранжировщик/продюсер может захотеть изменить форму песни для записи. Иногда то, как исполнитель исполняет песню вживую, может отличаться от студийной версии. Для записанной версии очень важно, чтобы песня была максимально лаконичной.
Вам также может понравиться: Как аранжировать вокал
Шаг 4. Убедитесь, что у вас есть приличный скретч-вокал
скретч-вокал для работы. Без этого вы можете принять довольно плохие решения . – утверждает Джулиан.
Запись вокала поможет вам принять решение при аранжировке.
Например, не слыша вокал, можно легко сделать аранжировку слишком плотной. Это не только приведет к менее чем приятной финальной записи, но и значительно усложнит работу вашего микс-инженера. У лучших записанных песен есть аранжировки, которые имеют идеальный баланс плотности производства.
Все различные элементы аранжировки/постановки должны иметь собственное пространство и звуковой диапазон.
Например, вы не хотите, чтобы бас играл одну линию, а клавишные — другую в одном и том же диапазоне.
Шаг 5: Барабаны и другие ритмические компоненты
Помимо ведущего вокала, ударные/ритмические компоненты песни являются самой важной частью аранжировки. Они занимают больше всего звукового пространства, дают слушателю «грув» и во многом определяют ощущения от песни.
Во-первых, барабаны должны быть акустическими (настоящими) или сэмплированными?
Очевидно, что этот шаг неприменим к упрощенным аранжировкам (таким как фортепиано/вокал, голос, гитара и струнные и т. д.). Как только вы это выясните, вы можете послушать один из ваших эталонных треков.
Где должны быть барабаны? Где они должны выйти? За какие общие паттерны будут отвечать барабаны?
Если в треке будет задействован настоящий барабанщик, ваша аранжировка должна просто наметить общее направление того, что должен играть барабанщик.
Не зацикливайтесь на программировании заливок или ощущений. Хороший барабанщик примет эти решения за вас.
Это подводит нас к другому моменту. Вам нужен действительно отличный барабанщик, если вы собираетесь играть на акустических барабанах. И барабаны должны быть записаны идеально.
Если ударные записаны не идеально, вся песня будет звучать так, как будто она записана не идеально. И помните, вы всегда можете вычесть и заставить звучать грубо и лоу-фай. Просто выберите, сколько микрофонных каналов попадет в финальный микс и какой тип обработки будет использоваться. Кроме того, вы не можете использовать только монофонический микрофон для ударных и ожидать, что окончательный микс будет звучать как поп-песня в стиле кантри, только что прозвучавшая по радио из Нэшвилла!
Шаг 5а: Запрограммированные барабаны
Если вы сами программируете барабаны, вы должны думать как барабанщик. Чаще всего простое написание паттернов на сетке приводит к плоскому звучанию.
Лучшие продюсеры со вкусом выходят за рамки и используют разные значения силы нажатия, чтобы создать ощущение ударной аранжировки.
Такие детали, как то, что бочка и хай-хэт не бьют одновременно, делают аранжировку более насыщенной.
Настоящий барабанщик никогда не смог бы сыграть эти три элемента одновременно с точностью до миллисекунды.
Но они выигрывают от этого, потому что тогда наши уши слышат каждый элемент чуть более отчетливо. При продюсировании я часто выдвигаю бочку вперед бита на несколько миллисекунд и отодвигаю хай-хэт назад. Это все зависит от песни и должно быть подобрано со вкусом. Существуют замечательные «грувовые» плагины для MIDI, которые тонко изменят скорость и синхронизацию при программировании ваших ударных.
Опять же, вы не можете просто использовать какое-то старое «ощущение», но с опытом вы можете найти его и изменить в соответствии с песней.
Шаг 6: Бас и басовые элементы
После того, как барабаны будут добавлены в вашу аранжировку, бас (или басовые элементы) — в большинстве случаев — идет дальше.
Какое место в аранжировке занимает бас?
Где пропадает бас?
В каком диапазоне играет бас в куплетах и в припевах?
Если это стандартная поп-песня, вам нужно убедиться, что бас «раскрывается» в припеве, это означает, что бас не играет тихо в высоком регистре, когда припев опускается.
Если на вашем треке есть «настоящий» басист, крайне важно, как и барабаны, чтобы он был профессионально записан и сыгран. Ничто не может быть хуже для вашего трека, если басу не хватает ясности, низких частот и канавки.
Если в вашем треке используется синтезированный бас, будьте осторожны с саб-басами и «фатовыми» пресетами. Если сабвуфер является единственным басом в вашем треке, патч должен быть разработан таким образом, чтобы он имел некоторые гармоники в среднем диапазоне, чтобы ухо могло найти их при прослушивании на динамиках, которые не имеют хороших низких частот. -конец ответа.
Например, вы можете не слышать определенные патчи сабвуфера на ноутбуках, iPhone, а также в некоторых наушниках и автомобильных стереосистемах.
