Как начать рисовать на заказ: где учиться, материалы и инструменты,вдохновение, как можно заработать на рисовании

Содержание

Картина на заказ: как заработать художнику

Жасмина Германова. Фото из личного архива

Жасмине Германовой 22 года, и она зарабатывает написанием картин — не миллионы долларов, но на жизнь вполне хватает. К профессии художника девушка подошла с точки зрения бизнеса — она не только рисует, но и думает о продвижении, личном бренде, продажах и сервисе. Как знания о бизнесе может применить творческий человек и сколько благодаря этому можно заработать, Жасмина рассказала в своей истории.

— Я поняла, что хочу посвятить жизнь написанию картин, как только начала рисовать. Цели продавать картины и скетчи я сначала не ставила. Пробовала разные техники, искала себя. Когда начала показывать работы в Instagram, заказы пошли практически сразу. Подписчиков у меня было не много, около 1−2 тысяч.

Мой первый заказ

Первая продажа авторской работы «Путь к успеху» случилась летом прошлого года. Стоила она $ 200. Я написала ее для знакомой, у которой есть свой бизнес. На неделю я закрылась дома и пересматривала фильмы и сериалы про предпринимателей — «Миллиарды», «Стив Джобс», «Волк с Уолл Стрит», читала книги про Илона Маска и Бенджамина Франклина, «Атлант расправил плечи», «Финансист».

«Путь к успеху». Фото из личного архива Жасмины Германовой

На вторую картину пришло одновременно 4 заявки. Людям пришлось ждать несколько недель. Я окончательно поняла, что картины могут приносить деньги, когда повтор моих работ начали заказывать по 2−3 раза.

Скажу честно, близкие моего решения не поняли: «Зачем тебе это? Занимайся дизайном интерьеров, иди в найм и черти себе планировки», «Художники бедны и ничего не зарабатывают». Меня поддерживал только любимый человек. Но когда я продала первые картины, подтянулись и остальные.

Кто и почем покупает авторские картины

Мои картины стали покупать люди 30−50 лет, 80% из них — предприниматели, руководители компаний из Беларуси, России, Украины. Например, директор по построению группы компаний Black Star и бизнес-тренер Илья Кусакин. Почему предприниматели? Наверное, потому, что мы с ними на одной волне. Я тоже изучаю маркетинг, продажи, бегаю полумарафоны, хожу на конференции и не стесняюсь знакомиться, спрашивать о трендах и о том, что людей волнует.

Чаще всего покупают минималистичные картины — например, серия The Boss, абстрактные музыкальные картины из серии Miles Davis.

Одна из картин Жасмины. Фото из личного архива

Чаще приходят за работами, которые есть в наличии. Бывших клиентов не бывает, в среднем заказчик возвращается за новой картиной 3−4 раза. А бывает, стоят в очереди на 1−2 месяца. Или я не успеваю выложить картину в интернет, как ее уже покупают. Потенциальный заказчик просто говорит мне — как только будет что-то новенькое, сразу звоните, хочу увидеть ее первым. Но я берусь не за каждый заказ. Ни за какие деньги не буду работать с неадекватными людьми и теми, кто ведет себя высокомерно по отношению ко мне.

70% продаж происходит через соцсети, остальные — через «сарафан». Я проставляю хэштеги (#Минск, #художник, #картиныминск и т. п. + мои собственные хэштеги, которые помогают найти нужные работы), геолокации. Иногда настраиваю таргет на посты. В качестве целевой аудитории выбираю мужчин и женщин от 35 лет, менеджеров либо собственников бизнеса, любящих активный отдых (бег, горы).

Еще мне часто пишут галереи. Если понравившаяся работа не продана, чего практически не случается, я отправляю им картину на выставку. Если же ее купили, мы договариваемся об авторском повторе, при условии, что они готовы ждать 2−3 месяца.

Арт-рынок и конкуренция

У меня нет конкурентов. Каждый работает со своей темой и своим покупателем. Мы никак не пересекаемся. Но есть несколько ответов, почему мои работы, на мой взгляд, все же выбирают.

Во-первых, сервис

. Я стараюсь сделать все, чтобы у клиента возникало минимум вопросов и преград для покупки.

Я могу разрешить взять работу на пару дней в офис/домой, чтобы человек прочувствовал энергетику и увидел, как картина смотрится на стене.
Была ситуация, когда заказчик, который покупал работы год назад, экстренно переезжал в Лондон и хотел забрать работы с собой. Я приезжала к нему с подготовленными документами для пересылки за границу, упаковывала работы, делала инструкцию по эксплуатации в новом месте.
Очень важно понять, какую картину заказчик ищет, какую потребность этой покупкой закрывает. Я изучаю поведение людей в обществе, как они проявляют себя, какие знаки ассоциируются у людей с любовью, счастьем, горем.

