Как и чем работает художник: «Как и чем работает художник»

Миллионы пейзажей были написаны здесь такими великими мастерами, как Рембрандт, Рейсдал, Хоббема, Вейсенбрух, Мауве, Ван Гог и Мондриан. Всех вдохновлял наш плоский ландшафт и большие горизонты. Это многовековая традиция, которой я придерживаюсь. «Создание голландского пейзажа» — мой девиз, моя тема и моя жизнь.

Но наш ландшафт меняется. Наше постоянно растущее население меняет внешний вид земли. Города растут, а история нашего ландшафта тонет под бетоном, зданиями и асфальтом.

Итак, как художник, я не только хочу, чтобы мир увидел красоту голландского пейзажа, но я также хочу повысить осведомленность о устойчивых видимых следах в ландшафте. От наших 5000-летних мегалитических памятников до наших современных ветряных мельниц. Как фотограф-детектив, я ищу истории о нашем пейзаже.

Мы должны быть осторожны с этим ландшафтом, который сложен из-за небольшого пространства и более чем 17 миллионов жителей. Вот почему я решил пожертвовать 10 процентов всего своего дохода организациям, защищающим голландский ландшафт. Это меньшее, что я могу сделать как художник — защитить горизонт.

@maarten_westmaas, @maarten.westmaas.dutch.landscape

. Insuctist. Поскольку мы живем в глобальной деревне, мы каким-то образом связаны через социальные сети. Художники больше не отшельники, и все мы «там [в мире]». Я надеюсь, что моя роль художника заключается в том, чтобы вдохновлять, общаться и сотрудничать!

Мои абстрактные работы — это картины и рисунки одновременно. Картины с геометрическими и органическими формами и линиями, состоящие из слоев чернил, акрила и других материалов, намекают на знаки жестов на поверхности абстрактного экспрессионизма. Мои картины отражают не только радикальный конфликт двух «бесцветных» цветов (черного и белого), но и их взаимодействие и взаимозависимость. Здесь есть историческое богатство, временное качество пейзажной живописи тушью, физическая сила и смелость черной туши, ее щедрость и бесконечные возможности.

Untitled #15 Бруно Кастро Сантос, 2017, цветной карандаш и графит на бумаге, 33×46 см сложное общество, в котором каждый индивидуум, независимо от его конкретной роли, играет важную роль в социальном биоразнообразии мира.

Художники играли решающую роль с самого начала нашего существования. От доисторических наскальных рисунков до фресок по всему миру, от научных рисунков до авангардных течений, художники внесли свой вклад в развитие человеческой эволюции с самых разных точек зрения.

Это расширение, как и вселенная, все еще продолжается, и художники по-прежнему играют важную роль. Я вижу себя частью сообщества, чья работа в качестве глобальной силы способствует этому человеческому росту.

Существует полумесяц сложности в том, как развивается мир искусства, и множество агентов, которые вращаются вокруг него, тесно переплетены с художниками и их творчеством. Хотя художники обычно работают в своих студиях в одиночку, они являются частью гораздо большего сообщества и играют гораздо большую роль, чем можно было бы ожидать.

@bruno.castro.santos

Industrial & Urbex: ‘Whitstable Wharf’ (Великобритания). моя роль художника очень серьезна, хотя я до сих пор получаю бесконечное удовольствие и испытываю огромную радость в своей студии. Я стараюсь быть очень вдумчивым и социально и политически осведомленным о моем окружении. Всякий раз, когда я испытываю чувство дискомфорта в своей жизни, мне нужно найти ответ, преобразовывая эти чувства с помощью своего искусства.

Роль художника подобна роли алхимика, способного превратить несколько простых материалов в объекты, наделенные духовной и эстетической ценностью, а затем, возможно, и материальной ценностью.

Я предпочитаю быть предвестником хороших новостей и надежды в нашем все более и более разрушенном мире, и я нахожу, что изображения обладают огромной силой восстанавливать коллективную эмоциональную боль и поднимать дух.

Поскольку я преобразовываю свои собственные страдания по поводу настоящего, а также будущего во что-то осязаемое, простое, обнадеживающее и прекрасное, моя роль состоит в том, чтобы через свое искусство, не будучи поверхностным, передать надежду обществу, моему сообществу и мир в целом.

