Картины, биография: Брюллов Карл Павлович
Карл Павлович Брюллов родился в Санкт-Петербурге 12 декабря 1799 года. Его отец – Павел Иванович Брюлло был известным живописцем, и поэтому художественная судьба маленького Карла была определена сразу после его рождения. Все его братья занимались в Академии художеств, в которой преподавал их отец.
В детстве Брюллов очень много болел. До 7–ми лет он почти не вставал с кровати. Но его отец был очень строг к нему, и заставлял рисовать его положенное число фигурок, лошадок, наравне с остальными братьями. Если Карл не мог или не успевал это сделать, то самым меньшим наказанием для него было остаться без еды. А однажды за подобную провинность отец так ударил ребенка, что Брюллов остался глухим на одно ухо на всю свою жизнь.
В Академии художеств Карл учился хорошо, и превосходил всех своих товарищей. Учителя удивлялись, как хорошо рисует этот мальчик. Закончив Академию в 1821 с отличием, Брюллов вступил в Общество поощрения художников.
Брюллов посетил множество городов Европы, но Италия ему нравилась больше всего, и он провел тут более 12 лет. Именно здесь Брюллов состоялся как художник, стал известным и популярным мастером.
Жизнь в Италии протекала бурно и весело. К 1829 году Брюллов официально разорвал контракт с обществом поощрения художников, которое снабжала художника средствами на жизнь. Возможно, этому способствовал заказ у Брюллова картины «Последний день Помпеи» русским богачом Демидовым. Картину Брюллов рисовал 6 лет.
Возвращение Брюллова в Россию
В 1834 году Брюллов был вызван в Россию императором Николаем I. Его картина «Последний день Помпеи» была выставлена в Академии художеств.
В России Карл Павлович Брюллов стал героем. Его встречали с цветами и ликованием. Но личная жизнь в России оставляла желать лучшего. Он влюбился в Эмилию Тимм, которая была виртуозной пианисткой. Все было хорошо, но накануне свадьбы она призналась жениху, что давно живет со своим отцом. Все же они расписались, но после свадьбы ничего не поменялось. Отец Эмилии использовал эту женитьбу как прикрытие, и уже через 2 месяца Брюллову пришлось расторгнуть брак.
После этого случая пошли различные сплетни, и Брюллова отвергали практически повсюду. Художник стал часто болеть, а особенно не давало покоя ему его больное сердце. В 1849 году он уехал на лечение за границу, и, в конце концов, оказался в Риме в 1850 году. Там же он и умер через два года 23 июня.
разбор картины, история создания и судьба произведения.
Публикации раздела Музеи
23 декабря 1799 года родился Карл Брюллов.
Сын скульптора французского происхождения Поля Брюлло, Карл был одним из семи детей в семье. Его братья Павел, Иван и Федор тоже стали живописцами, а брат Александр — архитектором. Однако самым известным оказался Карл, написавший в 1833 году полотно «Последний день Помпеи» — главное произведение своей жизни. «Культура.РФ» вспомнила, как создавалось это полотно.
Карл Брюллов. Автопортрет. 1836
История создания
Картина написана в Италии, куда в 1822 году художник отправился в пенсионерскую поездку от Императорской Академии художеств на четыре года. Но прожил там 13 лет.
Сюжет повествует о древнеримской трагедии — гибели старинного города Помпеи, расположенного у подножия Везувия: 24 августа 79 года н. э. извержение вулкана унесло жизни двух тысяч жителей.
В 1748 году военный инженер Рокке де Алькубьерре начал археологические раскопки на месте трагедии. Открытие Помпеи стало сенсацией и нашло свое отражение в творчестве разных людей. Так, в 1825 году появилась опера Джованни Пачини, а в 1834 году — исторический роман англичанина Эдварда Бульвер-Литтона, посвященный гибели Помпеи.
Брюллов впервые посетил место раскопок в 1827 году. Отправляясь на развалины, 28-летний художник и не подозревал, что эта поездка окажется судьбоносной для него: «Нельзя пройти сии развалины, не почувствовав в себе какого-то совершенно нового чувства, заставляющего все забыть, кроме ужасного происшествия с сим городом», — писал художник.
Чувства, которые Карл Брюллов испытал на раскопках, не оставляли его. Так родилась идея полотна на историческую тему. Работая над сюжетом, живописец изучал археологические и литературные источники. «Декорацию сию я взял с натуры, не отступая нисколько и не прибавляя, стоя к городским воротам спиною, чтобы видеть часть Везувия как главную причину». Моделями для персонажей стали итальянцы — потомки древних жителей Помпеи.
Последний день Помпеи
На стыке классицизма и романтизма
В этой работе Брюллов являет себя не традиционным классицистом, а художником романтического направления. Так, его исторический сюжет посвящен не одному герою, а трагедии целого народа.