Во-вторых, упаковка для художника — это все.

Я никогда не дорабатываю фото картин в фотошопе, чтобы они выглядели привлекательнее, чем есть на самом деле. Клиент, приехав в студию, хочет видеть ту же работу, которая понравилась ему на фото.

Не вставляю их в вымышленный низкосортный интерьер. Не навешиваю собственное видение, где картина должна находиться.
Также необходимо фотографировать работы так, чтобы не возникало вопросов по поводу рамы, толщины работы и рельефа (картина написана мазками или гладкая), раскрывающего всю технику картины.

instagram.com/p/Blvvz50huns/?utm_source=ig_embed&utm_medium=loading» data-instgrm-version=»12″>

Посмотреть эту публикацию в Instagram

Работа была написана интуитивно под впечатлением от подаренного букета любимым человеком 😍 ⠀ Девушки поймут, как это может зарядить. Знак внимания и заботы сильнее чем СПА и салоны красоты. ⠀ С любовью вам, от Жасмины Германовой❤️#artjasminmay #artjasminabstraction

Публикация от ХУДОЖНИК МИНСК🖤КАРТИНЫ (@art.jasminmay) 27 Июл 2018 в 11:59 PDT

И в-третьих, энергетика. Я часто посещаю выставки и обращаю внимание, что излучают работа и сам художник. Считаю, что энергия передается в работу. Негативное не должно висеть в месте, где заказчик проводит большую часть времени.

Сколько зарабатывает художник

С момента старта моей карьеры я выполнила 60−70 заказов. Разбежка в цене большая: небольшие картины до размера 50×50 см стоят $ 50−100. Все, что больше — $ 200−1000. В среднем я делаю 5−6 продаж в месяц. Роспись стен, которая стоит от $ 600, стала брать реже, не больше одного заказа в месяц. У меня есть лист ожидания, остальные заявки я перемещаю на следующие месяцы.

Фото из личного архива Жасмины Германовой

Чтобы определить стоимость картины, я просчитываю затраченные материалы, время, инструменты, доставку. Я пользуюсь дорогими материалами, которые заказываю из Европы и Америки. Например, краски Golden Fluid Acrylic стоят $ 50−80 за тюбик (с учетом доставки можно смело округлять до $ 80−100), его хватает на 2−3 работы. Стандартный набор кистей (10−20 шт.) Old Holland Kolinsky стоит $ 200−300.

Обычно себестоимость картины за $ 300−400 равна $ 150−200.

Дальше я смотрю на саму работу и спрашиваю себя, за какую стоимость я готова с ней расстаться. Это и есть моя прибыль.

Люди думают, что художники накручивают 90% маржи на свои работы, но это не так. Например, недавно я брала консультацию у одного европейского художника. Стоимость часа — $ 40. Чтобы нарисовать простенькую картину под его руководством, нужно было покупать минимум 5 часов.

На картину у меня уходит в среднем месяц, но я не пишу последовательно одну работу за другой. Обычно в процессе написания и придумывания картин 8−10. Есть работы, которые вроде как делаются за пару дней, но для того чтобы они так быстро и легко получились, нужно было раз 6−7 сделать, чтобы 8-й был удачным.

Развитие

Я повышаю уровень мастерства регулярно. В месяц у меня по 2−3 курса — новые техники рисования, саморазвитие, история искусств, арт-бизнес. Я стремлюсь делать революционное творчество, меняющее жизни людей. Мне хочется, чтобы за рубежом, услышав слово Беларусь, вспоминали сильные работы и художников.

Фото из Инстаграм Жасмины Германовой

Недавно у меня появился партнер, который закрывает вопросы в маркетинге, продажах, упаковке, общается с клиентами. Она получает процент от продаж. Считаю, что художник не должен распыляться, чтобы сделать что-то великое.

Мы составляем стратегию вместе. Партнер составляет стандарты продаж, от общения с клиентом до передачи упакованной работы: как должен выглядеть аккаунт в Инстаграм и посты в нем, сколько символов, что недопустимо, что входит в упаковку картины для клиента. И отслеживает сезонность — в какую пору года люди покупают определенные работы, следит за трендами в области искусства за границей.

Моя задача — моментально реагировать на эти изменения. Например, недавно на американском рынке появились работы в технике Petri Art. Я буквально за день изучила специфику техники, заказала материалы, сделала пару маленьких «пробных» работ и за один день продала их через соцсети. Если бы не было партнера, не знаю, когда бы я обнаружила эту технику.

Фото из личного архива Жасмины Германовой

А недавно я почувствовала, что упаковка моего аккаунта абсолютно не соответствует нынешнему состоянию. Я подробно описала, какие ассоциации хочу вызывать у людей своим творчеством (свобода, счастье и т. п.), и мы придумали, как это упаковать, создали отдельную страницу работ.