Parrsboro Weir by Poppy Balser

Они являются представителями мира природы.

Я всегда жил в шаговой доступности от океана. Я чувствую, что моя роль художника заключается в том, чтобы быть послом природной красоты, которую можно найти здесь. Я рисую на открытом воздухе так часто, как только могу, чтобы получить как можно более четкое представление о том, что меня окружает. Что помогает мне уловить самый высокий уровень правды.

Я создаю свои картины, чтобы запечатлеть те части нашего пейзажа, которые я ценю и нахожу красивыми. При этом я сохраняю представления, которые могут исчезнуть без предупреждения. Подумайте обо всех картинах, сделанных с пейзажами Северо-Запада, которые теперь являются записями о том, как выглядела эта среда до лесных пожаров, охвативших большую часть этой части континента.

Одна из моих постоянных тем — плотина для сельди, сделанная из сетей для ловли дикой сельди. Плотины в значительной степени уникальны для залива Фанди. Когда я был молод, везде были плотины для селедки; они были обычными. Сейчас их почти все нет. Теперь мне нужно пройти довольно большое расстояние, чтобы нарисовать оставшиеся, пока они еще здесь. Эти довольно странные наборы сетей могут не иметь большого значения для людей, не имеющих никакого отношения к этой области, но они мгновенно узнаваемы местными жителями, которые находят большое значение в моих картинах плотин.

Я выхожу рисовать вещи, которые считаю красивыми, никогда не зная, что когда-нибудь может стать особенным, потому что это тоже трудно увидеть вне картин. Я выпускаю свои картины в мир, чтобы люди, которым никогда не доведется сюда приехать, все же могли быть тронуты видами этого места.

@poppybalser, @poppybalserpaintings

Polychrome by Steve Immerman

Артист играет множество ролей. Но в небольших городах наличие местных художников вызывает у сообщества чувство гордости. Он также подает пример молодым людям, которые могут подумывать о карьере в искусстве. Художники поддерживают свои сообщества, обучая искусству и ремеслу.

Кроме того, в большинстве населенных пунктов проводятся аукционы, приносящие пользу местным и благотворительным организациям, а пожертвования произведений искусства местных художников являются одними из самых популярных предметов на этих аукционах.

@docimmer, @clearwaterglass

Что такое роль художника и как она менялась на протяжении истории

Что такое роль художника

7 художник? Нельзя отрицать, что искусство определенного периода истории или определенного географического места может дать представление о культуре, о которой мы иначе не знали бы. Но иногда искусство говорит нам больше о художнике, чем об обществе и культуре, которые его окружают. Иногда кажется, что искусство отражает самую суть человечества.

Со всеми этими совершенно разными искрами вдохновения, какова роль художника? Отличается ли роль художника, стремящегося к красоте и эстетическому конечному результату, от роли того, кто стремится заявить о политической или интеллектуальной ценности?

На протяжении всей истории искусство преследовало самые разные цели. Как изменилась роль современного художника?

Меняющаяся роль художника на протяжении истории

Понятно, что у художников много разных ролей, но независимо от того, какую среду или стиль они изучают, все они преследуют одну и ту же цель: создавать искусство. Искусство красивое, искусство политическое, искусство доступное, искусство бросающее вызов, искусство выразительное, искусство загадочное.

Основная идея заключается в том, что художники отражают себя и свое окружение. Это могло быть фактическим и реалистичным или сюрреалистичным, символическим и выразительным. С тех пор, как стены пещер были обмазаны богатой грязью, чтобы изображать животных и первобытных людей, художники использовали свои средства, чтобы показывать вещи другим. Можно сказать, что роль художников частично состоит в том, чтобы описывать жизнь, но также и в том, чтобы проливать свет на аспекты, которые в противном случае могут быть упущены.

Когда вы рассматриваете работы Альбрехта Дюрера, вы вспоминаете мельчайшие детали и техническую точность, которые он демонстрировал. Это чувство реализма было обычным явлением в искусстве до тех пор, пока в игру не вступили кубизм и авангардные движения, принесшие с собой моду на концептуальную, стилизованную и интеллектуальную работу. Различные направления в искусстве не только вызвали эволюцию стиля искусства, но и вызвали изменение роли художника.