А в качестве сюжета он выбрал не идеализированный образ или идею, а реальный исторический факт.
Правда, композицию картины Брюллов строит в традициях классицизма — как цикл отдельных эпизодов, заключенных в треугольник.
В левой части картины на втором плане изображены несколько человек на ступеньках большого здания гробницы Скавра. Прямо на зрителя смотрит женщина, в глазах которой читается ужас. А за ней — художник с ящиком красок на голове: это автопортрет Брюллова, переживающего трагедию вместе со своими персонажами.
Ближе к зрителю — семейная пара с детьми, которая пытается спастись от лавы, а на первом плане женщина прижимает к себе дочерей… Рядом с ней — христианский священник, который уже вверил свою судьбу Богу и оттого спокоен. В глубине же картины мы видим языческого римского священника, который пытается спастись, унося ритуальные ценности. Здесь Брюллов намекает на падение античного языческого мира римлян и наступление христианской эпохи.
В правой части картины на втором плане изображен всадник на коне, который встал на дыбы.
А ближе к зрителю — жених, охваченный ужасом, который пытается удержать на руках свою невесту (на ней венок из роз), потерявшую сознание. На первом плане — два сына несут своего старика отца на руках. А рядом с ними — юноша, умоляющий мать подняться и бежать далее от этой всепоглощающей стихии. Кстати, этот юноша не кто иной, как Плиний Младший, действительно спасшийся и оставивший свои воспоминания о трагедии. Вот отрывок из его письма Тациту: «Я оглядываюсь назад. Густой черный туман, потоком расстилающийся по земле, настигал нас. Вокруг наступила ночь, непохожая на безлунную или облачную: так темно бывает только в запертом помещении при потушенных огнях. Слышны были женские вопли, детский писк и крик мужчин, одни окликали родителей, другие детей или жен и старались узнать их по голосам. Одни оплакивали свою гибель, другие гибель близких, некоторые в страхе перед смертью молились о смерти; многие воздевали руки к богам; большинство объясняло, что нигде и никаких богов нет и для мира это последняя вечная ночь».
Читайте также:
- Дюжина морей Ивана Айвазовского: география по картинам
- Природа не отдыхала: художественные династии России
- «Иисус должен быть один совершенно»
В картине нет главного персонажа, но есть центральные: златокудрый ребенок возле распростертого тела своей погибшей матери в желтой тунике — символ падения старого мира и зарождения нового, это противопоставление жизни и смерти — в лучших традициях романтизма.
В этой картине Брюллов показал себя и как новатор, используя два источника света — горячий красный свет на заднем плане, передающий ощущение надвигающейся лавы, и холодный зеленовато-голубой на переднем плане, добавляющий сюжету дополнительную драматургию.
Яркий и насыщенный колорит этой картины также нарушает классические традиции и позволяет говорить о художнике как о романтике.
Триумфальное шествие картины
Карл Брюллов работал над полотном в течение шести лет — с 1827 по 1833 год.
Впервые картина была представлена публике в 1833 году на выставке в Милане — и тут же произвела фурор.
Художника чествовали, как римского триумфатора, о картине писали хвалебные отзывы в прессе. Брюллова встречали на улице аплодисментами, а во время его переездов на границах итальянских княжеств не требовали паспорта: считалось, что каждый итальянец и без того знает его в лицо.
В 1834 году «Последний день Помпеи» был представлен на парижском Салоне. Французская критика оказалась не в пример итальянской сдержаннее. Но профессионалы оценили работу по достоинству, вручив Брюллову золотую медаль французской Академии художеств.
Полотно произвело сенсацию в Европе, и его с нетерпением ждали в России. В том же году оно было отправлено в Санкт-Петербург. Увидев картину, Николай I изъявил желание лично познакомиться с автором, однако художник отправился с графом Владимиром Давыдовым в путешествие по Греции, а на родину вернулся только в декабре 1835 года.
11 июня 1836 года в Круглом зале российской Академии художеств, где была выставлена картина «Последний день Помпеи», собрались почетные гости, члены Академии, художники и просто любители живописи.
Автора полотна, «великого Карла», внесли в зал на руках под восторженные крики гостей.«Толпы посетителей, можно сказать, врывались в залы Академии, чтобы взглянуть на «Помпею», — пишет современник и свидетель того успеха, равного которому ни один русский художник не знал.
Заказчик и владелец картины Анатолий Демидов подарил ее императору, а Николай I поместил ее в Эрмитаже, где она находилась в течение 60 лет. А в 1897 году была переведена в Русский музей.
Картина буквально взбудоражила все российское общество и лучшие умы того времени.
Искусства мирные трофеи
Ты внес в отеческую сень.
И был «Последний день Помпеи»,
Для русской кисти первый день! —
Лекция «Под воспаленным прахом»
написал о картине поэт Евгений Боратынский.