Мы подробно обсуждаем план будущих работ. У меня есть список идей, эскизов и задумок, и решаем, что первостепенно, а что отложить. Сейчас я могу относиться к творчеству серьезнее и делать работы не только по вдохновению, но и по графику. Но поначалу, конечно, не стоит загонять себя в рамки, писать нужно то, что прямо сейчас хочется.

Также мы работаем над образованием людей в сфере искусства. Я делаю посты и провожу вебинары, на которых рассказываю потенциальным клиентам, как разбираться в картинах.

Когда мне предлагают участие в выставках или коллаборацию с брендом, то он анализирует, насколько это выгодно для меня и моего позиционирования и контролирует все договоренности или отказывается. Меня очень часто приглашают поучаствовать на всяких ярмарках по продаже картин. И организаторы обижаются на мои категоричные отказы. Ну, а я не понимаю, почему. Салону Mersedes не предлагают же поставить свои автомобили на рынке Ждановичи. Это, кстати, еще одна главная ошибка художников, которые ставят целью продавать свои работы дорого, но идут по неправильному пути.

Как художнику уметь продавать свои картины — выводы

Когда я говорила своему окружению, что в 21 год хочу продавать свои картины от $ 500, все крутили пальцем у виска. А сейчас клиентов так много, что я не успеваю рисовать. В этом мире возможно все. Не представляю, что бы со мной было, если бы я поверила в те слова.

Но арт-рынок — в любом случае рулетка. Я бы не советовала в это ввязываться, если вы не уверены, что это ваше предназначение. Но думаю, в ближайшие 10 лет белорусский арт-рынок вырастет, не только благодаря открытию новых картинных галерей, но и благодаря самим авторам. Если они, конечно, выйдут из своих мастерских, начнут погружаться в бизнес-процессы, создавать крутой сервис и упаковку, образовываться не только в истории искусства и академических техниках.

Совет, который я могу дать художникам, — не паниковать. Дайте себе время «расписаться». Не ставьте цель продавать. Это будет влиять на ваше творчество, оно не будет честным по отношению к зрителю. Заявки будут, когда вы их меньше всего будете ждать.

Ставьте себе сверхзадачи, даже если картина — авторский повтор или выглядит легко
Не беритесь за заказ только из-за денег
Любите критику
Художник в первую очередь не должен оставлять равнодушным. Его или любят, или ненавидят — это и есть успех
Если люди проходят мимо вашего творчества или говорят: «Ой, как красиво», но не покупают, значит, вы делаете что-то не так

И, конечно, чем быстрее вы начнете, тем раньше добьетесь успеха.

Как начать рисовать, если вы никогда этим не занимались

29 марта 2020 Вдохновение Колонка

Начать никогда не поздно, если у вас есть желание рисовать и готовность регулярно практиковаться.

Ольга Метальникова

Художник и арт-директор проекта Painty.

Я уверена, что начать рисовать можно в любом возрасте. Я сама увлеклась искусством уже после школы. Для человека, который захотел рисовать, есть два пути. Первый — это взять краски и просто начать: не вникать в теорию, не думать о правилах, следовать только своему внутреннему порыву. Второй — это пойти учиться.

С чего начать, что читать, где учиться

Вот несколько идей.

Запишитесь на любой групповой курс для взрослых или сходите на арт-вечеринку.
Если вы скорее любитель видеоуроков, то вот популярный канал профессиональной художницы Анастасии Шимшилашвили — Art Shima. Или канал, который так и называется — «Как научиться рисовать», где выкладывают уроки по рисованию в разных стилях, разными методами и инструментами.
Из книг моя любимая — «Рисунок. Основы учебного академического рисунка» Николая Ли.
Найдите художника, работы которого вам очень близки и интересны, пообщайтесь с ним или даже возьмите урок. Благо интернет позволяет связаться с кем угодно.

Какую технику выбрать

Не думаю, что на первых порах нужно ограничивать себя в выборе техники рисования. Что выберете вы, традиционное искусство или digital, альбом и карандаши или планшет, — зависит от ваших личных предпочтений. На рынке востребовано и то, и другое. Это разные инструменты, их можно и нужно осваивать, к тому же правила перспективы, композиции, пропорций, цветоведения одни.

Да и чтобы понять, хочется ли заниматься искусством, понравится та техника или другая, зайдёт ли вам вообще рисование, — нужно пробовать.

Чем вдохновляться

Вдохновляться совсем не обязательно только художественными работами. Я нахожу музу в дизайне, моде, татуировке. В каждой сфере есть свои вдохновители. Например, мне нравятся работы тату-мастера Андрея Волкова и проект «Господин художник» Радика Мусина. Также отмечу бренд одежды Bevza и их подачу коллекций в социальных сетях.

Читайте книги, ходите в музеи, смотрите фильмы, слушайте музыку — никогда не знаешь, что в итоге станет толчком к созданию проекта.