Анонимные ремесленники

В Древнем мире классический художник на самом деле был чернорабочим. Художников, скульпторов и ремесленников называли ремесленниками. Они унаследовали ремесло от своего отца, то есть художественные профессии были не выбором, а наследством. Ремесленники практиковали техническое мастерство, но формального обучения не было, и художественное самовыражение не поощрялось.

В Средневековье художники обучались своему мастерству через систему ученичества. Большая часть искусства была анонимной и создавалась людьми, которых считали ремесленниками, а не художниками. За это время наиболее развита художественная профессия. В средневековой Европе мастера считались почетными и ответственными членами общества.

Признанное Возрождение

Возрождение было временем, когда художники получали признание за свою работу, это означало конец анонимной работы. Благодаря Джорджио Вазари и его печально известной книге «Жизнеописания выдающихся художников, скульпторов и архитекторов » художники (особенно флорентийцы) стали получать немного больше признания и уважения. Торговцы заявили, что используют искусство для выражения власти и богатства.

В то время искусство считалось прихотью и роскошью. Поэты, философы, ученые и математики пользовались большим уважением, они считались интеллектуалами и были намного чище, чем художники. Художники стремились к тому, чтобы к ним относились с таким же уважением, как к этим почитаемым членам общества. Они начали включать в свои работы более сложные темы, добавляя детали, которые не были бы распознаны неподготовленным или неопытным глазом. Платонические идеалы, научные теории и астрологические детали начали появляться в произведениях искусства эпохи Возрождения, значительно изменив роль художника и проложив путь для современного искусства как способа выражения на эмоциональном, интеллектуальном и даже политическом уровне.

Искусство убеждения

Придворный художник в стиле барокко был нанят, чтобы придать стране ощущение личности. Он также использовался, чтобы влиять на то, что люди носили и как они себя вели. В этом отношении это была самая ранняя форма искусства как форма маркетинга. Роль придворного художника заключалась в продвижении и рекламе.

На рубеже 20 90 310 90 311 веков светские художники рисовали весьма лестные портреты, изображающие богатство, красоту и хороший вкус. Роль художника заключалась в том, чтобы украшать предметы каждой картины, делая их привлекательнее, тоньше, бледнее и красивее. Эти художники заставляли общество казаться более привлекательным, а также украшали людей точно так же, как это делают Голливуд и папарацци по сей день.

Политические и социальные изменения благодаря революционному искусству

Когда люди, считавшиеся ремесленниками, занимались искусством, это считалось работой, в которой не было места для самовыражения или индивидуальности. Ремесленники испытывали мало свободы, и их роль контролировалась власть имущими. Когда эпоха Возрождения представила идею использования искусства как выражения независимой мысли, были показаны первые семена революционного искусства .

Со временем художники осознали, что искусство может играть важную роль в формировании истории. Они отказались от идеи описательного искусства и нашли более глубокий смысл. Художники-революционеры увидели потенциал в использовании искусства как формы социального прогресса.

Художники-революционеры, такие как Диего Ривера и Кэт Кольвиц, использовали свои работы, чтобы буквально проиллюстрировать революционную догму. Такие художники, как Гойя, Домье и Мунк, просто изображали общество в таких мрачных и тревожных условиях, что они заставляли людей задуматься о социальных изменениях. Другие художники считались революционерами за их способность мыслить нестандартно и пробовать новые, смелые техники и выразительные стили. Их работа не обязательно политическая или предлагает социальные комментарии, но она дает представление о времени. Художники в этой категории включают Матисса, Мане, Пикассо и Сезанна.

Искусство ради искусства

Богемные художники ведут нонконформистский образ жизни и отказываются от структур и условностей в пользу искусства. Богема тоже очарована открытиями романтиков. Они верят, что эмоции — это истина в последней инстанции, нет различия между искусством и жизнью, и они сосредоточены на индивидуальном самовыражении и интуиции творчества. Богема и романтики верят в искусство ради искусства; искусство составляет суть их жизни, и оно так же важно и неотъемлемо, как религия для некоторых людей.