Это может звучать чудовищно в студии или в клубе с отличными сабвуферами, но в остальном мире оно может полностью исчезнуть. Противоположное происходит с «фатовыми» пресетами.
Вы можете найти пресет для баса во время работы с одним из ваших любимых синтезаторов, который звучит просто потрясающе, но в аранжировке он убивает трек и не оставляет места ни для чего другого. Будьте осторожны со «стерео» басами и патчами, которые содержат много высококлассной информации.
В большинстве случаев вам нужен патч баса, который является монофоническим и не уходит слишком высоко в частотный спектр. Однако существуют исключения!
Опыт поможет вам принять эти решения.
Шаг 7: Главный управляющий гармонический компонент
Гармоническая информация приходит затем, когда вы учитесь аранжировать песню: гитары, клавишные, синтезаторы, струнные и т. д.
Эта часть аранжировки может быть довольно открытой и свободной, но я всегда думаю о дяде Человека-паука в этой ситуации, заменяя слово сила на свободу —» с большой свободой приходит большая ответственность». Рекомендуется проверить свои эталонные треки, чтобы узнать, какие инструменты вы можете использовать.
Является ли основной гармонический компонент песни клавишным инструментом или гитарой?
Во многих песнях гитара или фортепиано являются основным инструментом, дополняющим ведущий вокал.
Этот инструмент чаще всего играет на протяжении всей песни. Как только вы разберетесь с этим, все дело в том, чтобы приправить аранжировку выбранным материалом.
Вы не можете научить этому или научиться делать это в статье. Все дело в пробах, ошибках и опыте. Вы захотите использовать свои гармонические инструменты, чтобы сформировать контур песни.
Например, в секциях припева вы будете использовать больше источников, чтобы сделать аранжировку более плотной и «плотной». Что касается разделов стихов, вы, скорее всего, сделаете их тоньше.
Классическими примерами являются дублирование гитар в секции припева (и их панорамирование влево и вправо) или превращение любого источника из моно в стерео.
Совет для профессионалов: если вы решите использовать духовую секцию или живые струны в своей аранжировке, вы должны убедиться, что партии идеально подходят к песне. Большинство песен не могут иметь замысловатую аранжировку валторны Земли, Ветра и Огня. В большинстве случаев вы захотите использовать духовые инструменты, чтобы заполнить пробелы вкусными простыми линиями или «дополнить» партии, где поет вокалист. То же самое касается струн. И хотя для струнных и валторн существует несколько замечательных библиотек сэмплов, в большинстве случаев даже при профессиональном программировании эти библиотеки могут оказаться неэффективными и сделать вашу продукцию дрянной. Так что используйте их для демо и аранжировки, но когда придет время для производства и записи, примите мудрое решение!
Шаг 8: Рассмотрение современной поп-музыки и EDM
Примечание о синтезаторах, современной поп-музыке и электронной танцевальной музыке: очень важно слушать много этой музыки и узнавать, как все части сочетаются друг с другом.
Лучший синтезатор и электронная танцевальная музыка могут звучать очень плотно (иногда так оно и есть), но чаще всего все синтезаторы работают вместе в утонченной взаимодополняющей манере. И хотя патчей и «звуков» может быть много, все дело в том, чтобы они были последовательными, то есть вы слышите их один за другим, а не одновременно. Или каждая часть делает свое дело в своем звуковом диапазоне.
Шаг 9: «Производственная пыль»
Какой последний этап обучения аранжировке песни? Производственная пыль.
Для акустической аранжировки это может быть добавление перкуссии в различные части аранжировки. Классическими примерами могут служить партия шейкера во втором куплете и бубен в бридже.
В более современных стилях это будут все «белые шумы» и звуковые эффекты, такие как удары, подъемы, подъемы, опускания и т. д.
При использовании этих эффектов очень важно, чтобы они соответствовали песне.
Например, не любой комплект стояков подойдет для любого расположения. Еще лучше, создайте свой собственный FX для каждой песни. Это занимает больше времени, но может привести к прекрасным результатам. Если вы используете готовые FX (что совершенно нормально), просто убедитесь, что у вас есть доступ к множеству различных библиотек, чтобы вы не были привязаны к использованию только нескольких избранных FX. Они действительно могут выделяться в альбоме или EP, если вы используете одни и те же снова и снова.
Шаг 10: Бэк-вокал
Предполагая, что ведущий вокал был в значительной степени «фиксирован» все время на этапе аранжировки/продюсирования, добавление бэк-вокала (часто называемого BGV) действительно оживляет трек и дает ему жизнь.
Как у продюсера/аранжировщика у вас могут быть идеи о том, какими должны быть BGV, но по своему опыту я понял, что лучше работать с вокалистами непосредственно в студии. Вот несколько хороших примеров указаний, которые вы можете дать своим вокалистам:
«Удвойте эту строку в стихе», чтобы выделить определенную фразу.