Можно ли чего-то добиться без образования

Всё зависит от ваших целей.

Если вам хочется реализовать свои творческие потребности, показать родственникам и друзьям, что вы творческая личность, исполнить давнюю мечту, то для этого не нужно никакое образование.

Если же есть цель стать профессиональным, коммерчески успешным художником, то рано или поздно вы наверняка столкнётесь с необходимостью получить теоретические знания и развить навыки. Это нужно хотя бы для повышения технического уровня и качества выполнения заказов.

С другой стороны, глядя на «Чёрный квадрат» Малевича, может показаться, что это всё, на что способен автор. Однако Малевич был профессиональным художником и авторитетным теоретиком искусства, писал картины в различных техниках. Выходит, для неподготовленной публики ваша образованность может быть и незаметна.

Правила на каждый день

Самое главное правило художника, на мой взгляд, — это практика каждый день, хотя бы на стадии обучения. Я и за собой замечаю, что после длительного перерыва очень сложно начать, приходится словно заново учиться, навык теряется. Рука будто забывает то, что ещё недавно давалось с лёгкостью.
Делайте наброски, где бы вы ни находились. Даже если у вас мало времени, носите с собой скетчбук, чтобы зарисовывать всё, что видите. Это могут быть фигуры людей, улицы, фонари… Наброски отлично развивают глазомер и тренируют руку. А позже они могут пригодится для сюжета полноценной картины.
Пробуйте новое. В процессе обучения не останавливайтесь на одном сюжете или материале. Пробуйте разные техники и материалы, это поможет вам сформировать собственный стиль.
Это может звучать банально, но очень важно интересоваться искусством. Расширяйте кругозор, смотрите картины разных художников, узнавайте, как и почему они создавали свои работы. Я уверена, это бесценный и захватывающий опыт для любого начинающего художника.
Не бойтесь обратной связи. Можно выкладывать свои творения на страничках в социальных сетях, но мне кажется, что фидбэк лучше всего получать лично на выставках. Выставляйте свои работы и общайтесь с людьми, прислушивайтесь к критике. В конце концов, именно она поможет вам стать лучше. Не обязательно начинать с больших галерей: организуйте квартирник только для своих, пригласите друзей и близких.

Если представить успешного современного художника, то я бы описала его как харизматичную, яркую личность с хорошими техническими навыками и в идеале ещё и с коммерческой жилкой. Но у каждого художника свой путь. Кто-то яркий персонаж, кто-то мастер написания пейзажей, а кто-то может продать холст с «плевком» краской. Именно это разнообразие делает мир искусства таким интересным. И я искренне верю, что у каждого из нас есть своя аудитория, которую просто нужно найти.

Полное руководство по рисованию мастихином

Мастихин — это не просто инструмент для смешивания красок на палитре.

На самом деле вы можете использовать мастихин для создания потрясающих эффектов на ваших картинах, которые невозможны с кистью. Некоторые художники полностью игнорируют кисть в пользу мастихина.

Это подробное руководство поможет вам максимально эффективно использовать мастихин для своих картин.

Плюсы и минусы мастихина

Вот некоторые плюсы и минусы использования мастихина для рисования:

Плюсы:

Мастихин очень легко чистить. Вам буквально нужно всего лишь протереть тканью или бумажным полотенцем, и вся краска исчезнет. Это огромное преимущество перед кистями, которые требуют гораздо большего ухода.
Это может быть дешево, в зависимости от качества мастихина.
Отлично подходит для создания плотной текстуры и создания эффекта разбитого цвета.
Краем мастихина можно рисовать четкие линии.
Смелые мазки, наносимые мастихином, могут дополнять более тонкие мазки, наносимые кистью.
Вы можете рисовать поверх влажных слоев, не беспокоясь о смешивании краски (как это происходит с вашей кистью).

Минусы:

Вы не сможете рисовать с такой точностью, используя мастихин.
Не так универсальна, как кисть.

Что искать в мастихине

Вот что я ищу в мастихине:

Гибкое, но прочное лезвие.
Удобная ручка.
Длинный прямой край.

Вам не нужны необычные формы. Простого мастихина стандартной формы нескольких разных размеров более чем достаточно.

Техника мастихина

Тонкие линии

Вы можете использовать мастихин для создания тонких, обычно прерывистых линий, которые могут выглядеть очень естественно на картине. Все, что вам нужно сделать, это нанести на край мастихина небольшое количество краски, а затем нанести край на холст. Просто убедитесь, что краска равномерно распределена по краю ножа.

Кроме того, вы обычно получаете только одну линию за мазок, поэтому вам нужно будет перезаряжать мастихин между мазками.

Вы можете видеть, как Колли Уиссон использует мастихин в этом видео, чтобы нарисовать тонкую линию забора.