Александр Пушкин также посвятил ей стихи:
Везувий зев открыл — дым хлынул клубом, пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется — с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождем, под воспаленным прахом,
Толпами, стар и млад, бежит из града вон.
Упоминает «Последний день Помпеи» и Михаил Лермонтов в романе «Княгиня Лиговская»: «Если вы любите искусство, то я могу сказать весьма приятную новость: картина Брюллова «Последний день Помпеи» едет в Петербург. Про нее знала вся Италия, французы ее разбранили», — Лермонтов явно знал об отзывах парижской прессы.
Российский историк и путешественник Александр Тургенев говорил, что эта картина составила славу России и Италии.
А Николай Гоголь посвятил картине большую статью, написав: «Кисть его вмещает в себе ту поэзию, которую только чувствуешь и можешь узнать всегда: чувства наши всегда знают и видят даже отличительные признаки, но слова их никогда не расскажут. Колорит его так ярок, каким никогда почти не являлся прежде, его краски горят и мечутся в глаза. Они были бы нестерпимы, если бы явились у художника градусом ниже Брюллова, но у него они облечены в ту гармонию и дышат тою внутреннею музыкою, которой исполнены живые предметы природы».
Теги:
Интересные фактыХудожникиЖивописьПубликации раздела Музеи
картина | История, художники, элементы, техники, типы и факты
Хелен Франкенталер: председатель правления
Смотреть все СМИ
- Ключевые люди:
- Том Ли
Чарльз Х.
Алстон
Эйлин Агар
Рембрандт
Леонардо да Винчи
Алстон
Эйлин Агар
Рембрандт
Леонардо да Винчи- Похожие темы:
- Западная живопись Китайская живопись фреска картина маслом наскальная живопись
Просмотреть весь соответствующий контент →
Резюме
Прочтите краткий обзор этой темы
живопись , выражение идей и эмоций, с созданием определенных эстетических качеств, на двухмерном визуальном языке. Элементы этого языка — его формы, линии, цвета, тона и текстуры — используются различными способами для создания ощущения объема, пространства, движения и света на плоской поверхности. Эти элементы объединяются в выразительные узоры, чтобы представить реальные или сверхъестественные явления, интерпретировать тему повествования или создать полностью абстрактные визуальные отношения. Решение художника использовать определенный материал, такой как темпера, фреска, масло, акрил, акварель или другие краски на водной основе, тушь, гуашь, энкаустика или казеин, а также выбор конкретной формы, такой как фреска, мольберт, панно, миниатюра, иллюминация рукописи, свиток, ширма или веер, панорама или любая из множества современных форм основывается на чувственных качествах и выразительных возможностях и ограничениях этих вариантов.
Более ранние культурные традиции — племен, религий, гильдий, королевских дворов и государств — в значительной степени контролировали ремесло, форму, образы и содержание живописи и определяли ее функции, будь то ритуальные, религиозные, декоративные, развлекательные или образовательные. Художники использовались скорее как квалифицированные ремесленники, чем как творческие художники. Позже понятие «прекрасный художник» развилось в Азии и Европе эпохи Возрождения. Выдающимся художникам был предоставлен социальный статус ученых и придворных; они подписывали свои работы, определяли их дизайн, а часто и сюжет и образы, а также устанавливали более личные, хотя и не всегда дружеские, отношения со своими покровителями.
В 19 веке художники в западных обществах начали терять свое социальное положение и получать покровительство. Некоторые художники противостояли снижению меценатской поддержки, проводя собственные выставки и взимая плату за вход.
Эта статья посвящена элементам и принципам дизайна в живописи, а также различным средствам, формам, изображениям, сюжетам и символике, которые используются, перенимаются или создаются художником. По истории живописи Древнего Египта см.
Египетское искусство и архитектура. Развитие живописи в разных регионах рассматривается в ряде статей: Западная живопись; африканское искусство; Среднеазиатское искусство; китайская живопись; исламское искусство; японское искусство; корейское искусство; Искусство коренных американцев; Океаническое искусство и архитектура; искусство Южной Азии; Искусство Юго-Восточной Азии. За консервацию и реставрацию картин,
Викторина «Британника»
Викторина «Известные картины»
Узнайте, сможете ли вы узнать несколько самых знаковых картин западного искусства.
Дизайн картины — это ее визуальный формат: расположение ее линий, форм, цветов, тонов и текстур в выразительный рисунок. Именно чувство неизбежности в этой формальной организации придает великой картине ее самодостаточность и присутствие.
Цвета и расположение основных изображений в дизайне иногда могут в значительной степени определяться репрезентативными и символическими соображениями. Тем не менее, только формальное взаимодействие цветов и форм способно передавать определенное настроение, создавать оптические ощущения пространства, объема, движения и света и создавать силы как гармонии, так и напряжения, даже когда повествовательная символика картины неясна.