«Спойте припев на терцию выше или ниже», чтобы у вас получился трек гармонии.
«Спойте дополнительную партию, чтобы получилась гармония из трех частей».
Примечание: трехчастная гармония может быть сложной. В общем, для поп-песен я придерживаюсь «церковной» гармонии из трех частей, и вы можете научиться соединять эти части, научившись гармонизировать гамму до мажор. Последовательность нот следующая: позиция корня трезвучия до мажор, позиция корня трезвучия ре минор, 1-е обращение трезвучия до мажор, 1-е обращение трезвучия ре минор, 2-е обращение трезвучия до мажор, 2-е обращение трезвучия ре минор, обратно в положение корня до мажор. . Обратите внимание на исключение начального тона 7-й ступени (B)! Когда в мелодии есть начальный тон, вам придется работать с BGV вокруг него, чтобы он соответствовал контексту и жанру. Как правило, обычное звучание V-аккорда будет работать, но вам придется его услышать.
Приступая к процессу записи и производства
Как только ваша аранжировка закончена, вы готовы перейти к записи и/или микшированию.
Чаще всего аранжировка или исполнение могут немного измениться. Например, процесс микширования может указывать на то, что вам нужно вычесть или добавить определенные элементы из аранжировки, и это совершенно нормально. Все процессы записи песни в определенной степени перетекают друг в друга. Просто следите за тем, как песня звучит в целом.
Прослушайте его на фоне контрольных треков.
Конечный продукт гораздо важнее, чем все мелкие детали, описанные в этом контрольном списке, и во всех деталях очень легко запутаться.
Хорошая песня — это хорошая песня, и она будет звучать великолепно независимо от того, что вы делаете в процессе аранжировки и создания музыки, пока аранжировщик/продюсер не принимает решения, которые разрушают песню.
Плохая песня есть плохая песня, и независимо от того, насколько качественно она продюсирована/аранжирована/микширована, она всегда будет плохой. Качество начинается с самого начала и должно поддерживаться вплоть до конечного мастера.
Давайте подытожим, как сделать аранжировку песни. Следуйте этим шагам, чтобы ваша аранжировка очаровала слушателей.
Песня отлично звучит сама по себе?
Определены форма и длина песни
Жанр(ы) песни определен
Найдено эталонных треков (1-3 упоминания)
Приличный скретч вокала записано
Решение принято – акустические барабаны или запрограммированные барабаны?
Партии ударных распланированы или запрограммированы
Партии баса проработаны, дополняя ударные со вкусом добавлены мелодия, бас и барабаны
«Production Dust» (перкуссия, эффекты и т. д.)
Ни один из элементов аранжировки не противоречит друг другу
Идеи для BGV есть
Вот и все. Желаем удачи в ваших аранжировках и помните – практика делает совершенным!
О Supreme Tracks
Если вы амбициозны в своей музыке и хотите выпускать свои песни для успешного коммерческого выпуска, Supreme Tracks, бутик-студия звукозаписи онлайн, к вашим услугам. Мы помогли более чем 1 500 независимым исполнителям, таким как вы, создать треки мирового уровня, захватывает сердца и умы слушателей и начинает успешную музыкальную карьеру, в том числе: первые места в мировых музыкальных чартах, более 100 миллионов стримов на Youtube, сделка с Netflix, постановка шоу вне Бродвея и многое другое.
Нужна помощь с определенной частью музыкального производства? Выберите услугу.
Современные подходы: Аранжировка | Red Bull Music Academy Daily
authors.length»>
14 ноября 2016 г.
Гленн Джексон
Аранжировка является фундаментальным компонентом практически каждого музыкального произведения, когда-либо написанного или записанного. Мы понимаем создание музыки на самом базовом уровне как акт «расстановки» звуков в каком-то порядке в течение определенного периода времени. Тем не менее, не всегда так легко определить, что представляет собой «хорошее» расположение. Отчасти это связано с тем, что аранжировка — одна из тех сложных вещей, которая на самом деле наиболее успешна, когда остается практически незамеченной, настолько тонкой в своем исполнении, что слушатель не осознает, какое влияние она оказывает на их восприятие.
В более ранние эпохи аранжировки часто определялись функциональными ограничениями — определенные инструменты были разработаны для заполнения разных частотных диапазонов, и способности каждого отдельного музыканта отчасти помогали определить, какие ноты играются и как долго. Но, как и во многих аспектах музыки, распространение оборудования и возможностей цифрового производства коренным образом изменило то, что возможно при аранжировке композиции. Специально для исполнителей электронной музыки, которые часто создают музыку без использования традиционных инструментов, аранжировки теоретически могут идти в любом направлении.