Если художники-революционеры — политические радикалы, то богемные художники — радикалы социальные. Они сосредотачиваются на изменении мышления людей, получая доступ к их эмоциям. Эмоциональное воздействие их искусства сильно и имеет большое значение. Роль богемного художника также часто включает в себя презрение к среднему классу, элемент саморазрушения и веру в то, что художник должен страдать. Протест против общества и конформизма часто принимает не художественную форму, а скорее поведенческую.

Современная роль художника

Современный художник может взять на себя любую из этих ролей или, возможно, даже их все вместе. Многие художники имеют элементы ремесленника или светского художника в своей профессиональной жизни, выполняя эстетические заказы на основе заказов тех, кто им платит. Они также могут использовать искусство для выражения своих собственных политических или эмоциональных ландшафтов. В настоящее время артисты часто имеют несколько ролей для выполнения различных аспектов своей жизни. Искусство зарабатывать деньги, искусство добиваться признания, искусство заявлять о себе, искусство как форма терапии, искусство как эмоциональная разрядка. В настоящее время иллюстраторы, графические дизайнеры и промышленные дизайнеры заняли место ремесленников прошлого.

Возможно, вы узнаете некоторые из этих ролей в своей работе. Искусство может быть бегством от реальности, использоваться как хроника времени или быть чем-то, к чему мы все можем относиться. Это может быть катализатором изменений, быть инстинктивным, подпитывать нашу культуру, отражать природу, успокаивать душу. Это может быть абсолютное наслаждение и роскошь, это может быть все, что вы хотите. Роль художника так же переменчива, как вдохновение и идеи художника, она постоянно меняется, развивается с годами и адаптируется с тем же бешеным темпом, что и общество.

Дополнительная литература

• Настоящий синий: краткая история синего цвета в искусстве
• Видение красного: краткая история красного цвета в искусстве

1.

1. Последнее обновление

2. Сохранить как PDF

• Памела Сахант, Пегги Блад, Джеффри Лемье и Рита Текиппе

  304 GALEO

  University System of Georgia

  Сегодня во многих странах мира художником считается человек, обладающий талантом и навыками концептуализации и создания творческих работ. Таких людей выделяют и ценят за их художественные и оригинальные идеи. Их художественные работы могут принимать разные формы и подпадать под многочисленные категории, такие как архитектура, керамика, цифровое искусство, рисунки, смешанная техника, картины, фотографии, гравюры, скульптура и текстиль. Что еще более важно, художники — это люди, у которых есть желание и способность представлять, проектировать и создавать изображения, объекты и структуры, с которыми мы все сталкиваемся, используем, занимаем и наслаждаемся каждый день нашей жизни.

  Сегодня, как это было на протяжении всей истории и разных культур, есть разные титулы для тех, кто делает и строит. Ремесленник или ремесленник, например, может производить декоративные или утилитарные предметы искусства, такие как стеганые одеяла или корзины. Часто ремесленник или ремесленник является квалифицированным работником, но не изобретателем оригинальной идеи или формы. Ремесленник или ремесленник также может быть тем, кто создает свои собственные проекты, но не работает в художественных формах или с материалами, традиционно связанными с так называемыми изобразительными искусствами, такими как живопись и скульптура. Вместо этого ремесленник может вылепить украшения, выковать железо или выдуть из стекла узоры и предметы собственного изобретения. Такие изобретательные и искусные произведения сегодня часто относят к категории Fine Craft или Craft Art.

  Во многих культурах на протяжении большей части истории те, кто производил, украшал, рисовал и строил, не считались художниками, как мы думаем о них сейчас. Они были ремесленниками и ремесленниками, и их роль заключалась в том, чтобы изготавливать предметы и строить сооружения, для которых они были наняты, по проекту (своему или чужому), согласованному с теми, на кого они работали. Это не значит, что они были необученными. В Средневековой Европе или в Средние века (V-XV вв.), например, ремесленник обычно начинал в возрасте около двенадцати лет подмастерьем, то есть учеником, изучавшим все аспекты профессии у мастера, имевшего свою собственную цех. Ученичество длилось от пяти до девяти лет и более и включало обучение ремеслам, начиная от рисования до выпечки и от каменной кладки до изготовления свечей. В конце этого периода ученик становился подмастерьем, и ему разрешалось стать членом ремесленной гильдии, которая контролировала обучение и стандарты для тех, кто работал в этой профессии. Чтобы получить полный статус в гильдии, подмастерье должен был завершить свой «шедевр», продемонстрировав достаточно навыков и мастерства, чтобы его назвали мастером.