Перетаскивание одного цвета в другой

Мастихин прекрасно подходит для смешивания краев путем перетаскивания одного цвета в другой. То, что у вас осталось, это очень грубый и рассеянный край. Если бы вы сделали это кистью, вы бы получили гораздо более мягкий край.

Соскребание краски для исправления ошибок или добавления деталей

Вот где мастихин действительно сияет. Вы можете быстро соскоблить краску с холста, чтобы очистить область, где вы ошиблись.

Вы также можете использовать мастихин, чтобы нацарапать детали на своей картине. Например, вы можете соскоблить тонкую полоску краски, чтобы имитировать ветку дерева. При этом вам просто нужно знать, какой цвет будет выставлен в подмалевке. Окрашивание холста здесь пригодится, так как вы получите приятный землистый цвет, а не просто ослепительно белый голый холст.

Разноцветные мазки мастихином

Это одна из моих любимых техник. Просто возьмите несколько разных цветов и смешайте их вместе, но не так хорошо. Затем возьмите мастихин и создайте толстый мазок ломаного цвета.

Прокрашивание подмалевка

Обычно я предпочитаю кисть для прокрашивания подмалевка, так как я чувствую, что это дает мне больше контроля, однако вы также можете использовать для этого мастихин. Вы можете получить очень интересные результаты, делая это мастихином.

Это включает в себя очень слабое нанесение краски на подмалевок так, чтобы краска отрывалась от холста. Это может быть полезно для добавления дисперсии к воде или траве.

Нанесение небольших всплесков цвета

Эта техника включает в себя погружение кончика ножа в густую краску (обычно яркого цвета) и последующее нанесение ее на картину. Я использую эту технику на более поздних стадиях рисования, когда хочу добавить несколько небольших всплесков цвета.

Ниже крупным планом одна из моих картин, демонстрирующая эту технику. Обратите внимание на небольшие всплески ярких красных, синих и желтых оттенков поверх тусклой основы. Это отлично подходит для создания ощущения активности без необходимости рендеринга всех деталей.

Разбитый цвет

Поскольку мастихин позволяет рисовать слой за слоем, не смешивая краски друг с другом, вы можете добиться красивых эффектов разорванного цвета, которые невозможны с помощью кисти. Русские импрессионисты пользуются этим во многих своих картинах. Результатом является яркое отображение цвета, которое кажется почти вибрирующим.

Распространенное использование мастихина

Вот несколько способов использования мастихина в своих картинах:

Чтобы нарисовать блики на камнях.
Нарисовать снег на горе.
Для создания текстуры на переднем плане, чтобы имитировать траву, камни и другую природу.
Чтобы нарисовать листья или кору дерева.
Для быстрого покрытия холста краской.
Для нанесения линий на заборы, ветки деревьев или острые края.
И, конечно же, я использую мастихин для смешивания цветов на палитре, а также для очистки места на палитре, если что-то начинает выходить из-под контроля.

Художники, использующие мастихин

Мастихин становится все более популярным, поскольку художники осознают его преимущества. Вот некоторые художники, которые умело используют мастихин в своих картинах:

Тибор Надь
Брент Хлопок
Бато Дугаржапов
Даниил Волков
Ричард Шмид (особенно в его цветочных картинах)

Брент Коттон, Расчистка подлеска

Создание гармонии между мастихином и кистью

Думаю, мастихин лучше всего использовать в сочетании с кистью. Вы можете получить красивые контрастные эффекты, используя оба в своих картинах.

Однако вам не нужен слишком большой контраст. Вы хотите, чтобы все элементы вашей картины работали вместе, поэтому убедитесь, что ваша работа мастихином несколько гармонирует с вашей кистью.

Техника, которую я часто использую, заключается в том, чтобы смягчить края любых мазков мастихина кистью или провести мастихином по видимым мазкам. Это может создать тонкую связь между работой мастихина и кистью.

Вы также должны убедиться, что преобладает работа мастихином или кистью. Вы, вероятно, не должны использовать оба одинаково на протяжении всего рисунка, так как это может выглядеть немного запутанно.

Если в своей картине я использую в основном работу мастихином, я могу добавить небольшие области видимой кисти, чтобы разбить объекты. С другой стороны, если бы я в основном использовал кисть, я мог бы разбить вещи небольшими участками толстых мазков мастихина.

Просто помните, что вам нужно, чтобы все элементы вашей картины хорошо сочетались друг с другом. Нет смысла делать несколько красивых мазков на вашей картине, сделанных мастихином, если они не подходят к остальной части картины.

Моя картина ниже демонстрирует работу мастихином и кистью. Я использовал мастихин, чтобы создать толстую текстуру на холсте, особенно для солнца. Я использовал кисть, чтобы добавить некоторые мелкие детали.

Этюд заката, залив Кингфишер, масло, 10×12 дюймов, 2017 г.