Имея так много вариантов, исполнители электронной музыки могут оказаться на распутье: должны ли продукты, созданные на компьютере или различных аппаратных средствах, использовать эти инструменты для управления аранжировками в неортодоксальных направлениях, или они должны попытаться придать более естественное ощущение музыкального движения, отражая схемы аранжировок более традиционных групп или ансамблей? Когда дело доходит до более функциональных обязанностей аранжировщика — создания музыки, которая соответствует определенным жанровым ограничениям, особенно с точки зрения музыки, предназначенной для танцполов, — насколько точно продюсеры должны следовать определенным проверенным формулам аранжировки, чтобы вписаться в желаемый музыкальный контекст?
Из всех аспектов производства, которыми занимались Modern Approaches, аранжировка, пожалуй, самая скользкая. К счастью, мы собрали еще одну качественную группу изобретательных продюсеров, которые поделятся своими личными идеями и помогут нам разобраться во всем этом. Эти артисты делятся разнообразными взглядами на аранжировку, а также дают ряд творческих советов по преодолению потенциальных творческих препятствий, с которыми многие сталкиваются при аранжировке своих треков.
Matias Aguayo
(Берлин – Cómeme, Kompakt)
Я не люблю проводить слишком много времени перед экраном компьютера, и особенно не очень люблю проводить время перед экраном компьютера, просто перемещая маленькие коробки и делать аранжировку таким образом. В своем визуальном переводе на экран компьютера аранжировка — это движение слева направо, и я думаю, что эта ориентация может повлиять на творческий выбор, который вы делаете, когда делаете аранжировку. То, как песня отображается на экране, заставляет вас делать определенный выбор, основываясь на визуальной обратной связи, потому что у вас создается впечатление: «Хорошо, в этой части мало что происходит, так что я должен перенести кое-что в эту пустую часть». пространство.» Я думаю, очень важно время от времени выключать экран компьютера и просто слушать. Это может показаться довольно очевидным, но вы будете принимать другие решения по аранжировке, если просто позволите решать своим ушам.
Имея это в виду, я пытаюсь разработать аранжировку, играя ее, а не записывая ее или делая несколько записей, а затем тратя много времени на компьютерную часть процесса. Что касается меня, то я люблю играть на инструментах — под этим я также подразумеваю синтезаторы, драм-машины и тому подобное — поэтому я решаю, где начинается бочка или когда начинается хай-хэт. сделать живую запись. В общем, я стараюсь каким-то образом репетировать или выучить песню, чтобы я мог ее исполнить, а затем в какой-то момент, играя ее снова и снова, я достигаю этого «идеального» дубля, когда записываю все это вживую. Этот идеальный вариант имеет массу преимуществ. Во-первых, очевидно, что если вы играете песню снова и снова и поете ее снова и снова, вы становитесь более искусным в том, что делаете, потому что требуется много практики и репетиций. Для меня это также очень игривый способ прийти к окончательной аранжировке песни, потому что вы можете делать такие вещи, как сказать: «Ну, эта часть кажется действительно хорошей, поэтому я собираюсь сыграть ее еще немного». ». Лично я предпочитаю записать песню 20 раз, пока у меня не будет идеального дубля, затем записать два раза, а затем редактировать и перемещать материал в течение 20 часов.
Matias Aguayo — El Sucu Tucu
С танцевальной музыкой аранжировка может быть довольно интересной, потому что, когда дело доходит до длины разделов и песен, может быть трудно решить, что правильно. Особенно с клубными треками, они имеют тенденцию казаться более длинными, когда вы находитесь в студии или дома, чем когда вы слушаете их в клубе — восприятие времени сильно отличается. В клубе вы можете танцевать в определенном ритме в течение трех минут без особых изменений, но те же самые три минуты дома кажутся вам немного длинными. Итак, что я делаю, когда работаю над явно «танцевальными» треками, так это то, что у меня есть стробоскоп и дешевый световой шар FX, и я выключаю весь свет в студии, а затем включаю стробоскоп и FX. мяч, чтобы я мог слушать трек в более смоделированной диско-ситуации и танцевать под него. Я буду замечать разные вещи в эти моменты, и это может привести меня к принятию разных решений по поводу аранжировки, потому что я чувствую потребность тела — я танцую и думаю: «Эта часть такая крутая, я хочу продолжать танцевать под эту часть еще немного», а затем я начинаю чувствовать, что пришло время двигать другой частью тела, поэтому я добавляю хлопки или что-то в этом роде.
Дэймон Белл
(Окленд – Дипблак, Бурек)
Несмотря на то, что я создаю танцевальную музыку, я подхожу к аранжировке так, будто это группа, играющая разные партии. Я вырос, играя на перкуссии, и игра с другими перкуссионистами позволила мне научиться слушать место в песне, где я мог бы вступить, или где добавить вставку, или когда было бы правильно просто сохранить устойчивый ритм. Я думаю, что хорошо играть с группой или быть частью какого-то коллективного музыкального творчества, прежде чем приступить к созданию собственной танцевальной музыки, потому что это может дать вам более естественное ощущение того, как части могут сочетаться друг с другом; там, где басист или барабанщик вставлял бы сбивку и тому подобное.