  У нас мало информации о том, как художники обучались во многих других периодах времени и культурах, но мы можем получить некоторое представление о том, что значит быть художником, глядя на примеры созданных произведений искусства. Сидящая статуя Гудеа изображает правителя государства Лагаш в Южной Месопотамии, сегодня Ирак, во время его правления, ок. 2144–2124 гг. до н. э. (рис. 1.10).

  Рисунок 1.10 Гудеа, Автор: Met Museum, (OASC).

  Гудеа известен строительством храмов, многие из которых расположены в главном городе королевства Гирсу (сегодня Теллох, Ирак), со статуями, изображающими его самого в них. В этих работах он сидит или стоит с широко раскрытыми, пристальными глазами, но в остальном со спокойным выражением лица и руками, сложенными в жесте молитвы и приветствия. Многие из статуй, в том числе та, что изображена здесь, вырезаны из диорита, очень твердого камня, излюбленного правителями Древнего Египта и Ближнего Востока за его редкость и тонкие линии, которые можно вырезать. Возможность вырезать такие точные линии позволила мастеру, вырезавшему эту работу, различать и подчеркивать каждый палец в сложенных руках Гудеа, а также круговые узоры на его стилизованной пастушьей шапке, которые указывают на приверженность вождя благополучию и безопасность своего народа.

  Хотя скульптура Гудеа явно была вырезана опытным мастером, у нас нет сведений об этом человеке или о подавляющем большинстве ремесленников и строителей, работавших в древнем мире. На кого они работали и что они создали, являются отчетами об их жизни и мастерстве. Ремесленников ценили не за то, что они использовали оригинальный подход и выделялись при создании статуи правителя, такого как Гудеа: их успех был основан на их способности работать в рамках стандартов того, как изображалась человеческая форма и, в частности, как лидер должен выглядеть внутри. эта культура того времени. Например, большие миндалевидные глаза и компактная блочная форма фигуры типичны для скульптуры того периода. Эта скульптура не предназначена для индивидуального подобия Гудеа; скорее, это изображение характерных черт, позы и пропорций, характерных для всего искусства того времени и места.

  Предметы, сделанные из глины, были гораздо более распространены в древнем мире, чем сделанные из металла или камня, такие как Сидящая статуя Гудеа, которые были гораздо более дорогими, трудоемкими и сложными в изготовлении. Человеческие фигуры, вылепленные из глины, датируемые 29 000–25 000 лет до нашей эры, были найдены в Европе, а самая ранняя известная керамика, найденная в провинции Цзянси, Китай, датируется ок. 18000 г. до н.э. Сосуды из глины, обожженные в печах, впервые были изготовлены на Ближнем Востоке c. 8000 г. до н.э., почти за 6000 лет до того, как была вырезана Сидящая статуя Гудеа. Керамические горшки (глина, затвердевшая при нагревании) использовались для хранения и многочисленных бытовых нужд. Это были утилитарные предметы, сделанные анонимными мастерами.

  Однако у древних греков гончарное дело поднялось до уровня искусства. Но статус лиц, создавших и расписавших горшки, не изменился. Хотя их работы могли пользоваться спросом, эти гончары и художники по-прежнему считались ремесленниками. Происхождение керамики, которую можно охарактеризовать как чисто греческую, относится к ок. 1000 г. до н.э., так называемый протогеометрический период. В течение следующих нескольких сотен лет формы сосудов, виды орнаментов и сюжетов, наносимых на них, стали ассоциироваться с городом, в котором они были изготовлены, а затем и с теми, кто их изготовлял и украшал. Типы горшков, подписанные гончаром и художником, обычно представляли собой большие, искусно украшенные или иным образом специализированные сосуды, которые использовались для ритуальных или церемониальных целей.