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
20 самых известных художников современности, о которых вы должны знать – CAI
Введение: кто является величайшим художником современности?
Когда дело доходит до составления списка самых влиятельных художников, мы склонны обращаться к инструменту аналитического исследования Artfacts[1].
На основе объективных данных и фактов о карьере алгоритм Artfacts составляет рейтинг самых важных ныне живущих художников. В этой статье мы более подробно рассмотрим этот рейтинг самых известных художников современности, представив аргументированную подборку двадцати самых влиятельных художников современности.
Самый известный художник — Герхард Рихтер (р. 1932), за ним следуют Георг Базелиц (р. 1938) и Эд Руша (р. 1937). Трио возглавляет список двадцати прославленных художников , которые доминировали на сцене более полувека.
Прежде чем открыть для себя жизнь и творчество Рихтера, Базелица, Руши и многих других в волнующей антологии художников, я хотел бы прояснить следующий вопрос: что определяет художника как художника?
Начиная с 1960-х и 70-х годов, традиционные категории в искусстве неоднократно очищались и переписывались, если не сказать больше. Итак, как определить художника? Просматривая сотню лучших из ныне живущих художников, мы наткнулись на нескольких художников, которые занимаются живописью, но из многопрофильной художественной практики, таких как Франсис Алес (р.
19 г.).59) или Гюнтер Брус (р. 1938). В результате мы выбрали художников, единственным или основным видом деятельности которых является рисование, и используем краску в качестве субстанции для создания двухмерных произведений искусства.
Перед тем, как погрузиться в дальнейшие категорические споры, вот текущая двадцатка самых известных художников современности.
Если вы сами художник, прочитайте нашу статью «Как добиться успеха в качестве художника/художника», где мы обсуждаем все, что вам нужно знать, чтобы стать успешным художником, но, скорее всего, вам об этом никто не говорит. Или зайдите в раздел «Услуги для художников», чтобы получить рекомендации или запросить профессиональный совет один на один.
20. Лейко Икемура
Лейко Икемура, Заратустра II, 2014. Пигмент на джуте – 189,9 × 290,2 см. Предоставлено галереей Рены Бранстен, Сан-Франциско.Начнем наш список с Лейко Икемуры. Лейко Икемура родилась в 1951 году в Цу, Ми-Кен, Япония, и является современной художницей, живущей и работающей в Берлине и Кельне, Германия. В основном она художник, но также активно занимается рисованием, скульпторством, если быть точнее, с 1981 года, и фотографом.
Ее творчество отмечено таинственной аурой, заключенной в ее мистических пейзажах и мрачных портретах. Икемура балансирует между абстракцией, выражением и фигурацией в качестве своего руководства. При этом современный японский художник исследует вопросы пола, войны и религии.[2]
Узнайте больше о Лейко Икемуре, прочитав ее недавнюю монографию Лейко Икемура.
19. Микеланджело Пистолетто
Микеланджело Пистолетто, Testa con foulard, 1982. Шелкография на полированной нержавеющей стали – 40 × 40 см.
Предоставлено Torna buoni Art.Несмотря на то, что Микеланджело Пистолетто является одним из выдающихся представителей Arte Povera и концептуального искусства, он наиболее известен как художник. Пистолетто родился в 1933 году в Бьелле, Италия, и добился международного признания благодаря своим зеркальным картинам в начале второй половины 20-го века.
Используя металлическую краску на холсте или полированной стали, Пистолетто играет с понятием зеркала и отражения, перенося зрителя и его окружение в саму картину. Пистолетто использует шелкографию изображений из своей живописной практики поверх своих отражающих поверхностей и картин.
Узнайте все, что вам нужно знать о его картинах, в печатном издании Микеланджело Пистолетто: Зеркальные картины.
18. Герман Нич
Герман Нич, Без названия, 2006. Холст, акрил – 100 × 80 см. Предоставлено Martini Studio d’Arte. Герман Нич родился в 1938 году в Вене, Австрия, художник-перформансист. Его работы называют Театром Orgien Mysterien.
Ритуальная практика, отмеченная жертвоприношением, кровью, внутренностями животных и наготой.
Вдохновленный религиозным искусством, Нич является членом Венских акционистов вместе с такими художниками, как Гюнтер Брус, Отто Мюль и Рудольф Шварцкоглер. Как и в живописи действия, Нич воплощает свои изображения с точки зрения перформанса, называемой Aktionen.[4]
Откройте для себя Герман Нич: Театр оргий и мистерий для дальнейшего чтения.
*Постфактум: Герман Нич скончался 18 апреля 2022.