В большинстве случаев, когда я заканчиваю трек, он длится от 10 до 14 минут, но у меня пока нет собственного лейбла, поэтому для большинства 12-дюймовых и EP требуется как минимум три или четыре трека, и Я должен вернуться и отредактировать свои произведения. Мне нравятся более длинные треки, потому что это позволяет мне держать слушателя в ритме. Обычно, когда я делаю что-то такое длинное, в музыке происходит куча изменений. В основном, в каждой песне будет три или четыре части, и дело не в том, что я создал композицию с тремя или четырьмя четко отдельными частями, но я нашел способы переставить инструменты так, чтобы была другая Это то, что мне нравится в расширении трека: это дает вам возможность выявить различные переживания в рамках одной песни, что может быть трудно сделать за короткий промежуток времени — это может показаться, что ADD пытается делать слишком много в четырехминутной песне (что я и делал, но стараюсь этого не делать). вы действительно можете провести время, слушая изменения и на самом деле ощущая, как песня проходит через свои метаморфозы.
Часто простое желание брать элементы в постановку и из нее может действительно помочь аранжировке — это помогает создать пространство и движение. Если вы собираетесь добавить еще одну часть, то постепенное удаление чего-то, прежде чем вы добавите новый элемент, работает очень хорошо, потому что, когда вы убираете часть, слушатель ждет, что произойдет что-то еще, так что в некотором смысле он более готовы к тому, что новый элемент вступит во владение. Затем, через один или два такта, вы можете вернуть то, что удалили до перехода. В качестве альтернативы, если вы работаете с более длинными лупами, вы можете сделать что-то тонкое, например, изменить частоту цикла или пропустить его через странный фильтр, чтобы он панорамировался в той части, где вы вводите новый инструмент. Такого рода вещи могут помочь разрушить монотонность, не теряя динамики грува.
Brenmar
(Нью-Йорк – Золото дураков, High End Times)
В последнее время я много пользуюсь Maschine от Native Instruments, и мне нравится начинать с него песню, потому что это отвлекает меня от компьютера экрана, но также и потому, что он представляет собой счастливые случайности, которые я стараюсь поощрять. Я просто работаю над петлей на Maschine в течение 15-20 минут, а затем начинаю делать новую петлю, пока еще нахожусь в той же зоне. Оттуда я попытаюсь придумать четыре или пять лупов, которые являются частью одной сессии (и которые используют одни и те же звуки и сэмплы), а затем они могут стать разными частями песни. Если вы пишете действительно хороший 16-тактовый луп с несколькими интересными слоями, вы обычно можете его разбить, и тогда у вас уже есть 50-70% песни.
Johannes Ammler / RBMA
Это может звучать семантически, но я думаю, что аранжировка сразу определена и непредсказуема при ударе первой ноты.
Кара-Лис Ковердейл
С теми четырьмя или пятью петлями, которые я сделал на Maschine, я могу быстро перемещаться между сценами и слышать такие вещи, как «Хорошо, это потенциальная секция A, и это может быть раздел Б». Иногда один из циклов не подходит, поэтому я просто опускаю его, или, может быть, это может быть крутая случайная секция B или что-то в этом роде, но идея состоит в том, чтобы быстро вытащить секции, пока я нахожусь в зоне. Как только я попаду в Ableton, я смогу сделать шаг назад и переоценить структуру, но у меня все еще есть эти части, а позже я могу потратить время на объединение разделов или работу над переходами.
Еще один небольшой совет, который помог мне узнать о сильной структуре, заключался в том, чтобы просто принести на сессию песню, которая мне понравилась, а затем я просто скопировал ту же самую сильную структуру. Я входил и отбрасывал маркеры для «Вступление», «Припев», «Первый куплет» и т. д., а затем мог просто следовать этой общей структуре со своим собственным произведением. В конце концов, если структура песни сработала для этой песни, она, вероятно, сработает и для вашей песни, и это просто хороший способ узнать, как другие люди структурировали свои треки, и, возможно, найти шаблоны, которые вы сможете использовать позже. .
Кара-Лис Ковердейл
(Монреаль – Умор Рекс, Священные Фразы)
Для меня аранжировка – это способ разворачивания повествования в музыке для создания музыкального изображения события, приключения или особого чувства. Это также может быть способом организации хаоса, но для создания выразительной музыки вы должны сделать больше, чем просто организовать ящик, как это было. Для меня некоторые из самых впечатлительных или прекрасных переживаний, которые я пережил в музыкальном плане, очень похожи на ошеломляющие переживания «природы» и в каком-то смысле не поддаются пониманию; за пределами возможности полного знания, в то же время будучи безошибочно совершенным в выравнивании. Аранжировки должны разворачиваться в подобном выражении незнания, которое колеблется между тем, что осознанно сконструировано, и заставляет даже меня задуматься, как я это сделал.