Общие советы по рисованию мастихином

Вот несколько общих советов по рисованию мастихином:

Не забудьте почистить мастихин после того, как закончите. Если вы забудете, краска высохнет, и ваш мастихин будет почти бесполезен (так как у него будет шероховатая кромка). Возможно, вы сможете спасти свой мастихин, соскребая засохшую краску бритвой, но иногда это просто не стоит хлопот.
Не делайте мазки мастихином слишком регулярными. Попробуйте смешать вещи с точки зрения длины штриха, цвета или текстуры.
Вам не нужны все необычные формы мастихина. Вам просто нужно несколько размеров мастихинов стандартной формы.
Мастихин может соскребать краску так же легко, как и наносить краску.
Мастихин приносит в жертву точность и сложную работу кисти, поэтому постарайтесь компенсировать это потрясающим использованием цвета.
Мастихин отлично подходит для резких переходов цвета. Например, если вы хотите изобразить солнечный свет, пробивающийся сквозь темную группу деревьев, мастихин отлично подойдет для этого.

Наборы мастихинов

Вот некоторые популярные наборы мастихинов:

Studio 71 Набор из 5 мастихинов

US Art Supply 5 мастихинов

Традиционные ножи Liquitex Professional Freestyle

CONDA Набор мастихинов

Движение в искусстве импрессионистов — Мастера света и цвета

Лучшие импрессионисты оказали огромное влияние на мое личностное развитие как художника. Они проверили границы возможного с помощью цвета и продемонстрировали, что предмет — это не главное в живописи. Они показали вам, что может нарисовать что-то просто потому, что это красиво, без какого-либо глубокого смысла, и вы можете добиться успеха в этом.

Джон Сингер Сарджент хорошо объясняет импрессионизм:

«Импрессионизмом называлась определенная форма наблюдения, когда Моне, не довольствуясь использованием своих глаз, чтобы увидеть, что представляют собой вещи или как они выглядят, как это делали все до него, обратил свое внимание на то, чтобы отметить то, что происходило на его собственной сетчатке (как окулист проверяет свое зрение)». John Singer Sargent

В этой статье я предлагаю вам обзор движения импрессионистов и некоторые ключевые выводы, которые вы можете применить к своим картинам. Я покрываю:

Начало импрессионизма
Определяющие характеристики импрессионизма
- Заметные мазки
- Яркая и смелая цветовая палитра
- Мимолетная природа света
- Изображения обычных предметов
- Асимметричные композиции
Подставные лица импрессионистского художественного движения
- Клод Моне
- Камиль Писсарро
- Эдгар Дега
- Пьер-Огюст Ренуар
- Берта Моризо и Мэри Кассат
Чему можно научиться у импрессионистов
Дополнительные показания
Хотите узнать больше?
Спасибо за прочтение!

Джон Сингер Сарджент, Клод Моне Картина на опушке леса

Начало импрессионизма

Движение импрессионистов возникло в 1860-х годах во Франции и представляло собой радикальный отход от реалистической академической живописи, доминировавшей в ту эпоху. Изображения на религиозные темы и исторические сюжеты, написанные точными мазками и сдержанными красками, высоко ценились искусствоведами того времени.

Эжен Делакруа, Свобода, ведущая народ, 1830

Движение возглавили художники Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль, которые вынесли свои полотна на улицу и установили практику пленэрной живописи. Их работа совпала с разработкой портативных тюбиков для рисования и ящиков-мольбертов.

В отличие от других художников, которые делали наброски только на природе, а затем продолжали работать над ними, не выходя из своих мастерских, эти четыре художника писали на пленэре от начала до конца, изображая яркие пейзажи и запечатлевая сцены повседневной жизни. Они рисовали мир таким, каким видели его — несовершенным и постоянно меняющимся. В результате их картины казались другим художникам в то время грязными и незаконченными.

Пьер-Огюст Ренуар, «Картина Моне в его саду в Аржантее», 1873 г.

Движение привлекло внимание публики в 1874 году, когда произведения импрессионистов были выставлены в ныне известном Salon des Refusés , что в переводе с французского означает «выставка отверженных». Это была групповая выставка, состоящая из работ, которые были представлены на ежегодную государственную выставку «Салон », но были отклонены жюри.

Официальный Салон — престижная художественная выставка, организованная Академией изящных искусств в Париже. После того, как многие художники были исключены из Салона, они выразили протест, и это дошло до французского императора Наполеона III. Император приказал, чтобы отвергнутые произведения были выставлены на отдельной выставке поблизости. Канцелярия императора опубликовала следующее заявление:

«Многочисленные жалобы поступили Императору на предмет произведений искусства, от которых отказалось жюри Выставки. Его Величество, желая, чтобы общественность судила о правомерности этих жалоб, решил, что произведения искусства, которым было отказано, должны быть выставлены в другой части Промышленного дворца». (Опубликовано в Le Moniteur 24 апреля 1863 г.)