17. Марлен Дюма
Марлен Дюма, Актриса «Портрет Романы Вреде», 2019. Холст, масло – 1 103 см. Предоставлено галереей Zeno X, Антверпен.Марлен Дюма родилась в 1953 году в Кейптауне, Южная Африка, живет и работает в Амстердаме, Нидерланды. Дюма известна своим характерным образным языком, чувственно нарисованными фигурами и часто наводящими на размышления сюжетами.
Дюма лихорадочно собирает образы, из которых черпает вдохновение.
В результате она объединяет политические вопросы с личным опытом и отсылки к истории искусства с личным подходом к холсту. Будучи одним из самых важных художников более широкого движения Новой европейской живописи , такие темы, как сегрегация, политика, война и культурные процессы объективации, исследуются в индивидуальном, но универсальном ключе.
Для дальнейшего чтения о Марлен Дюма мы настоятельно рекомендуем Марлен Дюма. Образ как бремя.
Один из моих самых любимых документальных фильмов о художниках — « Miss Interpreted », документальный фильм о Марлен Дюма. Посмотрите весь фильм онлайн в нашей статье со списком лучших документальных фильмов об искусстве, которые стоит посмотреть прямо сейчас.
16. Маркус Люперц
Маркус Люпертц, Begegnung (Nacht), 2011. Холст, смешанная техника – 130,2 × 161,9 см. Предоставлено галереей Майкла Вернера, Нью-Йорк/Лондон/Ист-Хэмптон. Родившийся в 1941 году в Либерике, ранее Райхенберге, Маркус Люперц живет и работает в Дюссельдорфе и Карлсруэ, Германия.
Наряду с такими, как Георг Базелиц, А.Р. Пенком и Йоргом Иммендорфом, Люперц стал одной из важнейших фигур немецкого послевоенного искусства XIX в.60-е годы.
Люперц в основном художник, но также занимается скульптурой, поэзией, образованием и даже игрой на фортепиано. Карьера немецкого художника отмечена повторяющимися мотивами, охватывающими множество источников вдохновения, таких как классическая античность, романтические пейзажи, кубизм и даже модная реклама.
Узнайте больше о работах Люперца, прочитав его ретроспективу в печати, Маркус Люпертц: Hauptwege und Nebenwege.
15. Фрэнк Стелла
Фрэнк Стелла, Ифафа II, 19 лет64. Металлическая пудра и акрил на холсте. 197 × 331,5 × 7,5 см. Предоставлено Художественным музеем Базеля, Базель.Фрэнк Стелла родился в 1936 году в Малдене, штат Массачусетс, пригороде Бостона, в настоящее время живет и работает в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки.
Стелла — один из самых значительных художников второй половины 20-го века, остающийся актуальным с нового тысячелетия.
Американский художник наиболее известен своими фигурными полотнами, раздвигающими границы живописи и минимализма в 60-х и 70-х годах.[7]
Для дальнейшего чтения мы рекомендуем Frank Stella из известной серии современного искусства Phaidon.
14. Albert Oehlen
Albert Oehlen, Walker, 1999. Холст, масло – 120 × 150 см. Предоставлено DBCA, Sylt.Альберт Олен, родился в 1953 году в Крефельде, немецкий художник, живущий и работающий в Кёльне, Германия. Отмеченное свободой и творчеством, творчество Олена характеризуется экспрессионистской манерой письма, автоматическим письмом, историей абстракции и постоянным поиском новых крайностей.
В 80-е годы Олен стал доминирующей фигурой на берлинской и кельнской арт-сцене, наряду с Ной Вильде, такими как Мартин Киппенбергер или Вернер Бюттнер. Немецкий художник пытается деконструировать среду, исследуя наиболее важные аспекты живописи, такие как цвет, мазок как жест, движение и время.
Узнайте больше в его многоязычной печатной монографии, опубликованной в 2018 году, под названием Albert Oehlen.
13. Ричард Принс
Ричард Принс, медсестра в Голливуде #4, 2004. Холст, акрил, струйный — 175,3 × 106,7 см. С уважением Гагосян.Ричард Принс родился в 1949 году в Панаме. Он художник, живущий и работающий в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. Занимаясь живописью и фотографией, Принс собирал изображения из средств массовой информации с 1970-х годов.
Ричард Принс исследует сложные переходы от изображения к произведению искусства, обсуждая концепции авторства, права собственности и ауры изображения как произведения искусства. При этом Принс затрагивает такие темы, как сексизм и расизм. Его самая известная серия работ состоит из предметов с почти мифическим статусом, таких как ковбои, байкеры, знаменитости и картины медсестер.]
12. Джаспер Джонс
Джаспер Джонс, Флаг, 1967. Энкаустика и коллаж на холсте (три панели) – 85,1 × 142,9 см. Courtesy The Broad, L A. Джаспер Джонс, родившийся в 1930 году в Огасте, Соединенные Штаты Америки, — американский художник, живущий и работающий в Шароне, штат Коннектикут, Соединенные Штаты Америки.