  Так обстоит дело с амфорой Панафинейского приза, 363–362 гг. до н. э., подписанной Никодимом, гончаром, и приписываемой Художнику Свадебной процессии, чье имя неизвестно, но идентифицируется по сходству с другими расписными горшками (рис. 1.11). ). Панафинеи были праздником, проводимым каждые четыре года в честь Афины, богини-покровительницы Афин, Греция, которая изображена на амфоре , высоком сосуде с двумя ручками и узким горлышком. На другой стороне кувшина для хранения богиня победы Ника венчает победителя боксерского поединка, за который этот горшок с драгоценным оливковым маслом из священных деревьев Афины был награжден городом Афины. Только лучшие гончары и художники были наняты для изготовления горшков, которые были частью такой важной церемонии и обладали таким значительным призом. Хотя подавляющее большинство ремесленников никогда не называли себя в своей работе, эти заслуживающие внимания личности были выделены и признаны по именам. Подписи создателей продемонстрировали желание города вручить награду самого высокого качества; в то время они способствовали продвижению гончара и художника и с тех пор увековечили их. Однако не следует забывать, что приз внутри горшка считался гораздо более важным, чем сам сосуд или искусные мастера, которые его изготовили.

  Рисунок 1.11 Амфора Панафинейской премии с крышкой, Художник: Никодем, Автор: Музей Дж. Пола Гетти, (открытое содержимое)

  Китай был объединен и управлялся монголами с севера, сначала при Хубилай-хане, в период, известный как династия Юань (1271-1368). Ручной свиток « Цветы груши» был создан тушью и красками на бумаге около 1280 года Цянь Сюанем (ок. 1235 — до 1307, Китай). (Рис. 1.12) После создания монгольского правительства Цянь Сюань отказался от своей цели получить должность ученого-чиновника, как называли высокообразованных бюрократов, правивших Китаем, и обратился к живописи. Он был частью группы художников, известных как ученые-живописцы или литераторы. Работы ученых-художников были желательны для многих поклонников искусства, потому что считались более личными, выразительными и спонтанными, чем однообразные и реалистичные картины профессиональных, обученных художников. Утонченные и глубокие познания художников-художников в философии, культуре и искусстве, включая каллиграфию, сделали их желанными коллегами-учеными и при дворе. Они были частью элитного класса лидеров, которые следовали давним и благородным традициям конфуцианского учения выражать свои мысли с мудростью и изяществом, особенно в искусстве поэзии.

  Рисунок 1. 12 Цветы груши. Художник: Цянь Сюань, Автор: Met Museum, (OASC)

  Китай был объединен и управлялся монголами с севера, сначала при Хубилай-хане, в период, известный как династия Юань (1271-1368). Ручной свиток « Цветы груши» был создан тушью и красками на бумаге около 1280 года Цянь Сюанем (ок. 1235 — до 1307, Китай). (Рис. 1.12) После создания монгольского правительства Цянь Сюань отказался от своей цели получить должность ученого-чиновника, как называли высокообразованных бюрократов, правивших Китаем, и обратился к живописи. Он был частью группы художников, известных как ученые-живописцы или литераторы. Работы ученых-художников были желательны для многих поклонников искусства, потому что считались более личными, выразительными и спонтанными, чем однообразные и реалистичные картины профессиональных, обученных художников. Утонченные и глубокие познания художников-художников в философии, культуре и искусстве, включая каллиграфию, сделали их желанными коллегами-учеными и при дворе. Они были частью элитного класса лидеров, которые следовали давним и благородным традициям конфуцианского учения выражать свои мысли с мудростью и изяществом, особенно в искусстве поэзии.

  Цянь Сюань был одним из первых ученых-художников, объединивших живопись и поэзию, как он это сделал в «Грушевом цвете:

  ».

  В полном одиночестве у перил веранды,

  слезы, омывающие ветки,

  Хотя ее лицо не украшено,

  ее старые чары остаются;

  За запертыми воротами, дождливая ночь,

  как она наполнена грустью.

  Как иначе она выглядела, купаясь в золотых волнах

  лунного света, пока не наступила тьма.

  Стихотворение не предназначено для иллюстрации или описания его живописи ветки с ее нежной молодой листвой и цветами; скорее, качающиеся, неправильные линии листьев и плавно разворачивающиеся изгибы цветов призваны предложить сравнение с тем, как быстро проходит время — нежные цветы скоро увянут — и вызвать воспоминания о прошлых временах.