Выставка привлекла множество посетителей, искусствоведов и публики, но в основном произведения искусства вызывали насмешки. В довольно жесткой рецензии искусствоведа Луи Леруа он насмешливо назвал движение i импрессионист , название, придуманное после названия картины Моне «Впечатление, восход солнца». Он и не подозревал, что слово, которое он употребил в качестве оскорбления, поставит крест на всем художественном движении.

Клод Моне, Впечатление, Восход солнца, 1872

Определяющие характеристики импрессионизма

Импрессионистское движение было отмечено рядом отличительных черт, которые представляли собой радикальные изменения в способах создания и понимания искусства.

Заметные мазки

До импрессионизма художники использовали четкие, почти невидимые мазки, часто смешанные с золотым лаком. Импрессионисты, с другой стороны, использовали толстые, бросающиеся в глаза мазки, чтобы изобразить эфемерную природу света и течение времени.

Использование свободных мазков позволило им быстро рисовать на месте и улавливать суть предмета до того, как изменится освещение или объект сдвинется. Этот вид кисти привел к энергичным картинам, которые изображали мимолетную природу окружающей среды.

Клод Моне, Лодка-ателье, 1875-1876

Яркая и смелая цветовая палитра

Импрессионисты были революционными в своем подходе к цвету. Вместо того, чтобы смешивать несколько красок вместе для достижения желаемого тона, импрессионисты часто использовали чистые, несмешанные цвета и группировали их в набор небольших мазков для достижения желаемых тонов. Эти различные цвета оптически смешиваются друг с другом, если смотреть на них издалека. Хотя импрессионисты не создали эту технику, они, кажется, были первыми художниками, которые использовали ее в качестве ключевой черты. Как объяснил Джон Сингер Сарджент:

«Привычка разбивать свой цвет, чтобы сделать его блестящим, восходит к более давним временам, чем импрессионизм — Кутюр защищает это в небольшой книге под названием «Causeries d’Atelier», написанной около 1860 года — это часть техники импрессионизма, но используемая совсем по другой причине». Джон Сингер Сарджент

Как мы видим на этом мрачном изображении вокзала в Сен-Лазаре, Моне сочетал изумрудно-зеленый, ультрамарин, кобальтово-синий и даже оттенки желтого, чтобы создать цветовую вибрацию:

Клод Моне, Прибытие Нормандского поезда, вокзал Сен-Лазар, 1877

Импрессионисты также начали использовать больше цвета при рисовании теней. Вместо использования черного и коричневого импрессионисты начали использовать синий, зеленый, пурпурный и другие цвета с отчетливым цветовым деревом. Это может быть связано с тем, что большинство картин импрессионистов создаются на улице, где гораздо больше света и, следовательно, более видимый цвет. Или, может быть, это было связано с прекрасным пониманием того, как работают свет и цвет.

Мимолетная природа света

Пленэрная живопись позволила импрессионистам внимательно изучить естественный свет и то, как он влияет на используемые нами цвета. Верно рисовать свет было главной целью импрессионистов. В большинстве случаев это было важнее, чем сам предмет. В то время свет и цвет все еще были загадкой (и остаются ею до сих пор).

При этом многие художники рисовали один и тот же предмет снова и снова при разном освещении и погодных условиях. Клод Моне неоднократно делал это со стогами сена, водяными лилиями и Руанским собором.

Клод Моне, Стога сена, 1891

Изображения обычных предметов

Возникновение пленэрной живописи во многом определило сюжеты, которые рисовали импрессионисты. Вместо помпезных исторических или мифологических сюжетов импрессионисты изображали то, что они могли видеть снаружи — как правило, множество ярких пейзажей, натюрмортов и сцен повседневного досуга (например, пикники, прогулки на лодке…).

Как сказал Пьер-Огюст Ренуар:

«Что мне кажется самым важным в нашем движении [импрессионизме], так это то, что мы освободили живопись от важности предмета. Я волен рисовать цветы и называть их цветами, и им не нужно рассказывать историю». Пьер-Огюст Ренуар

Пьер-Огюст Ренуар, «Завтрак на лодке», 1880–1881

Асимметричные композиции

Вдохновленные недавно появившейся фотографией, импрессионисты создавали картины с необычными углами зрения, которые напоминали изображения моментов времени. Вот почему многие картины импрессионистов имеют асимметричные композиции, напоминающие откровенные фотографии, сделанные без ведома их героев.

Это особенно заметно в работах Эдгара Дега, который, вдохновленный японской гравюрой, рисовал балерин с интимных ракурсов, приближая зрителей к танцовщицам.

Эдгар Дега, Репетиция на сцене, 1878–1879 гг.

Подставные лица импрессионистского искусства

Клод Моне

Самым выдающимся художником импрессионистского направления, несомненно, был Клод Моне, наиболее известный своими изображениями кувшинок.