Лауреат премии «Золотой лев» на Венецианской биеннале в 1988 году наиболее известен своими культовыми картинами Флаг.
Между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом Джонс подходит к американскому флагу в формалистической манере, проявляя силу изображения. Полосы и звезды переопределяются как фигуры, составляющие картину, как картину и как утверждение.
Существует великолепный и обширный каталог-резонне Джаспера Джонса. Найдите его здесь: Джаспер Джонс: Каталог-резоне живописи и скульптуры.
11. Шон Скалли
Шон Скалли, Раваль, 2013. Алюминий, масло — 89,1 × 101,1 см. С уважением, Филлипс.Шон Скалли родился в 1945 году в Дублине, Ирландия, живет и работает в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки, и Берлине, Германия. Скалли — один из самых важных художников послевоенной эпохи, наиболее известный своими крупномасштабными абстрактными картинами вертикальных и горизонтальных форм и плоскостей.
Синтез доминирующей американской абстракции и европейского наследия Скалли приводит к индивидуальному стилю, в котором преобладают геометрические формы.
Вертикальные и горизонтальные блоки соединяются, поскольку картина наполнена жестами и осязаемыми эмоциями.[11]
Для дальнейшего чтения мы настоятельно рекомендуем недавно опубликованную монографию Шон Скалли: Форма идей.
Посмотрите длинный документальный фильм Шона Скалли в нашей статье о лучших документальных фильмах об искусстве здесь.
10. Anselm Kiefer
Anselm Kiefer, Alkahest, 2011. Холст, масло, эмульсия, акрил, шеллак, металл – 190 × 300 см. С уважением, Белый куб.Мы входим в первую десятку нашего списка вместе с Ансельмом Кифером. Родившийся в 1945 году в Донауэшингене, немецкий художник в настоящее время проживает и работает в Париже, Франция. Выросшее на руинах Второй мировой войны, творчество Кифера отмечено послевоенной идентичностью Германии в более широком движении Новой европейской живописи.
Картины Кифера отмечены шероховатой поверхностью, лепкой своих картин из металлов и даже воплощением найденных предметов. При этом Кифер выходит за рамки отражения исторических событий, охватывая миф, духовность и память.
Откройте для себя работы Ансельма Кифера в монографии Anselm Kiefer, , опубликованной в 2015 году издательством Thames & Hudson.
В нашу статью о лучших документальных фильмах об искусстве, которые стоит посмотреть прямо сейчас, мы включили потрясающий фильм Ансельма Кифера. Наслаждаться!
9. Ими Кнобель
Ими Кнобель, INNINN, 2002. Акрил на алюминии – 305 × 456,4 × 10,8 см. Предоставлено галереей Кристиана Летерта.Родившийся в 1940 году в Дессау, Германия, Ими Кнобель — немецкий художник, живущий и работающий в Дюссельдорфе, Германия. Кнебель наиболее известен как художник. Тем не менее, он включает в свою художественную практику рисунок, скульптуру, инсталляцию и фотографию.
Кнобель открыл для себя живопись в 60-х годах с строгим и базовым подходом толстых или тонких вертикальных линий, расположенных на разном расстоянии друг от друга. На протяжении 70-х годов немецкий художник продолжал экспериментировать со своим минималистичным подходом, реализовывая проекции, экспериментируя с цветом и экспансивной живописью.
Отличный обзор работ Кнобеля представлен в каталоге Ими Кнобель: Работы 1966-2006 гг.
8. Алекс Кац
Алекс Кац, Coca-Cola Girl 39, 2018. Холст, масло – 121 × 121 см. Предоставлено Таддеусом Ропаком.Алекс Кац, родившийся в 1927 году в Бруклине, Соединенные Штаты Америки, является американским художником, живущим и работающим в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки. С годами Кац отличился уникальным подходом к фигуративной живописи.
С 1950-х годов Кац уже более семи десятилетий доминирует на художественной сцене со своими репрезентативными картинами современной жизни. Американский художник черпает вдохновение в фильмах, рекламе, друзьях и музыке, работая в основном с натуры. Используя большие и плоские цветные плоскости, фигуры Каца состоят из плоских фигур на монохромном фоне. Используя фотографические приемы, такие как декупаж и/или кадрирование, Кац ищет идеальный фрагмент фигуры для рисования.
Узнайте больше о работах Алекса Каца в серии Phaidon Contemporary Art Series Alex Katz.
7. Хеймо Зоберниг
Хеймо Зоберниг, Без названия, 2013. Холст, акрил – 200 × 200 см. Предоставлено Attika Fine Arts.Хеймо Зоберниг родился в 1958 году в Маутене, Австрия, живет и работает в Вене, Австрия. Австрийский художник не поддается категоризации, внедряя в свою художественную практику широкий спектр средств массовой информации, таких как архитектурные вмешательства, инсталляции, фильмы, видео, скульптура и живопись.