  В Китае тринадцатого века, как это было на протяжении большей части истории этой страны, значение картины тесно связано с личностью художника, а также с учеными и коллекционерами, которым принадлежали работы в последующие века. Их личности узнаются по печатям или штампам красного цвета, действующим как подпись, каждая из которых добавлена ​​к произведению искусства. Конкретные предметы и то, как они были изображены, были связаны с художником и часто упоминались в более поздних работах других художников в знак уважения и признания мастерства и опыта более раннего мастера. В «Цветущей груше», как это часто бывает, стихотворение и каллиграфия, которой художник его написал, были частью первоначальной композиции всего нарисованного свитка. Прикрепленные печати и заметки, сделанные более поздними учеными и коллекционерами, продолжали дополнять композицию, ее красоту и значение в течение следующих семисот лет.

  Когда Джеймс Эбботт Макнил Уистлер (1834–1903, США, жил в Англии) написал «Аранжировку в телесном цвете и черном», портрет Теодора Дюре в 1883 году, он ссылался на клейма мастеров, которые китайские и японские гончары использовали в качестве подписей на своих работах. керамики в монограмме, которую он принял для своей работы: стилизованный рисунок бабочки, основанный на его инициалах. (Рис. 1.13) Уистлер начал подписывать свои работы узнаваемой, но измененной фигурой бабочки, которая часто казалась танцующей, в 1860-х годах. Он начал собирать японский фарфор и гравюры, и на него огромное влияние оказали их цвета, узоры и композиции, которые отражали японские принципы красоты в искусстве, включая элегантную простоту, спокойствие, утонченность, естественность, сдержанную красоту и асимметрию или неправильность.

  Рисунок 1.13 Композиция в телесном цвете и черном: Портрет Теодора Дюре, Художник: Джеймс Эбботт Макнил Уистлер, Автор: Музей Метрополитен, (OASC)

  Уистлер был одним из многих американских и европейских художников второй половины девятнадцатого века, которые чувствовали себя обязанными порвать с тем, что, по их мнению, было сдерживающими ограничениями в том, как и чему обучали студентов-искусствоведов, а также в системе традиционных художественных выставок. Для Уистлера и других такие ограничения были невыносимы; как художникам им должно быть позволено свободно следовать своим собственным творческим устремлениям и стремлениям. Приняв японские принципы красоты в искусстве, Уистлер мог следовать тому, что он называл «искусством ради искусства». То есть он мог создавать искусство, не служившее иной цели, кроме выражения того, что он, как художник, находил возвышенным, гармоничным и приятным для глаз, ума и души:

  Искусство должно быть независимым от всякой чепухи, должно стоять отдельно и апеллировать к художественному чувству глаза или уха, не смешивая его с совершенно чуждыми ему эмоциями, как благоговение, жалость, любовь, патриотизм и тому подобное. Все они не имеют к этому никакого отношения; и именно поэтому я настаиваю на том, чтобы называть свои произведения «аранжировками» и «гармониями».

  Выделение художника таким образом, как человека с особой квалификацией и чувствительностью, противоречащей преобладающим культурным и интеллектуальным стандартам, было далеко от той роли, которую играл ученый-живописец, такой как Цянь Сюань, в Китае тринадцатого века. Работа, созданная Цянь Сюанем, соответствовала преобладающим стандартам, в то время как Уистлер часто думал о себе и своем искусстве как о противоречащем условностям своего времени. Продолжая одно понятие или категоризацию художника, которое существовало в Европе с шестнадцатого века (а позже и в Соединенных Штатах), Уистлер был исключительным творческим гением, чье искусство часто неправильно понимали и не обязательно принимали.

  Так оно и было. В 1878 году Уистлер выиграл иск о клевете против искусствоведа Джона Раскина, который описал картину Уистлера 1875 года «Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета» как «бросок горшка с краской в ​​лицо публике». (Рис. 1.14) Примерно к 1880 году, после этого злобного разбирательства, Уистлер часто добавлял длинное жало к своей монограмме в виде бабочки, что символизировало как нежную красоту его искусства, так и сильную, временами язвительную природу его личности.

  4 Джеймс Эбботт Макнил Уистлер, Нежное искусство заводить врагов (Нью-Йорк: Frederick Stokes & Brother, 1908), www.