Используя несмешанные краски и разбросанные мазки, Моне стремился запечатлеть природу такой, какой он ее видел и переживал. Он часто использовал метод мокрого по мокрому, когда один слой краски наносился поверх другого, не дожидаясь высыхания первого слоя. Этот метод позволял ему создавать картины относительно быстро по сравнению с популярным в то время методом «мокрым по сухому».

Техника привела к более мягким краям и размытым линиям, которые просто подразумевали трехмерные плоскости без их реалистичного изображения. Как упоминалось ранее, его новаторский подход к искусству включал в себя рисование одной и той же сцены снова и снова, в разное время дня и при различных погодных условиях, чтобы показать, как свет и атмосфера влияют на наше восприятие.

Клод Моне, Водяные лилии, 1905

Камиль Писсарро

Друг и современник Моне, Камиль Писсарро, был ключевой фигурой импрессионистского движения и известен тем, что изображал яркие пейзажи и сцены из повседневной жизни французских крестьян. Он часто смешивал крестьянские фигуры с окружающей средой вместо того, чтобы выделять их. Таким образом, ему удалось заставить зрителей увидеть картину в целом, вместо того, чтобы сосредотачиваться на предметах произведения искусства.

Как и Моне, Писсарро создал множество этюдов цвета и света, рисуя различные сельские объекты в различных погодных условиях и при изменении освещения.

Камиль Писсарро, Крестьянка, копающая землю, Сад Мобюиссон, Понтуаз, 1881

Эдгар Дега

В отличие от большинства импрессионистов, которые предпочитали рисовать на пленэре, Эдгар Дега больше интересовался изображением внутренних сцен повседневной деятельности людей. Вот почему в его работах часто фигурируют кафе, музыканты и особенно артисты балета. Вдохновленный эстетикой японской гравюры, Дега часто экспериментировал с необычными ракурсами и композициями. Художник, который также был плодовитым скульптором, часто использовал пастель, чтобы придать своим фигурам почти скульптурный вид.

Эдгар Дега. Репетиция на сцене, 1878–1879

Пьер-Огюст Ренуар

Прославившийся яркими изображениями парижской современности и досуга конца 19 века, он мастерски играл со светом и тенью, создавая динамичные произведения искусства. Сломанная кисть и яркие цвета Ренуара изображали приятные, беззаботные темы, такие как встречи друзей и обнаженные женщины.

Пьер-Огюст Ренуар, Танец в Мулен де ла Галетт, 1876

Берта Моризо и Мэри Кассат

Берта Моризо, первая женщина, участвовавшая в выставках импрессионистов, прославилась тем, что написала богатые композиции, освещающие семейную жизнь женщин того времени. Ее картины часто включали обнаженную натуру, натюрморты и портреты ее дочери Джулии, которая была любимой моделью художника.

По приглашению своего друга и наставника Эдгара Дега американская художница Мэри Кассат присоединилась к импрессионистам примерно в 1877 году. Художница известна своими яркими изображениями матерей, заботящихся о своих детях, и другими повседневными сценами домашней жизни того времени (вязание , чтение, чаепитие и т.д.).

Берта Моризо, Сестра художника у окна, 1969

Кассат объединила импрессионизм с влиянием японской гравюры и традиционных техник старых мастеров, чтобы создать работы, в которых ярко выражены сложные отношения между женщинами и детьми. Но в отличие от старых мастеров, изображавших женские формы в очень лестной манере, Кассат изображала женщин такими, какие они есть, без украшений и украшений.

Мэри Кассат, Дети, играющие с кошкой, 1908

Чему можно научиться у импрессионистов

У импрессионистов можно многому научиться, даже если вы не любите их стиль:

Вам не нужно рисовать предметы с глубоким смыслом. Вы можете рисовать цветы только потому, что считаете их красивыми. Это делает акцент на технике рисования, а не на предмете.
Вы можете создать вибрацию цвета, используя технику сломанного цвета. Это также позволяет вам смешивать объекты с фоном, как это делал Камиль Писсарро во многих своих картинах.
Вам не нужно прибегать к черным и коричневым оттенкам для теней. Вы можете использовать синий, фиолетовый, зеленый и так далее. Это гораздо более гибкий подход к цвету и приводит к более красочным дисплеям.
Ваше впечатление о предмете важно и уникально. Вот почему два художника могут рисовать один и тот же предмет, но в итоге получаются совершенно разные картины.

Дополнительная литература

Как импрессионисты использовали дополнительные цвета для достижения большего эффекта

6 советов, которые помогут вам рисовать как импрессионист

Картины Уилларда Меткалфа

Картины Тома Томсона

Является ли импрессионизм просто предлогом для лени?

Хотите узнать больше?

Вас может заинтересовать мой курс Академии живописи.