Его творчество отмечено исследованием формального языка модернизма. Подумайте о таких мотивах, как монохром, сетка или геометрическая абстракция, и это лишь некоторые из них. Более того, Зоберниг делает шаг вперед и исследует, как его искусство представлено или «обрамлено» как физически, так и концептуально. При этом Хеймо Зоберниг ставит под сомнение традиционную галерейную архитектуру или искусствоведческие и идеологические проблемы.
Для дальнейшего чтения узнайте больше в монографическом издании Хеймо Зоберниг.
6.
Дэвид Хокни Дэвид Хокни, Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами), 1968. Холст, акрил – 213,5 x 305 см. Предоставлено Дэвидом Хокни.Дэвид Хокни, родился в 1937 году в Брэдфорде, Соединенное Королевство, английский художник, живущий и работающий в Нормандии, Франция. Хокни был главным героем поп-арта, британской арт-сцены и фигуративной живописи на протяжении всего 20-го века. В результате он является одним из самых важных современных британских художников-фигураторов и современной эпохи в целом.
Хокни продолжал развивать свое уникальное живописное творчество на Голливудских холмах с 1960-х годов, где он жил и работал, переводя свое повседневное окружение в свою художественную практику. В результате на его картинах стала видна экзотическая и чувственная жизнь у бассейна в Лос-Анджелесе. В ноябре 2018 года картина Хокни «Портрет художника (бассейн с двумя фигурами) » была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за колоссальные 90 миллионов долларов, временно свергнув Джеффа Кунса с поста самого дорогого произведения живого художника, проданного на аукционе.
[16]
О Дэвиде Хокни написано множество монографий. Тем не менее, нашим абсолютным фаворитом является монография Дэвида Хокни, издательства Tate Publishing (2017).
Мы также выбрали первоклассный художественный документальный фильм о Дэвиде Хокни. Вы можете посмотреть весь фильм онлайн и совершенно бесплатно в нашем списке статей с лучшими документальными фильмами об искусстве.
5. Арнульф Райнер
Арнульф Райнер, Landschaft, 1984-1985 гг. Масло на картоне на дереве – 51 × 73 см. Предоставлено галереей Лукаса Фейхтнера, Вена.Мы входим в пятерку лучших с австрийским художником Арнульфом Райнером. Родившийся в 1929 году в Бадене, Австрия, Арнульф Райнер в настоящее время проживает и работает в Вене, Австрия. Райнер добился международного признания за свой уникальный процесс нанесения краски на фотографический материал.
Известный своим умением ассигновать, Райнер трансформирует существующие произведения искусства, рисуя поверх них. Толстые метки, слои краски, жестовые мазки и связь с сюрреализмом благодаря воплощению автоматизма в рисовании с завязанными глазами.
Австрийский художник следует своим инстинктам и побуждениям, работая над абстрактными картинами и другими экспериментальными практиками в своем творческом процессе, в том числе использование ног или рисование под воздействием наркотиков.[17]
Ознакомьтесь с монографической публикацией Арнульф Райнер: Ретроспектива, чтобы узнать больше об Арнульфе Райнере.
4. Уильям Кентридж
Уильям Кентридж, Силуэт процессии «Триумфы и плачи» 6, 2016 г. Бумага, тушь – 38 × 49 см. С разрешения Лии Руммы, Неаполь/Милан.Уильям Кентридж родился в 1955 году в Йоханнесбурге, Южная Африка, и в настоящее время продолжает работать и проживать в южноафриканском городе, столице провинции Гаутенг. Кто-то может возразить, что Кентридж скорее рисовальщик, чем художник. Однако различие между живописью и рисунком, кажется, исчезает с южноафриканской иконой из-за экспрессионистского характера его творчества.
На протяжении всей своей карьеры Кентридж использовал различные средства массовой информации, такие как перформанс, кино, гравюры и скульптура.
Основой его творчества и отправной точкой любого произведения искусства является рисование и живопись как процесс записи истории путем реконфигурации фрагментов для понимания прошлого.[18]
Узнайте больше об Уильяме Кентридже с Уильямом Кентриджем в серии современного искусства Phaidon.
3. Эд Руша
Эд Руща, президент, 1972. Холст, масло – 50,8 × 61 см. С разрешения галереи Omer Tiroche, Лондон.Сегодня мы входим в тройку самых важных ныне живущих художников, а Эд Руша получает бронзовую медаль. Родившийся в 1937 году в Омахе, Соединенные Штаты Америки, Руша — американский художник, живущий и работающий в Калвер-Сити, Соединенные Штаты Америки. Руша наиболее известен как художник, отказавшийся от академических коннотаций, связанных с абстрактным экспрессионизмом, и принесший слова во вселенную живописи.