Это может звучать семантически, но я думаю, что аранжировка сразу определена и непредсказуема при ударе первой ноты. Первая нота уже содержит так много информации, относящейся к аранжировке: контекст, цель, история/происхождение инструмента или звука и характера. Это приглушенный звук или некая поврежденная, нежная угроза? Он ударный и живой или спорадический и полный энергии? Является ли его распад быстрым или устойчивым?
Слушайте на SoundCloud
Хотя для меня важно, чтобы аранжировка в конечном счете пыталась обойти сетку мирской жизни, я постоянно рассматриваю ее конструкцию, поскольку время — это «X», а событие — «Y». Аранжировки строятся на осях X и Y: X — это горизонтальная конструкция — то, как музыка разворачивается во времени, тогда как Y — это конкретное событие, которое происходит в различимой точке временного континуума (лично я считаю ось Y входными данными). гармонической информации, а ось X больше связана с пространством). Но важно выйти за рамки используемых вами композиционных рамок, потому что это само по себе предполагает (если не требует) формулу аранжировки. Легко направить свои мысли на кубическую структуру сетки, линии партитуры или туманную структуру патча. Когда я аранжирую, я выбираю, буду ли я осознавать, праздновать или выходить за эти композиционные рамки.
Для меня аранжировка считается состоявшейся, когда части, которые я аранжировал, ясно выражают себя и поддерживают другие в целом. Между голосами и объектами должно быть некоторое чувство баланса, и каждая нота должна иметь значение, цель и функцию. Иногда творческая или экспериментальная аранжировка — это процесс добавления большого количества вещей, а затем удаления их одного за другим, но цель видящего — понять, что нужно произведению, до того, как оно узнает об этом.
Египеттрикс
(Торонто — Halocline Trance, Night Slugs)
Аранжировка — это комплексная вещь — она играет центральную роль в общем воздействии трека, поэтому аранжировку каждой записи нужно немного настраивать. (Тем не менее, я по-прежнему использую много повторений и тем в своих произведениях.) В зависимости от проекта и записи я с самого начала остановлюсь на определенных объединяющих идеях об аранжировке, звуках, структуре и т. д.…. Мне нравится многое брать на себя заранее; это помогает всему процессу идти своим чередом, и я считаю особенно полезным иметь «чертеж», к которому можно обращаться, когда я застреваю. Конечно, всегда есть какое-то добавление, вычитание, перестановка и общая спонтанность, которая появляется позже (иногда очень поздно) в процессе, но я стараюсь свести все это к минимуму, но не ограничивать полностью. Например, мои проекты Egyptrixx и Ceramic TL существуют в базовом спектре как впечатляющих, так и спокойных идей, и эти чувства отражаются в аранжировках, поэтому треки имеют тенденцию переключаться между действительно плотными, разбитыми аранжировками и разреженными, просторными.
Слушайте на SoundCloud
Мне нравится работать с немузыкальным вдохновением для многих моих аранжировок. Поиск немузыкальных идей для включения в мой материал всегда был для меня важным приемом, и он служит нескольким целям: он может функционировать как своего рода концептуальная путеводная звезда и привносить в проект уникальное единство; может предотвратить очевидные ссылки на другой материал и помочь избежать производного. Эти немузыкальные ориентиры могут также действовать как на символическом уровне, так и на более буквальном уровне звука. Например, материал Anamai (совместная работа между мной и Анной Мэйберри из нойз-панк-команды HSY) использует идеи глубины, местоположения и 3D-округлости в своих звуках и аранжировках. С другой стороны, материал Egyptrixx обычно основан на таких идеях, как микропластик в волнах, омывающих берег, или активированных цепях, как в случае с треком «Lake Of Contemplation Pool of Fundamental Bond». На другом треке Egyptrixx, «Передача энергии [Чувство силы]», я пытался передать активацию энергосистемы — точный момент введения электричества. С последней пластинкой Ceramic TL я пытался передать дихотомию эйфория/мрачность распада окружающей среды, например, как разлив нефти может иметь небольшие водовороты гиперцвета.
Locked Groove
(Берлин – Hotflush, Permanent Vacation)
Вообще говоря, у меня довольно живой подход к созданию треков. Обычно я начинаю с перкуссионного скелета и использую его как базовый 32-тактный луп, чтобы поджемовать и записать материал вживую. Иногда я отправляю MIDI или CV на разные синтезаторы, но часто я просто джемую, играя вживую около 30 минут, а затем вырезаю лучшие фрагменты. После этого я начну формировать черновую версию трека и начну аранжировать все это во что-то более конкретное.