Руша использует слова как формы, знаки, материалы и как предмет для создания абстрактных картин. Используя юмор и остроумие, словесные картины Руши получили международное признание, поскольку он переплел визуальное с языком и наоборот.
]
Откройте для себя другие работы Эда Руша с Эд Руша: 50 лет живописи.
2. Георг Базелиц
Георг Базелиц, Sitzbank, 2020. Холст, масло – 270 × 207 см. Предоставлено Таддеусом Ропаком.На втором месте блестящая карьера Георга Базелица. Базелиц родился в 1938 году в городе Каменц-Дойчбазелиц, Германия. Живет и работает в Мюнхене, Германия. Немецкий художник наиболее известен своими нарисованными перевернутыми фигурами.
Базелиц — один из самых важных послевоенных художников и первопроходец Новой европейской живописи и неоэкспрессионизма в Германии, отвергший господство абстракции и живописных репрезентативных элементов и вернувшийся к фигуре. Немецкий художник, гравер и скульптор изображает свои предметы вверх ногами, чтобы замедлить живописный процесс и зрительское восприятие картины. При этом Базелиц достигает уникального баланса абстракции и фигурации, изображая не только фигуры на голове, но и пейзажи, натюрморты и многое другое.[20]
Узнайте больше, прочитав недавно опубликованную монографию Георга Базелица.
1. Герхард Рихтер
Герхард Рихтер, Бетти, 1988. Холст, масло – 102 × 72 см. Предоставлено Фондом Бейелер, Риен.Герхард Рихтер находится в самом верху нашего списка — самый известный из ныне живущих художников. Рихтер родился в 1932 году в Дрездене, Германия, в настоящее время живет и работает в Кельне, Германия. Рихтер посвятил свою карьеру изучению средств живописи в тесной связи с эффектами фотографии.
Рихтер добился международного признания в 1960-х годах благодаря своим фотокартинам. Он превращал фотографии в картины, различающиеся по тематике. Пейзажи, обнаженная натура, натюрморты, повседневная жизнь, самолеты, альпийские горы и многое другое были нарисованы дымкой, парящей над фотореалистичным изображением, создавая эффект размытия. Это размытие или дымка Рихтера привнесли абстракцию в его творчество, позволив Рихтеру свободно переходить от фотореализма к смелой абстракции, как ни один другой художник.
В новейшей истории искусства Герхард Рихтер кажется вездесущим.
С ретроспективной точки зрения выдающийся немецкий художник кажется пионером более чем одного движения или направления в современной фигуративной живописи. В результате неудивительно и заслуженно то, что Герхард Рихтер сегодня является нашим самым известным художником номер один.
Для дальнейшего чтения о Герхарде Рихтере я настоятельно рекомендую обширный каталог Герхард Рихтер: Панорама по случаю его одноименной ретроспективы в Тейт Модерн.
Мы также выбрали отрывок из фильма/документального фильма Герхарда Рихтера «Живопись». Посмотрите его онлайн в нашей статье со списком лучших документальных фильмов об искусстве, которые стоит посмотреть прямо сейчас.
Примечания:
[1] Artfacts, рейтинг художников на https://artfacts.net/lists/global_top_100_artists, консультация проведена 20 марта 2021 г.
[2] Artsy, Лейко Икемура, https://www.artsy.net/artist/leiko-ikemura, консультация 20 марта 2021 г.
[3] Artsy, Микеланджело Пистолетто, https://www.
artsy.net/artist/michelangelo-pistoletto, консультация 20 марта 2021 г.
[4] Artnet, Герман Нич, http://www.artnet.com/artists/hermann-nitsch/, консультация 20 марта 2021 г.
[5] Галерея Zeno X, Марлен Дюма, http://www.zeno-x.com/artists/MD/marlene_dumas_bio.html, консультация 23 марта 2021 г.
[6] Галерея Almine Rech, Маркус Люперц, https://www.alminerech.com/artists/4458-markus-lupertz, консультация 23 марта 2021 г.
[7] Тейт, Фрэнк Стелла, https://www.tate.org.uk/art/artists/frank-stella-1994, консультация 23 марта 2021 г.
[8] Гагосян, Альберт Оэлен, https://gagosian.com/artists/albert-oehlen/, консультация 23 марта 2021 г.
[9] Гагосян, Ричард Принс, https://gagosian.com/artists/richard-prince/, консультация 23 марта 2021 г.
[10] Artnet, Джаспер Джонс, http://www.artnet.com/artists/jasper-johns/, консультация 23 марта 2021 г.
[11] Lisson Gallery, Шон Скалли, https://www.lissongallery.com/artists/sean-scully, консультация 23 марта 2021 г.
[12] Гагосян, Ансельм Кифер, https://gagosian.