Я делаю все возможное, чтобы придать своим трекам что-то «естественное». Что действительно помогает, так это включение настоящего инструмента, такого как гитара, живые барабаны или что-то в этом роде. Это даже не обязательно должно быть что-то действительно слышимое — что-то тонкое может иметь большое значение. Что также может помочь, так это разделить аранжировку на группы инструментов, как в оркестре, где гобой задает вопрос, а секция скрипки отвечает. Я обнаружил, что может быть очень полезно применить метод вопросов и ответов к моей музыке, так как это действительно помогает рассказать музыкальную историю.
Корнел Ковач
(Стокгольм – Studio Barnhus, Numbers)
Аранжировка включает в себя так много: это вопрос стиля, функции, драматизма, адаптации к формату. В то же время это почему-то кажется менее важным, чем когда-либо (речь о записанной музыке в целом здесь), поскольку каждый ребенок делает правки, а ди-джеи могут менять аранжировки на лету легче, чем когда-либо прежде. Тем не менее, я бы сказал, что очень хорошая аранжировка — это один из аспектов, который действительно отличает сегодня лучших продюсеров танцевальной музыки от остальных. В идеале я знаю, что аранжировка работает, когда есть четкая идея на всем протяжении, но также и что-то неожиданное, поэтому она никогда не надоедает.
Kornél Kovács — BB
Я работаю в Ableton и стараюсь как можно скорее перенести свои песни в вид аранжировки, но потом мне очень нравится играть с клипами и лупами в Session Mix, я стараюсь изо всех сил и сырые и записывающие дубли и сохраняющие ошибки. Затем, на последних этапах работы над мелодией, я люблю сходить с ума с магнитофонной задержкой, записывая длинные дубли различных элементов, посылаемых на нее с длинными хвостами обратной связи. Этот записанный звук очень полезен, когда мне нужно связать воедино части песни. Кроме того, некоторые из этих записей могут даже оказаться полезными в других треках или даже заложить основу для совершенно новых треков. Я думаю, что получить более «естественное» ощущение в аранжировке можно, если делать то, что кажется вам естественным, а не обязательно подражать живым приемам группы. Но, конечно, если у вас есть один и тот же короткий монотонный паттерн, проходящий через весь ваш трек (например, повторяющаяся бочка), некоторая небольшая рандомизация может показаться приятной. Я обычно получаю это от использования аналогового оборудования или эффектов рандомизации в программных синтезаторах или в моей DAW.
Michael Mayer
(Cologne – Kompakt)
Думаю, из-за моего знакомства с поп-музыкой 80-х аранжировка играет довольно большую роль в моих постановках. Большинство моих постановок имеют четкую песенную структуру. Мои друзья называют меня «аранжировщиком-нацистом», потому что я не могу позволить циклу играть какое-то время, не внося никаких изменений. Я люблю, когда треки имеют реальное начало и конец.
Слушайте на SoundCloud
В мире техно стало редкостью найти полностью продуманные треки. В наше время цифрового диджеинга кнопка петли, кажется, сделала такую тщательную аранжировку устаревшей, но я никогда не мог затухать трек в конце или заканчивать двухминутным зацикленным битом. Эй, это обман! Это чистая лень! Я хочу, чтобы вы наслаждались моими треками, даже если они не проигрываются в миксе. Работа в течение часа над последними тактами трека доставляет мне странное удовольствие — такое ощущение, что я добавляю в свой трек маленький секрет, который никто никогда не услышит.
Prequel
(Мельбурн – Международная ритм-секция)
Для меня лучшая музыка, которую я делаю, это та, где она действительно спонтанна и свободна, и мне не нужно слишком много обдумывать – она в первую очередь о том, какой семпл я делаю. Я прикрепляю трек к словам, и именно так я решаю, в каком направлении аранжировать. слушаю шлейф из-за окна на моем балконе и думаю: «Что еще для этого нужно? Куда оно могло деться?» Затем я начинаю добавлять бочки, хай-хэты и хлопки, и я просто позволяю этому развиваться естественным образом и пытаюсь думать о том, что я хочу услышать. Например, на моей последней пластинке есть песня «Мишель»; это было быстро, и семпл держался сам по себе, но под ним я запрограммировал другую последовательность бочки, в основном, каждые восемь тактов. Это не то, что я обязательно стараюсь делать в каждой песне, но что-то в семпле, казалось, требовало этого.
Johannes Ammler / RBMA
Иногда вашему мозгу просто нужно услышать другую частоту, чтобы переход имел больше смысла.
Youandewan
Есть тонкая грань: не переусердствовать с аранжировкой трека, чтобы он по-прежнему казался естественным, но и не переупорядочить его до такой степени, что он станет скучным. Самое главное для меня в аранжировке — это просто движение. Всегда должно быть что-то движущееся или развивающееся — открытие и закрытие фильтра, построение и разделение перкуссии, вхождение вещей и удаление других. Вот как трек разговаривает со мной, вот что дает ему жизнь. Когда я работаю над этим в треке, я пытаюсь воспроизвести его в клубе или баре, потому что именно там я могу легко понять, что «Да, эта последовательность длиннее примерно на восемь тактов» или «Эти струны определенно нужно прийти раньше». Если вы делаете клубную музыку, вы должны играть ее в этой среде, потому что некоторые вещи в аранжировке — и в миксе — становятся яснее, когда вы слышите свои песни в этом контексте.
Swindle
(Лондон – Butterz, Deep Medi Musik)
Так много элементов в моих постановках на самом деле исходят от живой группы, что иногда я редактирую аранжировку и звук, чтобы преувеличить электронную остроту музыки. : добавление заикания, изменения высоты тона или задержки. Кроме того, тишина может быть очень эффективным инструментом для перехода к различным частям аранжировки: полтакта или даже четверть такта тишины перед тем, как новая часть добавит эффекта; иногда я исполняю это с использованием малого барабана (с добавленной реверберацией), ударяющего по последней доле.
Swindle — London To LA feat. Ash Riser
Я считаю аранжировку трека, вероятно, самой веселой частью производства, так как я просто позволяю ощущению музыки развиваться и освобождаюсь от любых правил, которые ограничивают музыку. Если мне нужно мучиться над чем-то, то пришло время для нового трека. Тем не менее, иногда, сыграв трек в клубной среде, я определяю, что хочу изменить, и могу месяцами ходить туда-сюда, тестируя аранжировку на разных концертах. Количество времени, в течение которого вы можете пересматривать аранжировку, бесконечно, и создание идеальной аранжировки может быть бесконечным квестом, но это здорово, когда что-то сразу кажется правильным. Я рисую линию после того, как все переключил на звук.
Frits Wentink
(Амстердам – Бобби Донни, Wolf Music)
Возможно, сначала мне следует объяснить, что я занимаюсь разными проектами; Я управляю несколькими лейблами и именами артистов, у всех очень разные подходы к вещам. Как Фриц Вентинк, мне очень сложно работать с нуля, поэтому я обычно переделываю старый материал, который так и не дошел до точки, которой я был бы доволен, или даже переделываю готовые треки, как будто я делаю ремикс сам. Я открою проект и начну приглушать материал, пока не доберусь до основы того, что, по моему мнению, является сутью трека, а затем я начну заменять инструменты и звуки. Для некоторых других проектов я намеренно начинаю с пустого экрана и стараюсь найти интересные звуки и строить трек вокруг них (здесь больше о звуковом дизайне). В последнее время я очень увлекся записью аппаратных джемов, и, поскольку они записываются на стереодорожку, аранжировку и сведение нельзя кардинально изменить. Это ограничение иногда необходимо и, очевидно, определяет, как и что я могу делать в аранжировке.
Во всех моих проектах я старался всегда помнить о модуляции ключевых звуковых аспектов, таких как частота фильтра нижних частот. Я использовал хаотические флуктуации, чтобы изменить модуляцию моих звуков, что делает трек более естественным, в основном потому, что это вносит небольшую погрешность в инструменты. Еще одна вещь, которую я нашел действительно полезной, — это использование несинхронизированных циклов кривых модуляции. Существует модуль Eurorack под названием Knob Recorder, который в основном делает запись движения и после записи начинает зацикливать это движение, но без синхронизированного таймфрейма. Таким образом, движение не появляется в тех же точках трека, как вы ожидаете, например, после восьми тактов, но оно все еще сохраняет живое ощущение.
Youandewan
(Берлин – Австралия, Secretsundaze)
Обычно я всегда начинаю свои треки в формате live/loop; обычно это луп из 32 или 64 тактов, который можно аранжировать и структурировать позже, когда я почувствую, что у меня достаточно ингредиентов. Однако недавно я пытался изменить это, потому что обнаружил, что трачу слишком много времени на этот ужасный бесконечный цикл вместо того, чтобы начать процесс аранжировки. (Недавно я взял месяц перерыва в продюсировании и решил с этого момента работать только в окне аранжировки [Ableton], потому что я видел, как другие друзья работают таким образом, и это намного эффективнее. На самом деле это очень тяжело. привычка брыкаться, однако.)
Аранжировка, наверное, самая сложная часть работы над треком для меня. Я чувствую, что когда у тебя есть эта идеальная петля, ты что-то теряешь, когда кладешь ее. Для меня иногда требуется пара часов или пара недель, чтобы все исправить, но я обнаружил, что может быть полезно изучить аранжировки похожих треков, время от времени вставляя их в аудиоканал и используя эту песню в качестве руководства. При переходе от одного раздела к другому иногда даже легкий мягкий треск может сделать переход более плавным, или же может помочь некоторое тянущееся или нарастающее эхо ленты ближе к концу раздела.